The Tramps - Cinema, literatura e cultura

Griselda Ripley?

2012-02-09T12:12:00.001-02:00

(ESTAMPA, Fina – RedeGlobo, Brasil, 2012)

Carlota Valdez, mãe biológica deTereza Cristina (a figura mais histriônica e caricata da televisão nomomento) foi assim nominada em homenagem a UmCorpo que Cai, de Alfred Hitchcock. No filme de Hitch, Carlotta Valdes é amulher retratada num quadro, por quem Madeleine (Kim Novak) tem estranhaobsessão. (Li a curiosidade no jornal)

Dia destes, a personagem deArlete Salles disse conhecer alguém que subia no telhado e gritava "Euquero uma esposaaaa, eu quero uma esposaaaaa", clara referência ao TioTeo, do felliniano Amarcord, que bradaalgo similar empoleirado numa árvore. (Reportado por Conrado Heoli).

Qual será a próxima referênciacinematográfica? Quem sabe Griselda, cansada das presepadas de sua antagonista,não entre para alguma missão espacial, onde acabará confrontando o Alien em pessoa?

O Artista e o clamor pelo cinema

2012-02-03T19:15:00.000-02:00

O estranhamento delicioso de assistira algo reverente e alusivo ao cinema mudo das primeiras décadas do séculopassado traz automaticamente uma aura de encantamento a O Artista. Logo, porém, percebe-se o longa do diretor francêsMichel Hazanavicius como obra de êxito não apenas por esta brilhante revisitaformal aos primórdios cinemáticos, uma vez que possuiu méritos além da puracontemplação de algo trajado tal e qual um simpático senhor perdido no tempo.

A curva descendente da carreira artísticade George Valetin, iniciada pelo ocaso do cinema mudo e nascimento do sonoro, ébase de uma trama romântica, alimentada pela sinergia entre o drama do homemque sente o chão lhe faltar, e a potência da arte que, enquanto ser vivo epulsante, não para de adquirir novas formas, causando deleite e êxtase. Aderrocada do astro pode ser entendida como a própria arte cinematográfica que,vez ou outra, declina na negociação constante de sua sobrevivência. Já oscoadjuvantes capitaneados por Peppy Miller, atriz de meteórico sucesso e estandartedo recém gestado cinema sonoro, são quão socorristas do ator vitimado peloostracismo, se recusam a deixar o cinema (bem como seus avatares) morrer àmíngua. Há os precipícios, mas felizmente existem também os apanhadores noscampos de centeio.

Mas antes que se veja O Artista puramente como libelo filmado à moda antiga pela intenção de refletir sobre certa“pureza” fundamental perdida na contemporaneidade cinematográfica, ou mesmo ocontrário, como alerta aos opositores das inovações - já que por sua teimosiaem não acolher as novidades o protagonista sofre conseqüências nefastas -, cabeperceber que o filme abraça amplitudes e paradoxos sem medo. O Artista utiliza ambas as extremidades paraedificar um diálogo aberto, sem que qualquer delas afirme categoricamente ou instaurerestritivos pontos finais. Sim, há um clamor explícito: para que o públicovolte a amar o cinema, independente da bitola, formato, granulação, ou qualqueroutra variante.

Um filme preto e branco, mudo, emplena era do império 3D. Quanta ousadia de Hazanavicius, a de levar o cinema devolta às origens, quando astros e estrelas não emitiam sons, quando as falas,pancadas e rajadas de bala ecoavam apenas no caminho entre a visão e a imaginação.O atrevimento recompensa, pois O Artistanão é apenas um OVNI em meio à produção atual, é uma carta de amor ao cinema,este ser intangível constituído de imaginário, fascínio, medo, paixões,desamores, ação, entre outros tantos elementos que se desprendem da tela paranos modificar. Pois se o cinema não nos modifica, bom cinema não é.

Publicado originalmente em Papo de Cinema

É para festa?

2012-02-02T12:54:00.001-02:00

Dados referentes ao comportamentodo filme brasileiro no mercado interno em 2011, recém divulgados pela ANCINE(Agência Nacional do Cinema), apontam: crescimento dos lançamentos (99), bomnúmero de exemplares com mais de um milhão de espectadores (7) e queda de 30% nabilheteria total, esta justificada pela ausência de um blockbuster como Tropa de Elite 2, fenômeno de 2010. Destes 99 longas lançados, cerca de 20 tiverammenos de mil espectadores.

Levando em consideração que boaparte dos responsáveis por este, em geral, satisfatório desempenho do cinemabrasileiro junto ao público, segue a cartilha “comédia de gosto duvidoso comlinguagem televisiva”, enquanto alguns relevantes ficaram “de pires na mão”,pergunto:
Comemora-se ou não?

Os reconhecíveis Vampiros de Almas

2012-01-20T10:21:00.000-02:00

Aolongo da história, artistas utilizaram - e continuam utilizando - tempos turbulentoscomo intenso combustível de obras dispostas a ponderar, justamente, sobre eras deinconstância. Os Estados Unidos viviam em ebulição no decorrer dos anos 1950:crises pós-Segunda Guerra Mundial, a sombra do comunismo, o ocaso do famigeradoMcCarthysmo, a Guerra Fria, etc. Don Siegel, um dos célebres mentores de ClintEastwood, lançou então em 1956 a ficção científica Vampirosde Almas, um marco da cinematografia estadunidense engajada, e, sem dúvida,herdeira desta tradição de obras que falam a (ou de) seu tempo.

Emsucintos oitenta minutos, vê-se a paranoia crescente na pequena localidade deSanta Mira pelos olhos do médico, descobridor de um plano alienígena que consisteem substituir humanos por seres sem emoções, ocos internamente. Alegórico, Vampiros de Almas é espécime raro decinema galgado na metáfora, no qual o subtexto emerge ao ponto de subjugar oque está num primeiro plano. É quase automática a associação entre a conjunturapolítico/social americana da época com este cenário de pânico instaurado diegeticamente.Incerteza e desconfiança generalizada surgem na tela aludindo à caça aoscomunistas “comedores de criancinhas”. Seres sem vida e carentes de emoções, massificados,podem ser os que dão lugar à réplica extraterrestre, bem como aqueles que veemo país naufragar num cenário caótico e, mesmo assim, preferem alienar-seconfortavelmente em suas posições neutras.

DonSiegel, artesão dos mais subestimados, cria um estado de histeria comunitária moldandoo preciso roteiro de Daniel Mainwaring, Sam Peckinpah (ele mesmo) e RichardCollins, auxiliado pela belíssima fotografia em preto e branco de EllsworthFredericks (que, aliás, evidencia sobremaneira contrastes entre luz e sombra). Comestética de filme B, Vampiros de Almasnão se presta ao superficial, já que por trás da fabulação e das artimanhasnarrativas, residem desejos (não tão recônditos) de transmitir ao público acrítica travestida de ficção científica, gênero que em tempos áureos foi um dosprincipais veículos de metáforas acerca da sociedade que se prestava a refletir.

Publicado originalmente em Papo de Cinema

Carnage: de longe todos são normais

2012-01-13T11:30:00.002-02:00

Roman Polanski é cineasta afeitoa espaços exíguos. Um superficial exame em sua filmografia já aponta para estapredileção por ambientes restritivos, que não raro desempenham função dramáticaespecífica. O apartamento é fundamental em O Bebê de Rosemary, assim como a moradia dainstável protagonista de Repulsa ao Sexoe a residência que serve de cenário basilar para O Escritor Fantasma. Seguindo a linha, em Carnage quase toda ação transcorre num pequeno apartamento, cuja forçadelimitadora das ações e reações em eminente choque é significativa. É umajaula repleta de portas e janelas não transpostas.

Como base dos créditos iniciais, háum plano revelador de certa celeuma ordinária entre garotos. Tal eventodesencadeia a necessidade de uma conversa conciliatória entre os responsáveispelos adolescentes. Michael e Penélope Longstreet (John C. Reilly e JodieFoster), pais do menino agredido, recebem em sua casa os progenitores doagressor, Alan e Nancy Cowan (Christoph Waltz e Kate Winslet). À medida que asgentilezas iniciais vão dando lugar a pequenas alfinetadas, a aparente calmariase transforma em repetidos ataques, que inevitavelmente abrem fissuras numarelação até então bastante diplomática.

Em registro tragicômico, o verborrágicoCarnage esfrega na cara do espectadorconstantemente “o que somos enquanto espécie”, e só não cede a quaisquer inclinaçõesmoralistas porque preenche a instabilidade com um humor sutil, amplificando algunsdesdobramentos pela via do patético. O embate “casal vs casal”, motivadoinicialmente pela briga dos filhos, logo se vê menor ante expedientes mais,digamos, reveladores, como a ética (ou a falta dela) de quem representainfratores, o pseudo-engajamento de alguns preocupados com a situação africana,a inércia de homens que escondem temperamento explosivo sob a aparente calma, emulheres que precisam de algumas doses para dizer o que pensam.

Em Carnage são evidentes as habilidades do roteiro e da montagem,promotores de um fino equilíbrio no fluxo narrativo. Certamente um cineastamenos competente sucumbiria à tentação de dar mais relevo a esta ou aquelafigura, e esta assertividade diretiva se observa igualmente na escolha nadaaleatória de dois americanos para interpretar um casal atolado em sua própriamediocridade, e outros dois europeus para dar vida à dupla de bem sucedidosprofissionalmente e carentes de humanismo. Além de genuíno filme de ator -rótulo possível graças ao desempenho brilhante dos quatro protagonistas - Carnage também deve muito à direçãocoesa e incisiva de Polanski.

Ainda envolto em problemasjudiciais por conta de um crime cometido no passado, pelo qual não pode maispisar em solo americano, Roman Polanski parece cada vez mais arguto em suasobservações, ciente de que ao artista cabe refletir acerca da sociedade que ocircunda conforme seu ideário motriz. Ele conhece como ninguém os que lheapontam o dedo condenatório, guardadores de seus próprios pecados cotidianos asete chaves. O apego aos objetos (celular, bolsa, livros de arte, charutos ebebidas) que os personagens de Carnagetêm, por exemplo, evidencia aspectos definidores desta nossa sociedadeensimesmada, viciada em projetar nos artefatos seu sustentáculo. Entre vomitar nastulipas da sala, largar um hamster à própria sorte, defender interesses escusosou esconder-se numa falácia, não há o que exaltar ou condenar, não há partidosa tomar, pois a razão (ou a falta dela) habita todos.

Publicado originalmente em Papo de Cinema

Precisamos Falar Sobre Precisamos Falar Sobre o Kevin

2012-01-07T13:44:00.008-02:00

Adaptações literárias para o cinema sempre geram opiniões muito controversas. A primeira pedra a ser atirada geralmente se dá por meio do argumento ‘não é tão bom quanto o livro’. Quando assisto a um filme adaptado de um bom romance o faço com aquele receio fantasiado de decepção antecipada, ainda que eu seja daqueles que tenta suprimir quaisquer expectativas (sempre que possível) para conseguir uma experiência imparcial com a obra que for. Com Precisamos Falar Sobre o Kevin, um dos melhores livros que já li, ficou difícil sublimar qualquer esperança de um bom filme quando a adaptação foi anunciada. Hoje, fica difícil considerar alguma qualidade na mesma quando se olha o fracasso do todo.

Sim, acredito que existam obras inadaptáveis, enquanto outras servem praticamente de roteiro para um projeto cinematográfico. Foi assim com Paciente 67, livro de Dennis Lehane que ganhou uma versão quase literal com o olhar de Martin Scorsese no ótimo Ilha do Medo. Lehane inclusive já teve outros filmes extraídos de seus bons romances policiais, entre eles Sobre Meninos e Lobos, de Clint Eastwood, e Medo da Verdade, de Ben Affleck. José Saramago, por sua vez, por mais que tenha adorado o Ensaio Sobre a Cegueira de Fernando Meirelles, não viu o apreço de seus leitores quando estes encararam sua provável obra-prima no grande ecrã.

Precisamos Falar Sobre o Kevin possui um material muito complexo até mesmo para ser trabalhado na literatura – seja enquanto abordagem narrativa ou temática. Uma mãe rememora uma tragédia sem tamanho por meio de cartas enviadas para seu ex-marido, que nunca as responde. Lionel Shriver compõe seu romance com um êxito enorme, tempo correto e passagens de tirar o fôlego. A tarefa da escocesa Lynne Ramsay com tal adaptação já nasceu inglória: como gerar um bom filme de um livro narrado inteiramente em primeira pessoa, com grandes diálogos e composto quase que exclusivamente por ‘flashbacks’? Sua opção por suprimir o texto em imagens é válida, afinal cinema não é apenas diálogo/narração, porém ela faz isso da pior forma (e com a pior forma) possível, entregando uma obra que, mesmo dissociada de sua origem literária, continua sendo um filme ruim.

Lynne Ramsay tem uma atriz singular em outro papel que se encaixa perfeitamente ao seu perfil de interpretação: Tilda Swinton. A considero como Isabelle Hupert, que igualmente se transforma para qualquer papel de forma fantástica, desde que haja muito drama envolvido. Swinton é sem dúvida o maior trunfo de Precisamos Falar Sobre o Kevin, e uma indicação ao Oscar não seria estranha, porém um único ator não conseguiria salvar o filme que fosse. As más escolhas do roteiro, associadas a montagem esquizofrênica, conseguem por vezes soarem tão agressivas que atrapalham até mesmo o desempenho da magnífica atriz.

Por falar em roteiro, aqui desenvolvido pela própria Ramsay com o auxílio de Rory Kinnear, a sequência narrativa do mesmo parece tão absurda e irregular que toda a naturalidade com que a mesma é desenvolvida na obra de Lionel Shriver se perde. O filme já se inicia intensamente fragmentado por flashbacks que é impossível não se incomodar – e infelizmente de uma maneira não favorável ao filme. Grandes passagens que deveriam ter maior importância ganham cenas quase banais, que interferem até mesmo na empatia para com a protagonista – sentimento tão importante para uma boa experiência num filme como este.

Ramsay, que já tinha dado mostras de sua esquisitice imagética em Morvern Callar, não consegue causar impacto mesmo quando explicita tal intenção. A opção por uma fotografia bastante irregular para cada período em que se passa o filme o torna ainda mais errático, e o muito mencionado excesso da cor vermelha quase se perde em meio a tantos artifícios mal utilizados. Em suma, indico para aqueles que não tiveram o prazer de conhecer o excepcional Precisamos Falar Sobre o Kevin, que o façam por meio do livro de Shriver, e não por esta infeliz adaptação cinematográfica.

Irã: a arte surgida do caos?

2012-01-04T16:52:00.000-02:00

Em prática que pretendo tornar corriqueira, postei no Facebook um questionamento cinematográfico com pontos abertos à discussão, inclusive sobre a validade do mesmo. Utilizei-me primeiro da rede social, pois ela agrega diferentes perfis e possibilita interação e disseminação mais rápidas. Replico por aqui para que a mesma ganhe perenidade e, quem sabe, suscite comentários que a amplifiquem.

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Levando apenas em consideração os mais recentes filmes de Asghar Farhadi (A Separação) e de Abbas Kiarostami (Cópia Fiel), duas obras-primas, e todo movimento político/social causado pela complexa situação iraniana (que fez de Jafar Panahi e Mohsen Makhmalbaf seus mais conhecidos avatares do meio cinematográfico) dá para cravar que o Irã - e por extensão todo Oriente Médio -, acossado pelo próprio regime e por questões de ordem religiosa, é a “bola da vez” no cinema mundial, donde não deveríamos desviar o olhar? Emerge do caos a mais pungente arte?

Melhores de 2011

2011-12-31T14:59:00.002-02:00

Listas foram feitas para que nos arrependêssemos logo após sua divulgação. Sobrepor filmes anualmente está mais para uma brincadeira hierárquica, que não necessariamente faz justiça aos melhores do ano. A relatividade destas classificações cresce, ainda, quando compreendida a relação mutante entre espectador e filmes. Brincadeiras ou não, úteis ou descartáveis, seguem nossas listagens - nunca definitivas - dos melhores do ano, e algumas menções honrosas que se fizeram necessárias.

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CONRADO HEOLI

Melhores

1. Namorados Para Sempre
2. Meia-Noite em Paris
3. Cisne Negro
4. Riscado
5. Melancolia
6. O Garoto da Bicicleta
7. Cópia Fiel
8. Poesia
9. Incêndios
10. Inverno da Alma

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MARCELO MÜLLER

Melhores

1. Cópia Fiel
2. Melancolia
3. O Garoto da Bicicleta
4. A Árvore da Vida
5. Tetro
6. Singularidades de uma Rapariga Loura
7. Super 8
8. Transeunte
9. Meia-Noite em Paris
10. Cisne Negro

Menções Honrosas

Um Lugar Qualquer
Margin Call - o Dia Antes do Fim
Tudo pelo Poder

Publicado originalmente em Papo de Cinema

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RAFA MÜLLER

Melhores

1. A Árvore da Vida
2. Morro do Céu
3. Cópia Fiel
4. Cisne Negro
5. O Palhaço
6. Melancolia
7. Chuva
8. O Discurso do Rei

Obs.: Caro-amigo leitor, minha lista é menor do que a dos meus colegas e amigos de blog, pois assisti apenas a esses 8 filmes lançados de forma oficial aqui no Brasil.Assim sendo, apenas os organizei, conforme grau de preferência no momento presente.

No mundo nada se perde, tudo se anuncia.

2011-12-31T09:52:00.004-02:00

Olá, caro amigo-leitor!

Passados meses sem linhas escritas por minha pessoa aqui neste espaço, com exceção das que estão represadas nas janelas de comentários, sufocadas pelo deslocamento e pelo tom coadjuvante de participação, volto pela obrigação imposta por obra literária de primeira.

O último livro do ano, Crônica de Uma Morte Anunciada, do mestre Gabriel Garcia Márquez (Cem Anos de Solidão), foi apreciado pelo Marcelo, irmão e colega de blog, há alguns anos, indicado/obrigado por uma disciplina na universidade. Lembro que na época teceu vários comentários, todos bastante positivos. Hoje, posso atestar que a tenra idade lhe foi suficiente para lhe guiar a um discernimento adequado.

A história aborda a morte de Santiago Nasar, suas conseqüências e reflexos, num povoado rural de tempos já idos. O jovem é assassinado pelos gêmeos Vicário, cujo objetivo é restabelecer a honra perdida da irmã, supostamente tomada pelo protagonista brutalmente retalhado, tal qual um suíno em mãos cruéis.

O autor colombiano já condecorado com o prêmio Nobel, arquiteta de maneira habilidosa as relações dos moradores/personagens com a tragédia, anunciada muito antes de ocorrer. Interessante notar como as tradições impulsionam engrenagens, mesmo enferrujadas ou sem a intenção, por parte dos envolvidos, de colocá-las em movimento.

Os homicidas utilizam da fala para transmitir o que os tornará aptos ao título da palavra segunda deste parágrafo. Não buscam a notoriedade, antes, que alguém creia que, mesmo embriagados e donos de temperamentos destoantes do que se anuncia, impeça e ainda testemunhe a reação e tentativa dos consanguíneos. Sem crime e acerto de contas promovido. Perfeito. Seria perfeito. Pena que logo nas primeiras frases do pequeno livro o autor já nos garante a morte do jovem. Aos poucos tudo se encaixa, de maneiras imprevisíveis, feito na vida.

Ah, aproveitando a data, que 2012 seja um ano de fervo cultural, seja no público ou no privado..Abraçosss

Margin Call - O Dia Antes do Fim

2011-12-23T17:09:00.002-02:00

O ano de 2008 foi fatídico para a economia mundial, pois nele eclodiu a famigerada crise econômica que tragou diversas empresas e, num efeito cascata, proliferou para além dos Estados Unidos, onde se originou. A também chamada “crise dos subprimes” germinou com a falência de algumas instituições americanas de crédito que concediam empréstimos hipotecários de alto risco, levando consigo outros tantos estabelecimentos financeiros, em movimento que repercutiu globalmente nas bolsas de valores. O tema surge vívido em Margin Call - O Dia Antes do Fim, estreia em longas-metragens do roteirista e diretor J.C. Chandor, admirável suspense sobre os detonadores da tal crise.

Evitando qualquer aproximação com visões maniqueístas do mercado financeiro, que pintam os integrantes destas complexas engrenagens como seres desalmados, ávidos por lucratividade, em abordagem que infelizmente encontra eco no senso comum, J.C. Chandor presta-se em Margin Call - O Dia Antes do Fim a uma observação mais angustiada da força humana empregada na movimentação da maquinaria capitalista. A primeira cena evidencia bem a instabilidade deste meio de rentabilidade proporcional aos riscos. Diversos profissionais adentram um escritório para executar demissões em massa. Assemelham-se a um pelotão militarizado de execução. Feitas as devidas contextualizações, não sobram tantas diferenças entre uns e outros.

Algo precisa ser feito para salvar um gigante capitalista, nem que isto reflita catastroficamente na economia mundial. Vender títulos antes que compradores percebam neles valor ínfimo, como isto transmitindo vírus altamente contagioso, é apenas um procedimento visto com a praticidade característica do mercado. O grande vilão de Margin Call - O Dia Antes do Fim é o próprio sistema financeiro, um abominável disforme que utiliza as pessoas que o manipulam e que dele se utilizam, apenas como hospedeiros. Ninguém é integralmente bom ou mal. Do diretor que ordena ações desafiadoras de básicos preceitos éticos, ao jovem ambicioso que larga a profissão na engenharia por um lugar neste negócio de ganhos mais atraentes, todos são vítimas e algozes, pouco hesitantes ante a possibilidade de aumentar receitas e garantir seu futuro. Alguém poderia condená-los sem hipocrisia?

Suspense engenhoso, de elenco robusto (como é bom ver dois grandes atores como Kevin Spacey e Jeremy Irons, para citar apenas dois, envergando papeis de extrema relevância novamente no cinema), Margin Call - O Dia Antes do Fim é uma das gratas surpresas da temporada americana, prioritariamente indigesta e anódina, envolta pela arrecadação de filmes que circunscrevem tudo dentro de limites banais ou rasteiros. J.C. Chandor, responsável pelo roteiro e direção, mostra credenciais de quem tem o que dizer, e sabe como fazê-lo de maneira eficiente. O roteiro se prende ao essencial, possui ritmo e aposta num espectador mais antenado em ações e reações, do que propriamente ligado nas minúcias do epicentro capitalista. Ante a dramaturgia sólida e a diretiva inspirada, pode-se perfeitamente prescindir do entendimento de jargões financeiros, sem que haja qualquer perda significativa. No final das contas, ficcionalizar o estopim de uma crise de proporções globais só faz sentido se a resultante espelhar com esta agudeza a relação “homem X dinheiro”. Entre corruptíveis, idealistas e aparentes canalhas, todos são humanos, demasiadamente humanos.

Publicado originalmente em Papo de Cinema

Atoladinha plurisemiótica

2011-12-20T09:34:00.001-02:00

Dia destes, navegando sem rumo pela internet, encontrei este vídeo maravilhoso protagonizado por Tom Zé, um dos mais criativos e “estrombólicos” músicos de nosso país. Confesso que não conheço sua sonoridade a ponto de tecer qualquer comentário mais profundo, mas, do que sei, chama a atenção esta busca por tangentes, por lugares e formas negligenciadas na criação ou mesmo no pensamento acerca da música. No vídeo em questão, durante entrevista concedida ao Programa do Jô, ele filosofa sobre o funk Atoladinha, e explica por que ele tem meta-refrão, microtonal e plurisemiótico. Não entendeu? Assista, é uma lição de pensamento satírico bem-humorado em sintonia com a reflexão intelectual.

Atualização: Nossa seguidora no Twitter, Noemia Menezes (@ziguezaguiando) acaba de enviar um link que complementa esta postagem matinal: Funk - Interpretando. Hermenêutica pura. Obrigado Noemia.

Bem-vindos a Twin Peaks

2011-12-16T18:55:00.000-02:00

Somos uma geração devidamente acostumada às boas (até mesmo excelentes) séries de televisão, muito pela transformação do meio em terreno fértil para projetos cada vez mais interessantes. Mas, nem sempre foi assim. Twin Peaks, seriado capitaneado pelo cineasta David Lynch, foi uma espécie de divisor de águas neste sentido, quando lançado lá nos idos anos 90. O público certamente não estava acostumado àquele tipo de experiência, possuidora de complexidades inabituais em projetos para a telinha. Mas, para a surpresa de muitos, “Quem Matou Laura Palmer?” virou pergunta recorrente, propriedade do imaginário coletivo, assim como os personagens e situações que movimentaram a pequena cidade do interior dos EUA por duas temporadas.

A morte da linda Laura Palmer, cujo corpo é encontrado envolto em plástico, boiando no rio da cidade, desencadeia uma série de eventos que mostram a localidade como depositária de segredos, intrigas e mistérios, insociáveis num primeiro momento às suas belas paisagens, repletas de bosques e charme rústico. O agente do FBI Dale Cooper desembarca neste cenário idílico e machucado para investigar a morte da jovem, e acaba se afeiçoando demais às pessoas, ao clima campestre e aos donuts que adoçam os interlúdios do processo investigativos. Cooper, aliás, é um personagem fascinante, visto com o mesmo estranhamento e simpatia fraternal com que encaramos, por exemplo, a senhora que anda para lá e para cá embalando e trocando ideias com um tronco.

Conduzidos pela magistral trilha de Angelo Badalamenti, repleta de sons estranhos e soturnos, somos levados a desvelar esta coletividade que, a despeito de estar inserida numa pequena comunidade, possui as mesmas pragas cotidianas que tornam enfermas as metrópoles. A mão de David Lynch é evidente, sua verve esquisita (algo entre o surreal e o abstrato) é facilmente percebida, pois impregnada na ambientação atmosférica, nos tipos estranhos, e na maneira cotidiana de lidar com anões que dançam, gigantes mensageiros e entidades maldosas vindas de dimensões desconhecidas. O bizarro é apenas mais um dos convivas de Twin Peaks.

É certo que nem tudo são flores. Após a solução principal, ou seja, quando finalmente sabemos quem matou Laura Palmer, a qualidade do programa cai sensivelmente, não propriamente pela falta do mistério, mas por que se insiste no desenvolvimento de tramas paralelas que beiram o banal. Neste momento, Twin Peaks só não fica de todo desinteressante por conta da riqueza de seus personagens, e empatia por eles estabelecida com o público. Porém, com a chegada de Window Earle, o psicopata ex-parceiro de Cooper, e sua vocação assassina, o seriado volta a ganhar fôlego, inclusive no desenvolvimento bastante engenhoso dos elementos que dão conta das dimensões paralelas e polares que explicam, de alguma maneira, fenômenos bizarros que acometem a cidade. Se bem que, ao tentar elucidar este embate metafísico entre bem a mal, tira-se um pouco do instigante mistério da primeira parte, em que tudo estava devidamente envolto na bruma do incompreensível.

Feitos os devidos reparos, não há como negar o caráter vanguardista de Twin Peaks, série que, por seu sucesso junto ao público, foi uma das ignições do movimento que hoje nos permite constante renovação nas produções televisivas americanas. Não é pouca coisa. Assim como não são poucos os méritos artísticos desta cria autêntica de David Lynch, artista sui generis, que antes de dedicar-se de corpo e alma às causas da meditação transcendental, nos ofertou diversas obras fascinantes. Twin Peaks está na galeria dos grandes trabalhos de Lynch, seja pela primazia de figuras dramáticas tão interessantes e cheias de camadas, pelas inspiradas construções, fabular e narrativa, ou ainda pela disposição em mostrar, cravado num cenário pouco explorado, o potencial de uma trama que, com raras exceções, recusa veementemente confortar o telespectador.

Publicado originalmente em Papo de Cinema

Estrangeiro em Meu País

2011-12-03T09:01:00.001-02:00

O mote de Meu País, longa-metragem de estreia do diretor André Ristum, não é propriamente novo ou merecedor de relevo pela originalidade: homem volta à terra de origem para sepultar um ente querido, neste caso o pai, retomando então o contato com suas raízes, aproximando-se do que era para então descobrir-se. É bom que não se entenda a originalidade da trama como pressuposto de filme bom ou ruim. Então, aos que clamam por algo novo a cada experiência, recomendo olhar retrospectivo mais atento às semelhanças fabulares que tornam parentes até mesmo incontestes obras-primas.

Pois bem, Rodrigo Santoro interpreta Marcos, o homem que volta ao seu país para enterrar o pai, e desenterrar (perdoem-me a troça lingüística) uma série de elementos que remetem à sua infância, principalmente o dito pai, aparentemente ausente, a quem chama pelo nome próprio, e o irmão inconseqüente que promete levar a empresa da família à bancarrota pelo vício em jogos de azar. Marcos é estrangeiro no próprio país, um alheio na casa que guarda suas coisas de menino. Sua esposa, uma bela italiana, fica fascinada ao contemplar as imagens familiares do marido, a quem parece conhecer de todo naquele momento. Bela cena, aliás, como também aquela em que os irmãos descobrem o testamento afetivo do pai, impresso num vídeo feito com máquina fotográfica. Difícil conter o marejar dos olhos, semelhante às lágrimas que teimam em brotar no racional Marcos, num dos raros momentos em que ele se entrega à emoção.

Não há, porém, qualquer intenção de Meu País ser um filme tipo “acerto de contas”, como tantos por aí. Não se trata, também, de manifestar a construção do homem por base naquilo que vivencia enquanto criança. Não obstante, esta ótima estreia de Ristum é feita muito mais de silêncios e sugestões, do que propriamente de palavras e quaisquer rompantes emocionais, mesmo quando insere a irmã bastarda com deficiência intelectual na relação tempestuosa dos dois irmãos. Há os que objetam o isolamento dos personagens, órfãos de uma contextualização social. Não creio ser isto um problema, ainda mais quando se entende Meu País como uma obra voltada aos seres, na qual os entornos apenas os refletem, e bem, é bom que se frise.

André Ristum demonstra as inconstâncias diretivas naturais de um primeiro trabalho em longa-metragem, mas nada que mine substancialmente o desenrolar de seu drama familiar, aliás, muito bem conduzido. O não-pertencimento sentido pelo personagem de Santoro o choca contra um país que teima em mantê-lo, seja para que resolva os problemas do irmão (em outra atuação interessante de Cauã Reymond), ou mesmo pela súbita necessidade de cuidar da frágil irmã (construída sobriamente por Débora Falabela). Ao diretor cabe sugerir mais que dizer, confiar plenamente no elenco ao colar a câmera nas expressões, e jogar na tela seu imaginário, que se em pouco reflete socialmente o Brasil (e por que deveria?), certamente espelha o que de mais angustiante habita em seus personagens.

A espera que leva a Matar ou Morrer

2011-11-29T20:51:00.001-02:00

No dia do seu casamento, o xerifeWil Kane, prócere de uma pequena cidade no Velho Oeste americano, recebe anotícia de que o bandido Frank Miller teve seus crimes perdoados, e que chegaráem poucas horas para levar à cabo a vingança contra quem o expurgou dalocalidade. O principal alvo de Frank, e dos três comparsas que aguardam suachegada no trem do meio-dia, é justamente Kane, que se recusa a fugir mesmo sobprotestos da mulher e aconselhamentos dos moradores. Começa então umaverdadeira corrida contra o tempo, em que Kane tentará buscar a ajuda dos corajosos locais,a fim de que não padeça.

Em Matar ou Morrer, este célebrewestern de Fred Zinnemann, a jornada física e psicologicamente desgastante doxerife Kane, bem como a apatia do povo que não parece disposto a se arriscarpor quem no passado restaurou a paz local, dão a tônica narrativa, queimpressiona ainda pela precisão e poder de síntese. Em menos de 90 minutos,Zinemann cria uma obra marcada pela tensão crescente, assim como pelaimpossibilidade da inércia ante uma situação que conduz inevitavelmente àtragédia. Para Kane é matar ou morrer, não existem saídas diplomáticas no oestede homens bravios que defendem suas honras pela lei do olho por olho, dente pordente.

Desencorajado por todos, acuado edividido entre os sensos de justiça e sobrevivência, o xerife Kane,interpretado brilhantemente por Gary Cooper, experimenta a solidão que só seagrava pela proximidade da morte, também provando o gosto amargo da hipocrisiae covardia dos próximos, verdadeiras antíteses do tipificado cowboy americano.O próprio Kane fraqueja, transpira medo mesmo quando tenta, em vão, convencerhomens de fé inabalável a largarem suas posturas individuais na defesa de suasterras e de quem já muito os ajudou. A memória do povo é curta, e a ingratidãoestá aí para provar isto.

A música desempenha papelfundamental em Matar ou Morrer, pois auxilia sobremaneira no desenho doturbilhão de sentimentos vividos pelo protagonista, pesaroso da ausência damulher que ama, ao mesmo tempo em que precisa criar uma tática desobrevivência. O clímax pode parecer apressado, até mesmo simplista seenxergarmos as etapas anteriores do desenvolvimento narrativo apenas comopreparação para o derradeiro. Mas justamente pelo contrário - o clímax naverdade serve de amplificação dos temas abordados nas fases passadas, é queMatar ou Morrer se mostra poderoso em suas intenções incomuns. Um filmebelissimamente fotografado em preto e branco, que desconstrói o homem do oesteque nada teme, mostrando que mesmo os mais intrépidos daquela época, tremiaminternamente ante a possibilidade de terem ceifadas suas vidas.

Publicado originalmente em Papo de Cinema

The Walking Dead e os comerciais da raposa

2011-11-25T10:07:00.001-02:00

Crédito da Imagem: Blog do Jotacê

Gosto da série The Walking Dead,mas não sou fanático. Para ser sincero, me aborrece um pouco a segregação quenela ocorre entre os bons e os maus, entre a virtude e a canalhice, num beloexemplo de maniqueísmo. Fora isso, tudo é um pouco enrolado, cozido embanho-maria, mas mesmo assim assisto, pois se está longe de ser algo digno dasexpectativas e da euforia de alguns, ao menos é um bom entretenimento com certadose de tensão.

Todo episódio inédito é lançado nosdomingos em terras americanas, e a Fox, emissora de TV fechada que transmitepor aqui, presta um verdadeiro serviço ao exibi-la logo na terça-feiraseguinte, ou seja, apenas 48 horas após a apresentação estadunidense. Mesmosendo adepto do download (uma vez era reticente, hoje sou partidário), resolvi,juntamente com meu irmão e parceiro de The Walking Dead, Rafa Müller,prestigiar esta ótima iniciativa do canal de encurtar a janela de exibiçãoentre EUA e Brasil, pois temos TV por satélite em casa, numa operadora quepermite assistir ao programa no idioma original e legendado (certamente nemteria cogitado assistir tudo dublado). Tentei, juro, mas não dá. Voltarei aodownload.

Irritei-me extremamente com a exibiçãoentrecortada por dois blocos de 10 minutos (sim, eu disse 10) de propaganda. Cadaepisódio possuiu 40 minutos, e a Fox faz o seguinte: exibe os primeiros 20, vaipara o primeiro grupo de propagandas bregas sobre perfumes importados, voltacom mais 10 de série, pula para outros 10 intermináveis dos mesmos comerciais,e retorna lépida e fagueira para a exibição dos últimos 10 minutos de TheWalking Dead. Pode isso Arnaldo?

Ah, façam-me o favor. É inadmissívelque ocorram duas interrupções tão implacáveis e prolongadas que,inevitavelmente, quebram o ritmo da audiência. E depois reclamam dos downloads,de quem baixa e confere de maneira “clandestina”. Tenham um pouco mais deconsideração por quem assiste, ganhem dinheiro (afinal isto não é pecadoalgum), mas não sejam estúpidos, ao menos não o suficiente para acreditarem quecom pausas tão ridículas e estendidas, teremos ainda a boa vontade de “fazer ocerto”. Afinal de contas, quando ligava (atenção ao tempo verbal) às 22h, terça-feira,na Fox, era para assistir The Walking Dead, não repetidos reclames dum perfume JeanPaul Gaultier.

Asghar Farhadi - Cinema humano de resistência

2011-11-22T10:44:00.001-02:00

Estava sentindo falta dos meus pequenos devaneios. Muito por conta da nova função como articulista e crítico do site Papo de Cinema, tenho me dedicado com mais afinco de fato às críticas, negligenciando assim estas pequenas reflexões cotidianas acerca da arte, mais provavelmente do cinema. Pois bem, na última semana tomei contato com os dois mais recentes (e badalados) filmes do iraniano Asghar Farhadi: Procurando Elly e A Separação, portadores de diversas láureas em festivais ao redor do mundo. Ambos, dramas aparentemente detonados por quase banalidades: o desaparecimento de uma semi-desconhecida, e a separação de um casal qualquer.

Numa produção ordinária, seria natural que estes motivos fossem apenas deflagradores de uma série de rompantes emocionais. Ainda que repletos de arroubos passionais, afinal tratam de gente, estes filmes emergem da mesmice ao catalisar ações e reações essencialmente como maneira (brilhante) de refletir sobre a sociedade donde brotaram. Embate de classes, o arraigado fundamentalismo religioso, a lei que se curva aos preceitos morais e éticos do Corão, a opressão da mulher ainda coberta pelo chador, e por aí vai. O diretor e sua equipe se valem de linguagem naturalista, câmera na mão, e inspirada mise-en-scène que reforça o sentido de cotidiano. Nada fronteiriço entre o fabular ficcional e a emulação engessada do real, é bom que se diga, mas portador de certo frescor, digamos, verdadeiro, que permeia sobremaneira o que se propõe e dispõe como legítima ficção.

Sem ao menos resvalar no didático, e negando qualquer aproximação com alguns “filmes para gringo ver”, que se excedem ao valorizar aspectos exóticos aos de fora, Procurando Elly e A Separação são, além de testemunhas filiais do talento legítimo de Asghar Farhadi, sinceras lições a respeito do Irã e de sua sociedade convulsionada. Aprende-se mais sobre aquele entorno na audiência de ambos, do que nos noticiários tendenciosos, que só fazem aumentar estereótipos. Cinema pungente, político e social, voltado às pessoas que tanto são afligidas por elementos que deveriam lhes confortar.

Confiar e as vítimas do sexo institucionalizado

2011-11-18T23:18:00.001-02:00

David Schwimmer, o eterno Ross dasérie televisiva Friends, passeia por campo minado em sua nova incursão atrásdas câmeras de cinema. Falar de sexo, relações virtuais e frustrações, é um tateara cada nova cena por emoções e situações que, não raro, contribuem paradesenvolvimentos planos e sentimentaloides. Em Confiar, Annie é uma menina comotantas outras, repleta de dúvidas e baixa autoestima, que se apaixona pelainternet e estabelece relacionamento virtual paralelo ao que mantém com suafamília e amigos. Ela não hesita muito em ir ao motel com o homem de quase 40anos que na web se dizia um adolescente tão cheio de incertezas quanto ela.

Há a descoberta do caso pelospais, a interferência do FBI e toda uma busca pelo pedófilo. Will, o pai,interpretado por Clive Owen (num registro que lembra noventa por cento dasinterpretações deste bom ator meio monocórdico) fica obcecado por encontrar ohomem que molestou sua garotinha. O paradoxo se apresenta em sua profissão, utilitáriada erotização adolescente para aumentar as vendas de seus clientes. Contradiçãorasa, pouco desenvolvida, que soa mais como reprimenda e chamamento moralista àreflexão do espectador sobre a sociedade em que vive. Intenção boa, por certo,mas delas o inferno está cheio. A desabalada carreira de Will em busca do bandidoesbarra ainda na dificuldade da investigação, agravada pela própria filha,enamorada de seu suposto agressor. Estupro, sexo consentido, ou algo que umaadolescente de quatorze anos ainda não tem maturidade para avaliar?

Confiar é um tanto perdido em seupróprio escopo, indeciso entre o drama familiar e a expansão de sua causa comoexemplo de algo maior e cotidianamente preocupante. Will parece mais atormentadopor sua impotência do que propriamente pelo delito cometido, e Annie relutaenquanto amada, aceitando-se vítima do crime somente após tomar conhecimento deque não foi especial para o meliante. Confiar discute com pouca profundidade onocivo protagonismo do sexo na sociedade, mas talvez seu maior pecado seja o denão assumir posicionamentos que fujam do senso comum. David Schwimmer resvalaem diversos pontos de controvérsia, mas sua narrativa acaba sendo vítima designos palatáveis. Tivesse o arrojo de abordar com menos pudor o embate entreas frustrações do pai e a natural inconsistência da personalidade adolescenteainda em formação da filha, e o diretor poderia ter realizado algo maior, presode menos na obrigação de passar mensagens de alerta, e mais aberto às pessoas. Schwimmeré exatamente como Will: obcecado pelo tema, pelo que ocorre, e descuidado emdemasia com os personagens que por ele são duramente afetados.

Publicado originalmente em Papo de Cinema.

A Árvore da Vida que evolui

2011-11-05T09:56:00.000-02:00

Difícil descrever amontanha-russa de sensações experimentadas durante a sessão de A Árvore daVida. Envolto na aura de mistério e expectativa inerentes aos trabalhosbissextos do cineasta Terence Malick , o filme, vencedor da Palma de Ouro noúltimo Festival de Cannes, parece suscitar seguidores e inimigos com a mesmaintensidade. Pretensioso, auto-importante, genial e genioso, são alguns dosadjetivos que grudam na percepção de quem o vê, é claro, dependendo de como elebate. Minha relação com A Árvore da Vida foi bastante atípica. Deu-se,inicialmente, num misto de espanto e deslumbramento, caiu vez ou outra nummarasmo, voltou ao campo do deslumbre e ainda continua seu processo deexpansão. O filme ficou, e isto já é sinal que de banal ele não tem nada.

Terence Malick certamente éambicioso e pretensioso. Mas quem disse que estas são duas característicasnegativas, desde que se justifique a ambição e se alcance a pretensão? Recorrera uma narrativa grandiloqüente para apequenar o homem diante dos mistérios douniverso, certamente não é expediente inovador, mas há muito não se via nocinema uma reflexão tão aberta neste nível. Alguns vêem na história (e natragédia) familiar americana dos anos 50, e sua relação de significados com oBig Bang, originário da vida, uma meditação acerca da existência de Deus, dealguém que vela meio displicentemente seus filhos, que manda moscas paraferidas, quando poderia curá-las. Outros entendem o filme como depositário dasintenções de um artista louco para descobrir este Deus. Alguns, ainda, diriamque A Árvore da Vida se presta a um acúmulo de clichês que funcionam como eloentre religião e filosofia barata.

Ao discutir quase tudo, Malickcertamente buscou a transcendência. Contudo não me parece que sua intenção vámuito além de mostrar nossa pequenez ante ao todo que nos abriga, e imbuir deforça divina os processos da natureza violenta e cruel que nos circunda. O BigBang, a cachoeira com suas águas turbulentas, o dinossauro que se mostradominante, pois evoluído, e o menino que, oprimido pela figura paterna, vê-seem certo momento tal qual o pai (“Sou tão ruim quanto você”, ele chega a dizer)demonstram o caminho agudo inerente à natureza, que só é bela e possuidora detantas maravilhas quando vista por olhos inferiores como os nossos. Istopoderia ser uma metáfora para um Deus que, igualmente, só é magnânimo quandocomparado às criaturas menores que somos? Claro que pode, repito, depende doponto de vista.

A meu ver, A Árvore da Vida é umacontecimento cinematográfico difícil de ser amplamente controlado pelo espectador.Ao relacionar o núcleo familiar, que se presta, com uma variação e outra, aqualquer família constituída, com os processos que levaram à evolução dasespécies, Malick pode ter errado a mão em algumas partes, esticando demais certosplanos, se perdendo, vez ou outra, na grandiosidade metafísica que gostaria deexprimir por meio de seu cinema. Certamente que pode, e até acredito que AÁrvore da Vida não seja livre de algumas arestas, de reparações, pois perder-sena imensidão do cosmos, e na intenção de retratá-lo em sua complexidade, éhumano, demasiadamente humano.

Não me furtaria o direito, porém,de taxar este novo filme de Terence Malick como grande. O cuidado com a imagem- que passa ao largo da mesmice a que somos submetidos cotidianamente, o trato depersonagens tão interligados e, por que não, alegóricos, e a abertura àsmúltiplas interpretações e entendimentos, tudo respira pelos poros do talentorecluso de Malick. No que alguns veem lampejos de documentário do DiscoveryChanel, percebo uma construção bastante importante para que se entenda oitinerário do filme. O que muitos teimam em pintar como narrativa truncada, meparece um claro e impressionante fluxo, composto por elipses que reforçam ospequenos fragmentos e que transformam as diminutas coisas e gestos emmicroeventos interligados.

A Árvore da Vida é uma amplaexperiência sensorial que, sem dúvida, clama por outras incursões, para que nelasse possa desvendar outras possibilidades. É uma viagem, a meu ver não nosentido pejorativo, como se fosse obra de alguém sob efeito de qualquersubstância (como já andei lendo por aí), mas sim por carregar o espectador aoutros lugares, por embeber os sentidos com imagens e sons impressionantes, porinstigar o pensamento distante das convenções. Um grande filme que se desdobra,permanece e, o que é mais impressionante, evolui.

Um planeta chamado Melancolia

2011-10-29T09:47:00.003-02:00

As primeiras imagens de Melancolia já dão amostra considerável do que virá ao longo de suas mais de duas horas. Em câmera lenta (assim como tinha feito na belíssima sequência inicial de Anticristo), o mundo se esfacela: pássaros caem mortos, cavalos tombam e humanos experimentam sensações que variam da serenidade ao desespero ante o fim do mundo. Nada em larga escala, tudo num espectro mais íntimo, como que interiorizando a catástrofe anunciada pela chegada do Planeta Melancolia, que se esconde atrás do sol e ameaça chocar-se com a Terra. Ameaça não, choca-se, e isso é presenciado logo de cara, numa cena igualmente bela. Portanto, há a certeza de que a catástrofe acontecerá, e de que nada daquilo a seguir, exposto em flashback, faz muito sentido nesta perspectiva.

Lars Von Trier divide Melancolia em dois capítulos, um para cada irmã. Justine, a moleca que se casa com um homem bem apessoado, que parece amar-lhe muito, e Claire, a mais apegada ao centro que, juntamente com o marido rico, proporciona a festa dos sonhos à irmã. Após o cataclismo, caímos então num típico festejo de casamento burguês. Neste momento, é inevitável o link com Festa de Família, de Thomas Vinterberg, apadrinhado pelo dinamarquês e um dos detonadores do Dogma 95. Da mesma maneira, na festa de Melancolia temos a câmera trôpega, muitas vezes colada aos personagens, e um movimento dramatúrgico que evidencia o que está sob a superfície da celebração. A diferença é que, enquanto no Dogma 95 se pregava a liberdade, o desapego à beleza do quadro (mesmo que esta intenção seja questionável), em Melancolia claramente este itinerário imagético é parte de um todo pictórico bastante trabalhado, pensado.

Entre celeumas familiares e estados mentais dissonantes do que se esperaria de alguém que acabou de contrair matrimônio, Justine vê-se melancólica, como que a antecipar internamente o fim do mundo. Nada daquilo faz mais sentido, as aparências não mais protegerão e nem servirão de muito quando o astro Melancolia chocar-se com a Terra. Na passagem para os segundo capítulo, o de Claire, vemos a mulher que busca a todo custo auxiliar a irmã depressiva e sem forças, sucumbir lentamente ao desespero que se aproxima pela extinção da raça humana. Neste momento Justine desperta com sua inexplicável serenidade à beira do abismo, como se, na iminência do fim, aos sábios fosse destinada esta compreensão metafísica do desastre necessário. Estamos sozinhos, diz Justine, refutando qualquer apego a Deus nesta jornada muito particular, e na relação com a irmã, que passa de cuidadora a carente de cuidados.

Melancolia é um filme pesado, denso, dos mais impressionantes da carreira de Lars Von Trier, justamente por oferecer uma junção de suas inquietações estéticas do passado, com este interesse mais recente pelos estados mentais extremos, apocalípticos, aliás, já bastante presentes em seu filme anterior, Anticristo. As pessoas são registradas com imagens claudicantes, a montagem de pequenos sobressaltos evidencia o jogo do cinema, ao passo que a natureza e o fenômeno aterrorizante que em breve a engolirá, são filmados com planos fluidos, reveladores da beleza do que nos acolhe e do que nos promete a destruição. Melancolia também herda de Anticristo esta reverência ao poder da mãe-terra.

Conduzidos ainda por uma trilha sonora das mais expressivas, somos jogados no turbilhão de emoções vividas pelas duas irmãs que, num esforço de compreensão mais distante do realismo, podem ser vistas apenas como dois lados de uma mesma moeda. Melancolia extrai beleza da dor, se apoia nos personagens como quem busca salientar a agonia de um amigo, de um filho. O fim do mundo e suas implicações físicas são apenas detalhes quando percebemos a podridão humana como condutora mor da existência. Lars Von Trier não me parece pessimista, ou alguém com fetiche pelo sofrimento. Ele apenas utiliza sua lente de aumento, e o domínio impressionante que tem dos planos fabular e narrativo, para tornar evidentes nossas falhas morais e de caráter, aliadas aqui ao desespero que experimentamos em situações nas quais nos pegamos impotentes. Grande realização, Melancolia figura entre os melhores do ano.

O infinito particular de Miyazaki

2011-10-28T14:24:00.003-02:00

O projeto Cinéfilus, coordenado pela professora Ivana Almeida na Universidade de Caxias do Sul, promove a partir de novembro um ciclo que encerra o programa "Sessão de Arte" em 2011, desta vez com os principais filmes do animador japonês Hayao Miyazaki. Além da excelente seleção, vale frisar que as sessões são gratuitas e ocorrem na ótima Sala Florense, no Bloco M da UCS. Confira abaixo a programação do ciclo "Grandes Diretores", que acontecerá todas as quintas-feiras de novembro a partir das 19h30min.

Dia 03/11 - O Castelo Animado (2004)

Dia 10/11 - A Princesa Mononoke (1997)

Dia 17/11 - Meu Vizinho Totoro (1988)

Dia 24/11 - A Viagem de Chihiro (2001)

Horário: 19h30min

Local: Sala Florense – Bloco M

Entrada franca

O The Tramps estará presente conferindo esta excelente iniciativa para deleite dos cinéfilos locais. Assista uma entrevista muito interessante com Hayao Miyazaki (legendas em inglês):

Um Jesus Cristo Superstar

2011-10-24T19:50:00.000-02:00

Adaptado do musical homônimo, Jesus Cristo Superstar provavelmente éuma das mais polêmicas transposições da paixão de Cristo para o cinema. Pertodele, o filme de Mel Gibson, por exemplo, é apenas uma vulgaridade que apostana violência gráfica, só para o colocarmos em paralelo com uma das maisrecentes versões desta milenar história. Homem ou Deus? Quem foi Jesus Cristo? Simplesmenteum profeta que gozava de grande empatia, ou o próprio enviado dos céus parapurificar nossos pecados com seu sangue? Dogmas religiosos e crenças à parte,não há como negar a força de Jesus como personagem, muito menos a dramaticidadeda história que ele protagonizou. Versões que mexam, nem que seja um milímetro,no descrito pelas escrituras sagradas, ou que tomem certas liberdades,inevitavelmente gerarão polêmica.

Em Jesus Cristo Superstar,temos um Jesus peregrino, que canta seus derradeiros momentos. Aliás, todoscantam, o tempo todo. Para os que apreciam o gênero musical, é um deleite. Oscenários minimalistas, constituídos basicamente por andaimes, edificações emruínas e pela paisagem desértica escolhida, conferem toque contemporâneo àhistória, efeito este amplificado pela direção de arte, que veste com malhasroxas e metralhadoras os soldados romanos, por exemplo. Imagino que o filme aosolhos dos mais puristas e religiosos seja uma verdadeira profanação.

Estas liberdades, a música, obailado e a atmosfera meio hippie, são elementos que se deflagram rápido, eapresentam aqui o substrato da construção cinematográfica. Mas, o que mais meagrada em Jesus Cristo Superstaré a constituição das figuras, a humanização dos personagens que ficaram para ahistória, goste-se ou não, como testemunhas de algo longe do homem, pertencenteà esfera do divino. Jesus aparece claudicante, desorientado ante os conselhosque recebe das pessoas, em contraposição à missão recebida por Deus. Judas, a bem da verdade, o protagonista datrama nesta variante, é apresentado como homem que entrou para os anais,maculado por um pecado que foi obrigado a cometer, com as mãos manchadas pelocrime de Deus: o sacrifício de seu filho pelo bem da salvação humana.

Jesus Cristo Superstar é sim controverso, não se propõe ao revisionismohistórico, ou mesmo a apresentar fatos novos acerca desta que é uma das maisconhecidas e difundidas histórias da humanidade. O filme de Norman Jewison suscitoupolêmicas, principalmente pela roupagem diferente e disposição em narraratravés do rock progressivo e da dança típica dos palcos da Broadway. Afora osméritos da montagem como encenação, e eventuais controvérsias que esta versão moderna da vida de Cristo traz consigo, JesusCristo Superstar é exitoso justamente por trazer os medos, as angústias ehesitações destes personagens reconhecidos através dos séculos, mais para oplano terreno.

Publicado originalmente em Papo de Cinema

Camiseta exclusiva The Tramps

2011-10-21T09:20:00.002-02:00

Todo time tem um uniforme, certo?O The Tramps não poderia ser diferente.

Antecipando os festejos pelos 5anos de blog (completos em dezembro próximo), solicitamos a Luis Otávio Fardo, comandanteda Polvo Store, que confeccionasse a camiseta oficial do The Tramps. Ele, então,redesenhou a assinatura visual, especialmente para o bordado aplicadoartesanalmente.

A estreia da “indumentária” sedará hoje, durante a exibição de A Liberdade é Azul, parte da Trilogia dasCores, cuja mostra segue até domingo (23) no Teatro Sesc (Rua Moreira César,2462), sempre às 20h. A entrada é franca. Aguardamos todos por lá.

Obs.: E se você ficou interessadoem comprar uma camiseta para você, entre em contato conosco.

Festival do Rio 2011: Terri

2011-10-20T14:24:00.000-02:00

TERRI

Título original: Terri

De: Azazel Jacobs

Estados Unidos, 2011.

"Terri": cinemaindependente, indie da melhor qualidade, sim, por que não? Parece que de umtempo pra cá, não se pode fazer uma trilha legal, formar um elenco competente,compor cenas que comovam, que causam afeto, por que fatalmente cairá nomelodrama ou na superficialidade. Em geral amam ou odeiam esse tipo de filme. Incrívelesse "fenômeno". Parece que o toque do criador,deve ser sutil, sem muita exposição autoral, sem grandes marcações degênero/estilo, porque se não "perde a graça", como escutei hoje.

Jonh C. Reily pode ser tambémo alvo dessa crítica que menciono acima. De fato, depois que o ator foidescoberto por seu potencial e passou a ganhar papéis principais, ele éescalado pra quase tudo e coincidentemente ou não, para viver personagenssemelhantes, como por exemplo "Terri"e "Cyrus", além do tãofalado "We Need to Talk About Kevin". No entanto, pra mim, nenhumdesses argumentos tira o brilho de "Terri".

O filme conta a história de ummenino fora dos padrões, órfão, obeso, com manias estranhas, que mora com umtio doente. Excluído pelos colegas e professores, Terri se isola e adota umcomportamento maníaco, que gera estranhamento e o faz se sentir cada vez maisum peixe fora d’água. Até o dia em que conhece o vice-diretor da escola, figuratemida pelos alunos, o sr.Fitzgerald (Jonh C. Reilly) que lhe amplia a visão demundo e de ser, mostrando entre outras coisas que "de perto ninguém énormal". A atuação do garoto é espetacular. A ambientação, as situaçõesque dão origem ao mal estar de Terri, o encontro dele com a menina bonita epopular da escola e com o colega também problemático, são impagáveis.

O filme se sustenta numanarrativa inteligente, sensível e providencial. Nada de excessos e nem defaltas, tudo na medida exata para apresentar uma realidade que está aí, naverdade que sempre esteve. Nada de novo, realmente. A questão já foi tematizadaem outros filmes. Mas a grande sacada, a meu ver, é a forma como a história écontada, o foco no personagem principal que encarna um "loser", jovem,garoto estranho da sociedade americana com perfeição. E uma linguagem bemprópria, proveniente das instituições de ensino e da nova geração. Gosteidemais, foi bem mais que eu esperava. Quero rever.

Festival do Rio 2011: Culpada por Romance

2011-10-20T08:57:00.000-02:00

CULPADA POR ROMANCE

Título Original: Koi no tsumi

De: Sion Sono

Japão, 2011

Nesta reta final do Festival,tenho me surpreendido com os filmes que tenho visto. "Culpada por Romance",por exemplo, é uma pérola entre centenasde títulos selecionados, de países, gêneros e classificações diferentes. Difícilcomentar sobre o filme aqui. Por vários motivos, mas, na minha opinião, maispelo fato de não se tratar de pertencente a um gênero específico, por mesclarestilos e até apresentar uma nova roupagem de roteiro e direção.

Izumi é casada com um escritorfamoso que se interessa por romances. Ela o admira, o idolatra e assume o papelde mulher subserviente sem olhar para os lados. Ele principalmente se mostrasistemático e exige o mesmo da mulher. Entediada com essa dinâmica monótona erepressora, Izumi decide trabalhar promovendo produtos alimentícios emmercados. Certa vez, uma mulher se aproxima dela e oferece uma chance numaagência de modelos. Ela topa, mas quando chega lá percebe que a demanda é deoutra ordem, e que a "arte feminina" está mais para arte pornô. Dequalquer modo, Izumi se sente atraída por aquele mundo, onde os homens parecemdesejá-la e as mulheres admiram sua beleza, e não consegue sair, mesmo entrandoem um conflito interno, onde se culpa por adultério, mas por outro lado vai setornando mais independente, segura e desejada, inclusive por seu marido, que emoutros tempos se mostrara frívolo e racional.

Nestas andanças, a moçaconhece uma mulher, cuja identidade primeira revelada é de uma garota deprograma, que por sua vez passa a ser sua mentora e a convence também de seprostituir. Concomitante ao drama, o filme traz uma trama policial muitointeressante, no momento em que é encontrado no bairro do motel que Izumifrequenta, um cadáver. À partir daí, a investigação se mistura pouco a poucocom o problema existencial vivido por Izumi. Sion Sono injeta altas doses deerotismo, suspense, horror e poucas de humor, mas que se equilibram muito bemtornando o filme consistente e bem amarrado.

Trash, B, neo-noir, fantástico, thriller, todos estes gêneros poderiam ser associados à narrativa frenética eautoral (põe autoral nisso!) de "Culpada por Romance". Com mais de140 minutos, o filme nos enreda pelo ritmo e encanta pelos diversos elementossimbólicos, que compõe um contexto abstrato, mas com base; Poético, reflexivo eatual.

O diretor, que também é oroteirista, transita nos universos que vão da filosofia à literatura e, porisso, cita em vários momentos Kafka, psicologia, onde ele explica o papel dofeminino na cultura japonesa na década de 90 em diante. Com um desfechoabstrato, poético, nada objetivo "Culpada por Romance" mantém até ofim seu status de mistério, existencialismo e lirismo. Eu particularmenteadorei!! Sobretudo pela singularidade do roteiro. Dica para quem for assistir: fiqueaté o último minuto na cadeira, mesmo depois dos créditos...quem assistir,saberá do que estou falando.

Festival do Rio 2011: O Vigia Noturno

2011-10-19T09:08:00.002-02:00

O VIGIA NOTURNO

Título Original: El Velador

De: Natalia Almada

Estados Unidos/México/França, 2011.

No cemitério de Culiacam, noMéxico, estão enterrados os principais chefes do tráfico local. Ali, todas asnoites, Martin, o vigia noturno, observa o movimento, as pessoas quefrequentam, passando por verdadeiros labirintos, feito mausoléus de luxo.

O filme retrata a difíciltarefa de um profissional dessa natureza e envolvido indiretamente com aviolência, em ter que conviver diariamente com uma realidade dura e triste asua volta, onde mulheres muito jovens visitam os túmulos de seus maridosassassinados.

Interessante o foco e aperspectiva reflexiva da diretora, quando se atém principalmente ao personagemcentral, o tornando o mote para toda contextualização acerca do cenário deviolência no tráfico, vivido pelo país na última década.

Martin precisa seguir com suavida apesar das circunstâncias e de um ambiente nada favorável. É nesse fluxoque o filme se desenvolve, apresentando os conflitos do personagem e explicandoa realidade a sua volta. Linda fotografia. Quase um curta metragem, mas comtodos os elementos de um longa, tal qual se apresenta. Boa surpresa da PremièreLatina!

CineSesc apresenta “Trilogia das Cores” em Caxias do Sul

2011-10-15T09:57:00.002-03:00

A obra do cineasta polonês Krzysztof Kieslowski será apresentada a partir do dia 21

O Arte Sesc – Cultura por Toda Parte apresenta em outubro a Trilogia das Cores, do cineasta polonêsKrzysztof Kieslowski, em Caxias do Sul, através do CineSesc. Baseada nas trêscores da bandeira francesa e no lema da Revolução Francesa, as produções serãoexibidas em três sessões: nos dias 21, 22 e 23, no Teatro Sesc (Rua MoreiraCésar, 2462), sempre às 20h. A entrada é franca.

Após as exibições, o públicoconfere um bate-papo com Conrado Heoli, Marcelo Müller e Rafa Müller, autoresdo blog de cinema, literatura e cultura “The Tramps”.

Os filmes:

A Liberdade é Azul (TroisCouleurs: Bleu)

França, início dos anos 90, àsvésperas da Unificação Européia. Julie perde o marido, um famoso compositor, ea filha num trágico acidente de carro. Traumatizada, ela procura se libertar detudo que lhe lembre o passado e, aos poucos, tenta reencontrar a vontade deviver.

A Igualdade é Branca (TroisCouleurs: Blanc)

O polonês Karol casa-se com afrancesa Dominique e muda-se para Paris. O casamento não dá certo e Dominiquepede o divórcio. Karol passa a viver como mendigo na capital francesa. Apósmuitos contratempos, ele volta para Varsóvia, onde consegue enriquecer. Aindaapaixonado, Karol trama uma inusitada vingança contra a ex-esposa.

A Fraternidade é Vermelha (TroisCouleurs: Rouge)

Valentine é uma jovem modelo quevive em Genebra. Certodia, atropela uma cachorrinha e, preocupada, sai em busca de seu dono. Assim,conhece o homem que mudará a sua vida: um juiz aposentado que passa os diasespionando as conversas telefônicas de seus vizinhos. É o início de umahistória de redenção, compaixão e perda sobre a comunicação entre os homens.

Festival do Rio 2011: We Need to Talk About Kevin

2011-10-14T08:58:00.004-03:00

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN

Título Original: "We Need to Talk About Kevin"

De: Lynne RamsayReino Unido, 2011.

Baseado no romance de Lionel Shriver, adaptado para o cinema, "We Need to Talk About Kevin", esteve entre os filmes mais aguardados deste festival. Até agora me pergunto o motivo do título não ter sido traduzido como os outros. Foi só uma observação, mera curiosidade. Com um elenco de peso, e de antemão um prestígio, mesmo antes do filme ficar pronto"..Kevin" como ficou sendo chamado, virou um best seller. Não li o livro e achei que soubesse grande parte do conteúdo, mas na hora, para minha surpresa, constatei que não. Mesmo levando em consideração que toda adaptação literária para o cinema sofre transformações, cortes e enxertos.

"We Need to Talk About Kevin" traz em seu núcleo, Eva, mulher vivida pela sensacional Tilda Swinton, que tem uma vida estável com seu marido Franklin (John. C. Reilly). Quando eles decidem ter um filho, a relação dos dois sofre sensível mudança, pois desde a gravidez Eva apresenta dificuldades em lidar com a maternagem. E Kevin (Ezra Miller) se mostra uma criança difícil, com características peculiares já bem pequeno. Aos 15 anos, ele comete um ato irreparável que abala a vida da família inteira. Eva então começa a avaliar sua vida, analisando sua parcela de culpa e tentando entender o que levou o filho a cometer tal ato.

Enquanto filme, "..Kevin" é redondo, cumpre todas as obrigações, com louvor. Linda fotografia, excelente montagem, atuações ótimas, em especial de Tilda Swinton, que não podia estar melhor e mais perfeita para o papel, e do ator Ezra Miller que interpreta Kevin. Espetacular as fases do garoto, desde bebê até adolescência. Além das caracterizações que resistem muito bem ao vai e volta da diretora. Trilha ótima e funcional, que quebra um pouco o peso absurdo de uma narrativa densa e amedrontadora, quase um thriller.

O problema é que o filme, tecnicamente falando, com todos os predicados e tendo cumprido muito bem as demandas, não dá conta de argumentos clichés que tentam explicar a grande tragédia. Fiquei com a impressão de uma necessidade por parte da autora, em justificar os fatos e na tentativa de entrar em questões como: há culpados para atitudes como esta? Caráter nato ou inato podem resultar nesse tipo de situação? O papel dos familiares, os tipos de influências que o sujeito pode ter ao longo da vida..etc etc. Achei que nessa, ela se perdeu e seus argumentos foram insuficientes e até fantasiosos, idealizados tornando o filme estereotipado.

Muito barulho por nada? Não, mas por pouco. Para mim, faltou arte, sensibilidade e ficção!!! Não à toa, a sensação de que "..Kevin" tivesse sido baseado em fatos. Mas não, nem uma coisa, nem outra. Para um grande e alarmante acontecimento, um argumento fraco que não sustentou sua provocação inicial.

Festival do Rio 2011: O Garoto que Mente

2011-10-13T14:27:00.000-03:00

O GAROTO QUE MENTE

Título Original: "El Chico que Miente"

De: Marité Ugas

Venezuela/Peru, 2011.

"O Garoto que Mente" inicia com um menino de 13anos que decide abandonar sua casa, partindo para a costa venezuelana. Parasobreviver, ele sensibiliza as pessoas que encontra, contando histórias de umdeslizamento de terra. Algumas vezes, ele diz que sua mãe se sacrificou parasalvá-lo, em outras que foi seu pai quem morreu. No entanto essas histórias têmum fundo de verdade: há dez anos ocorrera um deslizamento em Vargas, deixando milharesde vítimas e desaparecidos, entre eles, sua mãe.

O ponto alto são as memórias do garoto que, além da belafotografia, se apresentam em cenas muito mais bem construídas do que as que sepassam no presente. Essas memórias são influenciadas pelo que seu pai contou epelo efeito que o sumiço da mulher teve na vida dessa família. De algum modo,ele "ganha o mundo" para curar essas feridas e dar algum sentido àsua vida cheia de lacunas.

Não gostei muito do filme. Fiquei com a impressão de que poruma causa pessoal, a realizadora/roteirista, inclusive comovida pelos fatoshistóricos, deu início a um projeto idealizado demais, pouco real em termos decinema. Para mim, "O Garoto que Mente" está mais para um documentário,que ainda assim seria capenga de elementos e narrativa.

Festival do Rio 2011: A Chave de Sarah

2011-10-12T18:37:00.003-03:00

A CHAVE DE SARAH

Título Original: Elle S`appelaitSarah

De: Gilles Paquet-Brenner

França, 2011.

Selecionado para o Festival deToronto e baseado no romance de Tatiana De Rosnay, "A Chave de Sarah" conta a história de umajornalista, Julia, vivida pela atriz Kristin Scott Thomas, que vive na França eé designada para cobrir as comemorações do sexagésimo aniversário do Vel dHiv,do qual ela não tem conhecimento algum. Ao trabalhar pesquisando o ocorrido,Julia descobre que o apartamento onde ela, o marido e a filha irão se mudar, haviasido ocupado por uma família judia, imigrante que fora desapossada pelo governofrancês da época, e em seguida comprado pelos avós de seu marido. Julia decideentão descobrir o que aconteceu aos ocupantes anteriores, mas principalmenteque destino tomou a única sobrevivente desta família assolada pelos efeitos daSegunda Guerra.

Até agora "A Chave deSarah" está entre os melhores filmes que assisti neste festival, talvez omelhor! Um filme muito emocionante e visceral, pelas atuações e dados derealidade que são apresentados com delicadeza, sutileza, mas sem perder o focoe o tema.

O roteiro é muito bem amarrado enos deixa curiosos para saber qual será o próximo passo. Não se trata de umfilme de suspense, nem tampouco policial. No entanto os pontos ligados àhistória (política e social) e à nossa história de vida (nosso subjetivismo),fazem com que o desenrolar se torne mais interessante a cada segundo. "A Chavede Sarah" retrata uma contundente imagem da França na época da ocupaçãonazista, revelando pouco a pouco os segredos de um período muito triste dahistória francesa. Imperdível! E ao que tudo indica, logo logo entra nocircuito.

Festival do Rio 2011: A Pele que Habito

2011-10-11T09:03:00.001-03:00

A PELE QUE HABITO
Título Original: La Piel que Habito
De: Pedro Almodóvar
Espanha, 2011.

Incrível a comoção que Almodóvar causa nas pessoas. Hoje, na sessão de 21h30, em plena segunda-feira, a fila do cinema dava voltas. Todos com expectativa estampada no rosto, e na fala dos que aguardavam ansiosos pelo início do filme. Incluo-me nesse grupo, claro.

Adaptado do livro Tarântula de Thierry Jonquet, assim como no original "A Pele que Habito" traz à tona uma crítica da obsessão pelas aparências. Antonio Banderas interpreta o cirurgião Robert, médico de renome obcecado por criar peles artificiais.Prefiro não comentar mais sobre a sinopse, porque qualquer coisa que eu diga, pode ser spoiler, como vi em outros comentários antes mesmo de assistir o filme.

Uma incógnita para mim esse "novo" rumo do cinema Almodovariano. Desde "Abraços Partidos" sinto que o diretor caminha para águas mais agitadas, onde a trama e o argumento ficam em segundo plano. Não sei avaliar e me arriscaria a dizer que essa característica não seja um demérito, mas apenas uma escolha de Almodóvar, quando privilegia a performance rasgada, uma narrativa hiperbólica de sentimentos ambíguos, emoções fortes sempre, mas que flutuam entre o trágico e dessa vez mais fortemente, o cômico. Não que um dia ele tenha abandonado esse estilo, mas neste é como se ele tivesse colocado uma lente de aumento em tudo. Devo admitir que sinto falta de porções com sabor de "Tudo Sobre Minha Mãe", "Carne Trêmula", "Fale com Ela" e outros. O tempo todo me vieram à cabeça seus trabalhos mais antigos: "O Que eu Fiz para Merecer Isso", "Pepi, Luci, Bom..", "Kika", etc.

É indiscutível o talento, o estilo performático e minucioso de seus filmes. Com uma estética de encher os olhos, desde o figurino impecável, até as locações lindíssimas. Desta vez o excesso de vermelho me incomodou (risos). Aliás, achei "over" a cor (mais uma vez), a predominância do vermelho, alguma forçada de barra para que o improvável se tornasse crível, os acréscimos de elementos bizarros num contexto que variava entre o drama e o absurdo. A trilha sonora, para variar, da melhor qualidade, maravilhosa, um luxo! A atriz principal (Elena Anaya) é indescritivelmente linda, com expressões fortes, um olhar inconfundível e mais ainda o que Almodóvar é capaz de tirar daquela mulher. O mesmo com Antonio Banderas, que na mão do diretor cresce horrores e quando a câmera foca nele, não tem para ninguém.

O cinema subversivo, autoral, competente, encantador de Almodóvar, vem ganhando novas formas, ou não, não sei. Mas lamento pelas tramas maravilhosas e pelos dramas que só ele sabe construir, ficarem "de lado", se tornando apenas pano de fundo para seu palco iluminado de performances, brilhos e "autorismo". De qualquer modo, penso que ele continua podendo tudo!

Festival do Rio 2011: O Americano

2011-10-10T19:14:00.002-03:00

O AMERICANO

Título Original: Americano

De: Mathieu Demy

França, 2011.

Filho dos cineastas Agnès Varda eJacques Demy, Mathieu Demy estreia como diretor neste longa, em que também atuano papel principal. Além de todos os predicados, o elenco de peso formado por:Geraldine Chaplin, Chiara Mastroianni, Salma Hayek e Carlos Bardem (irmão deJavier Bardem) tornam "O Americano" ainda mais potente einteressante.

O filme se inicia em Paris, ondeMartin (M. Demy) mora com sua namorada Claire (C. Mastroianni) e estão passandopor uma crise na relação, quando ele recebe a notícia de que sua mãe haviamorrido. Abalado, Martin parte para Los Angeles, onde viveu parte de suainfância, para cuidar de questões da herança. Chegando lá, ele se desfaz depertences e quinquilharias e se depara com uma foto que o faz lembrar de Lola,menina mexicana de quem sua mãe gostava muito. Na falta de informações arespeito de sua mãe e também de explicações que o convencesse dos fatos, Martinvai à Tijuana atrás de Lola, na esperança de obter verdades acerca de seupróprio passado. Martin terá que lidar com as lembranças de sua infância paraconseguir aceitar a morte de sua mãe.

Incrivelmente bem ambientado edirigido, "O Americano" nos leva a uma viagem literal passando de umaLos Angeles frívola e asséptica à Tijuana mundana e perigosa. O personagemvivido por M. Demy nos passa um desamparo genuíno e fixação num passadodesconhecido e nunca concretizado em suas memórias. Destaque para Salma Hayekque, além da beleza e exuberância, nos faz crer que quando bem dirigida, epromete maravilhas. O mesmo para Carlos Bardem que está excelente. Caprichado,este longa do mais novo diretor Mathieu Demy! O final é lindo e só confirma aeficácia do filme.

Festival do Rio 2011: Um Método Perigoso

2011-10-09T09:32:00.002-03:00

UM MÉTODO PERIGOSO

Título Original: A Dangerous Method

De: David Cronenberg

Alemanha/Reino Unido/Suíça,2011.

Esta sessão foi a (minha)"estreia" no Festival do Rio, parece que o evento só começou agora, eem grande estilo. Por ter sido no Odeon e em cima, graças a amiga Bianca queinsistiu nessa grande ideia, pois ver Cronenberg de cima é tudo de bom. Semcontar que assistir a filmes na companhia de pessoas queridas, que seinteressam por cinema, e depois ainda topam falar sobre, trocar ideias é muitobom. Uma fila enorme surgia no Odeon antes das 19h e com ela a expectativa dofilme que estava por vir.

"Um Método Perigoso"se passa em Viena, às vésperas da 1ª Guerra Mundial e se baseia na gênese dapsicanálise para desenvolver a trama principal. Carl Jung (interpretadobrilhantemente por, ninguém mais ninguém menos, que Michael Fassbender) atendeseus pacientes à partir dos ensinamentos de seu mentor, o psicanalista SigmundFreud, vivido por Viggo Mortensen (que também é um show à parte). Ambosconhecem a jovem Sabina Spielrein (Keira Knightley), doente e perturbada pelopassado, e logo ficam atraídos, cada um a seu modo por ela. Com o tratamentoque se inicia, Jung se aproxima de Sabina e tem um caso com a moça. O terapeutacomeça a se questionar sobre os efeitos e as consequências desse caso e tambémse vê perturbado pelas falas de seu mestre Freud. Os dois passam a discordar ea rumar para caminhos diferentes, chegando a romper a amizade e a cumplicidadede ideais.

David Cronenberg nunca deixoude ser lembrado por suas bizarrices, seus absurdos, mas, sobretudo pelo seutalento em dirigir ótimos filmes e roteirizar muitos destes. Lembrandorapidamente: "Crash, Estranhos Prazeres", "Gêmeos, Mórbida Semelhança","EXistenZ", "Senhores do Crime". Mais uma vez ficoencantada, mas agora principalmente por constatar sua versatilidade ecapacidade de se adequar a um contexto completamente diferente do que decostume. "Um Método Perigoso" que tem o roteiro assinado pelodramaturgo Christopher Hampton, com base numa peça de sua autoriachamada "The Talking Cure", que por sua vez teve elementosautobiográficos do livro "A Most Dangerous Method" de John Kerr, tevea sorte de ser dirigido por David Cronenberg e por sua fidelidade a propostaque com certeza, foi alvo de seu interesse. Sutileza e delicadeza não sãodefinitivamente a marca registrada de Cronenberg. O diretor canadense quasesempre escolhe o pathos, o caos físico e mental e os limites destes para criarseu cinema absolutamente autoral e libertário, onde o corpo é laboratório desuas experimentações cinematográficas.

Neste seu novo filme, diferentedos demais, Cronenberg adapta com competência e nos transmite de formafidedigna a atmosfera Vienense da época, o "duelo" (com classe econsistência) de dois Titãs, que no fundo se complementavam, ao menos até certaépoca. E é capaz de transformar Viggo Mortensen num senhor, com um andar próprio,um olhar firme, gestos característicos do pai da psicanálise. Inclusive essa"parceria" de Cronenberg e Viggo M. deu muito certo. O mesmo ocorrecom Jung, muito bem representado pelo fantástico Michael Fassbender. Cronenberg,além de todos os predicados já mencionados, é fera na arte de dirigir atores ecaptar cada expressão, cada movimento, extrair dos mesmos o seu melhor. Não posso esquecer de citar VincentCassel que vive Otto Gross, paciente de Jung. Interpreta muito bem também. Precisoadmitir que tenho certa implicância com a atriz Keira Knightley e me pergunteivárias vezes porque ela foi escalada para interpretar alguém de tanto destaque,mas nada é perfeito (risos). No entanto, ela está bem, cumpre o seu papel, nãofaz feio não. Em alguns momentos achei ela excessiva, cliché, mas precisava,talvez não tivesse outra forma de retratar a histeria da época. Detalhe para aambientação: absolutamente perfeita. Um verdadeiro colírio aquela fotografia elocações.

Sou suspeita em todos os sentidospara comentar aqui , sobre "Um Método Perigoso", pois o contextofavoreceu: direção, o cinema e a companhia, além da temática. Mas possoassegurar de que valeu muito à pena, e que um prêmio como Oscar, por exemplo,caberia aos dois atores tranquilamente. Que venha mais Cronenberg por aí!

Festival do Rio 2011: Contágio

2011-10-08T11:09:00.002-03:00

CONTÁGIO

Título Original: Contagion

De: Steven Soderbergh

EUA/ Emirados Árabes Unidos,2011.

Uma epidemia provocada por umvírus letal que se espalha rapidamente pelo mundo marca o início da"maratona" de Soderbergh. Beth (G.Paltrow) volta aos EUA depois deuma viagem para Hong Kong e se sente muito mal. Ela acredita que está cansadaapenas, mas na verdade não sabe que foi contaminada pelo vírus letal. Após suamorte, várias outras se sucedem, dando início a uma verdadeira epidemia global.

Pelo que percebi,"Contágio" pegou os cinéfilos pelo pé e encabeçou as bilheterias nosEUA. Fico pensando que, de fato, com um elenco desses e com S. Soderbergh ("OInformante","Che","Traffic", "Sexo, Mentiras e Videotape")à frente, fica difícil resistir a tentação, ao menos para os apaixonados pela7ª arte. O que não entendo é a forçada de barra para tornar"Contágio" algo quase cult, e não assumir o cinemão-pipoca que é.Nada contra, muito pelo contrário, adoro filmes chamados pipoca, mas confunde eembola o meio de campo quando se faz um filme com todos os recursos, com umelenco de primeira e não se aproveita nem metade do que se tem. Uma lástima! Emmomento algum Soderbergh aprofunda os diálogos, as relações, e investemaciçamente naquele ritmo típico de alguns filmes seus e na temática: epidemia (explicaçõesbiológicas, científicas e médicas). O problema é que este ritmo quasecadenciado acaba cansando por se repetir o tempo todo, fazendo com que não hajadiferença entre a cena muitíssimo bem dirigida dos atores em destaque e a cenanão tão importante. Pode parecer paradoxal falar, mas "Contágio" éimpecável. Tudo em cima, tudo ok: direção, atores, fotografia, trilha (ótima), roteiro,mas, inacreditavelmente, o ritmo impresso em "Contágio" tira bocejosda plateia.

Festival do Rio 2011: A Valsa das Flores

2011-10-08T10:20:00.000-03:00

A VALSA DAS FLORES

Título Original: Ryabinoviy vals

De: Alyona Semenova e Aleksandr Smirnov

Rússia, 2010.

Inspirado em fatos, "A Valsa das Flores" se passa na Rússia depois da 2ª Guerra Mundial e narra a passagem de muitas jovens de 16 e 18 anos que eram enviadas aos campos minados no norte do país, para limpar a área deixada pelos nazistas. Duas jovens protagonizam essa história triste, real com muita propriedade. São elas: Marusya que é uma artista promissora, ligada à música e Polina que é uma jovem viúva aprendendo a lidar com a falta do marido.

Em meio a um cotidiano árduo, arriscado e sem muita esperança, essas duas jovens e o tenente de quem elas recebem ordens dão um show de atuação e passam muita emoção em vários momentos. O que mais comove, além da narrativa que nos faz lembrar o tempo todo que o roteiro foi baseado em fatos, é a falta de expectativa destas jovens que passam uma vida a "desarmar bombas" e precisam "bailar ao som da valsa das flores" para sobreviverem. Provavelmente, é um filme que vai demorar a chegar até ao nosso circuito. Ótima surpresa.

Festival do Rio 2011: Apresentação

2011-10-07T11:42:00.001-03:00

Ontem, quinta-feira, dia 06, começou o Festival do Rio 2011, com aproximadamente 428 títulos de 60 países. O evento, que foi aberto por "A Pele que Habito" de Pedro Almodòvar, vai até o dia 20 de outubro prometendo boas surpresas também de diretores consagrados como: "Inquietos" de Gus Van Sant, "Dark Horse" de Todd Solondz, além do tão esperado pelos cinéfilos "George Harrison –Living in a Material World" de M. Scorsese. "A Dangerous Method" de D. Cronenberg e "We Need to Talk About Kevin" de Lynne Ramsay, também causam grande expectativa.

"Árvore do Amor" de Shanzha Shu Zhi Lian, "O Pior dos Pecados" de Rowan Joffe e "Um Outro Silêncio" de Santiago Amigorena, parecem bastante concorridos.Na esfera nacional, os aparentemente mais aguardados são: "O Palhaço" de Selton Mello,"Histórias que só Existem Quando Lembradas" de Julia Murat e "Girimunho" de Helvécio Marins Jr. e Clarissa Campolina.

São ao todo 18 Mostras diferentes, para todos os gostos. Debates, sessões e eventos especiais contarão com a presença de personalidades do cinema: os diretores Abel Ferrara e Patrício Guzmàn e os atores Marisa Paredes e Willem Dafoe.Teremos também as retrospectivas. Esse ano os homenageados são: Bélla Tarr, Dario Argento e Patrício Guzman.

Festival do Rio 2011

2011-10-06T14:51:00.001-03:00

Com a exibição para convidados do mais recente longa-metragem de Pedro Almodóvar, A Pele que Habito, inicia hoje o Festival do Rio, maratona que coloca a capital fluminense no centro do roteiro cinéfilo até o próximo dia 20. Serão mais de 400 filmes, agrupados em mostras, retrospectivas e programações especiais de homenagem. Pelo terceiro ano consecutivo, nossa querida amiga carioca, Ana Carolina Grether, será correspondente do The Tramps. Aproveitamos para agradecê-la por mais esta colaboração, e lhe desejamos excelentes sessões, em breve partilhadas conosco aqui nas páginas do blog.

Dias de Godard

2011-10-03T14:19:00.002-03:00

Mês passado, o Cine Bancários de Porto Alegre oportunizou a realização do curso Poesia e Ensaio na Obra de Jean-Luc Godard, ministrado por Mário Alves Coutinho. Godard, 80 anos, continua filmando e regularmente surpreende críticos e cinéfilos com seus questionamentos filosófico-existenciais impressos em película. No ano passado, em Cannes, seu Film Socialisme deixou um sorriso no rosto daqueles que permanecem admirando o cineasta eternizado pela Nouvelle Vague.

O projeto Cinéfilus, coordenado pela professora Ivana Almeida na Universidade de Caxias do Sul, promove a partir de amanhã um ciclo com filmes essenciais de Jean-Luc Godard. Além da excelente notícia dos filmes selecionados, vale frisar que as sessões são gratuitas e ocorrem na ótima Sala Florense, no Bloco M da UCS. Confira abaixo a programação do ciclo "Grandes Diretores", que acontecerá todas as terças-feiras de outubro a partir das 19h30min.

Dia 04 - Acossado (1959)
Dia 11 - Viver a Vida (1962)
Dia 18 - O Desprezo (1963)
Dia 25 - Alphaville (1965)

Horário: 19h30min
Local: Sala Florense – Bloco M
Entrada franca

O The Tramps estará in loco conferindo esta excelente iniciativa para deleite dos cinéfilos locais. Assista uma entrevista de Godard na época de lançamento de "O Desprezo":

Mãe e Filha | Transeunte

2011-09-23T10:39:00.002-03:00

No recente Festival de Cinema deGramado, dois filmes da Mostra Panorâmica foram destaque entre os nacionais: Mãee Filha, do cineasta Petrus Cariry, vencedor do último Cine Ceará, e Transeunte,igualmente elogiado nos festivais pelos quais passou, dirigido por Eryk Rocha.Curiosidade: os diretores são filhos de grandes cineastas de outrora,respectivamente Rosemberg Cariry e Glauber Rocha.

Resgato aqui os pequenos textos queproduzi in loco na ocasião.
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Mãe e Filha

Mãe e Filha de Petrus Cariry foio grande filme exibido em Gramado este ano, infelizmente impossibilitado decompetir por já ter faturado o Cine Ceará. Tempo e morte no retorno da filhapródiga que traz nos braços seu bebê desfalecido, para que a mãe, esquecida nomeio do nada, o abençoe e o sepulte. A senhora então celebra o neto morto, aquem banha e promete a cidade fantasma em que vive. Velhos remorsos e lacunasafetivas surgem nas entrelinhas.

As edificações e ruínas dolugarejo são também personagens, pois evocam a decrepitude e o que ainda teimasobreviver. Vida e finitude são velados pelos quatro cavaleiros do apocalipse,estes seres bíblicos que se agregam à narrativa, que a permeiam assim como apresença selvagem dos animais. Na condução, o tempo é tornado abstrato porPetrus, que o manipula exemplarmente, aliás, como há muito não se via em nossacinematografia. Mãe e Filha é uma grande realização, daquelas que ficam conoscopor um bom tempo, se desdobrando, ecoando.

Transeunte

Primeiro filme de ficção de ErykRocha, Transeunte presta-se à observação do cotidiano de Expedito, aposentado quevive sozinho após a morte da mãe, com quem sempre morou. Caso se creiaque talento é transmitido pela carga genética, e levando em consideração queEryk é filho do saudoso Gláuber Rocha, não haverá qualquer surpresa quanto àsqualidades latentes de Transeunte, uma obra virtuosa.

O filme possui vocaçãosilenciosa, mas, paradoxalmente, é guiado em boa parte pela música e pelos sonsdo cotidiano. Expedito vaga pelas ruas fluminenses orientado pela sensaçãovazia da existência burocrática e protocolar, fotografado num preto e branco deimagem bastante granulada e com enquadramentos fechados, quando não hiperfechados. Transeunte é formalmente rigoroso, exige do espectador na mesmamedida que o recompensa, claro, desde que este se disponha a contemplar, avestir-se tal e qual Expedito em sua descoberta lenta e gradual do ciclo da dor,e dos raios solares que aos poucos o abrandam. Grande filme.

Chegar é o de menos

2011-09-17T11:47:00.003-03:00

Dizem que o cinema brasileiro virou um gênero, tal e qual a comédia, por exemplo. Se o cinema brasileiro é um gênero, o gaúcho seria então um sub-gênero, já que por vezes dá a impressão de comungar do ideário separatista de outrora, exatamente por conter signos muitos particulares e coisas que falam quase que somente ao nosso povo do Rio Grande do Sul. Pois bem, A Última Estrada da Praia, filme de estreia do diretor Fabiano Souza, tem fortes raízes gaúchas (vide sotaques e maneirismos), mas se diferencia na atual produção local justamente pela capacidade de diálogo com qualquer público, uma vez que que fala habilmente sobre os ritos de passagem inerentes ao desenvolvimento de todos. Três jovens decidem ir à praia e no caminho pegam para companheiro um rapaz que nada fala. Eles não são adolescentes, e refletem bem os tempos atuais em que há o tardio despertar para a vida adulta.

Chegar à praia é uma metáfora do crescimento para estes jovens, como se lá chegando deixassem para trás sua inocência inconsequente e adentrassem num mundo adulto, com todo o peso que a expressão possa ter. O personagem calado é como um catalisador, mas ao mesmo tempo serve de alusão à liberdade, por meio destes que não têm a “sanidade” necessária para fazer parte da sociedade, sendo dela excluídos. Ótimo exemplar, obra de frescor na recente produção nacional, que sobrevive a um que outro deslumbramento e ainda carrega consigo um tipo de liberdade que lhe permite alguns voos, exatamente quando os pés no chão fariam dela mais do mesmo.

Mário Peixoto - Os limites da verdade

2011-09-09T13:49:00.000-03:00

Em minha recente passagem pelo Festival de Cinema de Gramado, após sessão do filme O Mar de Mário - exemplar difícil de deglutir sobre o cineasta Mário Peixoto - iniciei conversa com alguns críticos sobre a omissão de questionamentos importantes que ocorre na obra, como, por exemplo, os que contestam a autenticidade de opiniões emitidas por cineastas de renome acerca de Limite, o mítico (e único) filme de Peixoto. Minha surpresa foi constatar que críticos renomados não sabiam de tais desconfianças, nem mesmo daquela que objeta a autoria do famoso texto atribuído ao russo Sergei Eisenstein, e que, ao mesmo tempo, sustenta tal resenha como peça marqueteira criada pelo próprio Peixoto. Sabia que tinha lido em algum lugar sobre a questão, mas não lembrava onde, para poder voltar à fonte. Fui à internet e descobri o deflagrador de tal reviravolta histórica.

Em 1991, o então jornalista da Folha de São Paulo, Leão Serva, ganhou capa do caderno Ilustrada com matéria alusiva aos 60 anos de Limite, ao mesmo tempo em que lançou estas dúvidas sobre as verdades e mentiras propaladas por seu criador. Fiz contato com Leão Serva que gentilmente me enviou uma cópia digital da página jornalística da época (veja aqui). Apoiado em conversas com o próprio cineasta e, principalmente, com o restaurador de Limite e biógrafo de Mário, Saulo Pereira, o jornalista sustentou não haver qualquer indício de que Eisenstein tenha sequer visto o filme, quanto mais escrito sobre ele. Leão diz ter ouvido ainda de Saulo que a famigerada crítica foi composta de próprio punho por Mário, e entregue posteriormente datilografada (supostamente uma tradução) para o então crítico Cacá Diegues, que a encaminhou para publicação em 1964.

Entre outras lorotas disseminadas por Peixoto, e apuradas por Leão, estão sua idade - ele dizia ter dirigido Limite com 15 anos, o que se descobriu uma inverdade, e a euforia de Orson Welles ao ver seu filme - outra mentira, já que testemunhos da sessão, que ainda contou com Vinícius de Moraes, dão conta que Welles chegou a dormir durante a projeção sob efeito de álcool.

Não se trata aqui de colaborar para qualquer mácula à figura já falecida de Peixoto, longe disto, mas há de se por as coisas em sua devida ordem. Ele mesmo dizia não poder provar a existência de tal artigo, por conta da destruição dos arquivos da revista Tatler, suposto veículo em 1932 da primeira publicação do mesmo. Quem sabe os diretores de O Mar de Mário, cujo desenvolvimento é bastante permeado justamente pelo registro do diretor lendo orgulhosamente a suposta declaração de amor de Eisenstein a seu filme, preferiram tomar o partido do artista, jogando para baixo do tapete qualquer questionamento às suas verdades. Decisão canhestra e chapa-branca que, por si só, enfraquece ideologicamente o documentário.

Parece mesmo que, orgulhoso da suposta estesia de Welles e Eisenstein diante de uma obra-prima do cinema brasileiro (e ninguém aqui falou que Limite não o é), o nacional decurso histórico relegou ao limbo algumas evidências que negariam completamente tais reações. Afinal de contas, como dito em O Homem que Matou O Facínora, de John Ford, “Quando a lenda é maior que o fato, imprima a lenda”. No caso de Mário Peixoto, parece que a lenda foi impressa em tintas mais vívidas, e a cor da verdade foi se deteriorando com o tempo.

Indie_cação: Win Win

2011-09-04T00:01:00.004-03:00

Sundance, paraíso do cinema independente, selecionou Win Win para sua mostra oficial este ano. Ainda que o festival criado por Robert Redford peque vez ou outra em suas escolhas, quando pseudo-cineastas entendem o conceito do "independente" como gênero, e não em relação às condições de produção, grandes filmes ganharam evidência recentemente, como Inverno da Alma e Namorados Para Sempre. O novo de Tom McCarthy, como era de se esperar, se enquadra entre os últimos exemplos.

Também realizador dos premiados O Agente da Estação e O Visitante, McCarthy era reconhecido na indústria hollywoodiana como ator de diversos personagens coadjuvantes em filmes como Boa Noite e Boa Sorte, A Conquista da Honra e pela franquia Entrando Numa Fria. Na posição de cineasta, ganhou evidência através dos dois filmes supracitados pelo trato que dá aos seus personagens - tipos extremamente verossímeis e muito profundos - e pelos roteiros que os privilegiam perante a condução da trama. Em Win Win McCarthy não faz diferente e, através deste filme, consegue deixar seu nome impresso na seleta lista de novos cineastas norte-americanos que merecem atenção.

O "Vencer Vencer" do título faz referência ao sonho aparentemente inatingível de Mike Flaherty (Paul Giamatti, em outra grande performance), que além de advogar comanda um time escolar de luta greco-romana. A situação muda quando o neto de um cliente surge e, após diversas circunstâncias que parecerão mais interessantes se vistas no filme do que explicadas, entra para a equipe - revelando-se um excelente lutador e adolescente problemático.

Tom McCarthy foge de quaisquer excessos, seja na construção de personagens, seja na condução do drama - que facilmente poderia caminhar pelo convencional. Essa economia dá espaço para um ritmo fluído, composto por piadas pontuais e muitos grandes momentos. O elenco, afinadíssimo, conta com a ótima Amy Ryan e uma pequena participação da maravilhosa Margo Martindale, além de marcar a estreia de Alex Shaffer no cinema. O garoto de 18 anos, ex-lutador e um dos grandes trunfos de Win Win, pode emplacar uma carreira brilhante pela frente. Assim como a de Tom McCarthy tem se mostrado a cada novo filme.

Paradoxo no Planeta dos Macacos

2011-09-02T19:35:00.002-03:00

Planeta dos Macacos – A Origem, retorno cinematográfico à mitologia iniciada com o livro de 1963 de Pierre Boulle, logo transposto ao cinema em 1968, é um blockbuster bastante interessante, pois não ofende a inteligência de quem o vê. Filme ágil, mescla algumas discussões científicas com cenas de ação muito bem coreografadas e registradas. Apresenta ainda o protagonista digital (Ceasar) em performance bastante acima da de seus colegas de carne e osso. Porém, não é tudo isto que alguns críticos têm sinalizado, afinal também se mostra obra limitada, por vezes indecisa entre os rumos da ética e a guerra que se anuncia.

O que me chamou mais a atenção foi o paradoxo ideológico que nele se instaura. Por se tratar de um prequel, em Planeta dos Macacos – A Origem vemos o início da ascensão primata e a consequente derrocada humana. O cientista interpretado por James Franco pesquisa arduamente uma droga capaz de regenerar células cerebrais, com o intuito primeiro de curar seu pai que sofre de Alzheimer. E é justamente esta droga que provoca a evolução, por assim dizer, dos macacos e a contaminação letal dos homens. A mensagem é óbvia e das mais batidas: não se pode brincar de Deus, pois o todo poderoso não admite que seus filhos provem do fruto da sabedoria, punindo quem o faz. É a velha parábola moralista de Adão e Eva no Gênesis, que encontra roupagem contemporânea nas pesquisas científicas.

Pois bem, se tivermos em mente que no filme de 1968 - que se passa anos luz no futuro - os símios possuem características humanoides ainda mais acentuadas, perceberemos de imediato o paradoxo que reside neste Planeta dos Macacos – A Origem. Sob este prisma há, de fato, desenvolvimento constante e gradativo da condição estrutural dos macacos, partindo da inteligência acima do normal e das poucas palavras pronunciadas que vemos na obra recém lançada, até que se chegue à configuração biológica vista no original, em que são quase humanos. Esta trajetória se assemelha aos estudos de Darwin que resultaram na teoria da evolução das espécies. Ora, a tese em questão refuta completamente a apregoada pela Igreja, na qual o homem teria sido moldado do barro, à imagem e semelhança de Deus. Então, ao passo que Planeta dos Macacos – A Origem expõe claramente a velha crítica de fundo religioso e dogmático do homem brincando de ser Deus, mostra que a evolução das espécies, embasada cientificamente, de fato pode ser a resposta para a existência humana. Desculpem se ficou confuso, mas é interessante, não?

Resta a você, amigo que se aventurou por estas linhas, não as abandonando no meio do caminho, conjecturar sobre a intencionalidade do paradoxo, tomar partido do lado (ciência vs religião) que lhe pareça mais sólido, ou refutar completamente o lido acima, por entendê-lo fruto de uma mente viajante. Tudo, menos a indiferença.

Vá e veja Cópia Fiel

2011-08-31T10:26:00.021-03:00

Já vi Cópia Fiel, que estreia amanhã na Sala de Cinema Ulysses Geremia, no Centro de Cultura Dr. Henrique Ordovás Filho. Não, não fui a Porto Alegre ou a qualquer outra metrópole em que o filme foi exibido. Baixei na internet mesmo, com ótima qualidade de imagem e legenda. É assim que as coisas caminham no momento, não? Atire a primeira pedra quem não utiliza o ciberespaço para estes fins. Porém, certamente vou aproveitar a oportunidade para conferir de novo o mais recente filme de Abbas Kiarostami, agora no cinema. Mas, por quê?

Ora, cada sessão é única, principalmente quando falamos de um filme tão aberto quanto este, e seria desperdício não revisitá-lo em tela grande, com projeção em película e tudo mais. Também, pois, Kiarostami é um dos autores mais importantes da atualidade, e esta realização prova cabalmente isto (se é que depois de filmes como Close Up e Gosto de Cereja, só para ficar em dois, ele ainda precisava provar alguma coisa). Cópia Fiel merece ser revisto por que suscita múltiplas questões pertinentes sobre a validade das cópias na vida, e na arte que dela se alimenta. Tudo lançado sem ranço pseudo-intelectual, como substrato da conversa entre um homem e uma mulher que acabaram de se conhecer. Ou seriam eles marido e mulher? A vida imita mesmo a arte, ou o caminho inverso é o mais verdadeiro?

Sério candidato a destaque maior dentre os filmes lançados comercialmente no Brasil este ano, Cópia Fiel merece diversas audiências, quantas forem possíveis. Então, não importa se, assim como eu, você já o viu. Caso esteja em Caxias do Sul nas próximas duas semanas, se permita uma sessão de altíssima qualidade.

A era da inocência e das trevas

2011-08-28T13:43:00.006-03:00

Meu primeiro contato com o filme mais recente de Denys Arcand, L’Âge des Tenébrès, se deu através de uma resenha onde questionavam a alteração de seu título no Brasil para o inadequado A Era da Inocência. Como as trevas referenciadas originalmente poderiam ser apaziguadas pela inocência da distribuidora brasileira, que permitiu tamanha mudança? Não é novidade que filmes e livros são rebatizados fora de seu país de origem e temos aqui outro grande e curioso exemplo, mas deixemos de lado este pequeno detalhe por enquanto.

O diretor da duologia O Declínio do Império Americano e As Invasões Bárbaras retoma o tema principal de sua filmografia em A Era da Inocência, aqui centrando seus questionamentos e apontamentos muito perspicazes em único personagem e seu universo particular, novamente através de uma abordagem que, para os realistas, não tem nada de pessimista. Jean Marc, servidor público canadense de classe média, muito facilmente poderia ser o nosso João Marcos, o John Marc estadunidense ou o ジャンマルク do Japão. A genialidade de Arcand está nos contornos singulares com que ele aborda questões tão recorrentes e muitas vezes banais da vida moderna, geralmente negligenciadas pela alienação da sociedade contemporânea.

Personagens como Jean Marc são os mais queridos por cineastas que desenvolveram um subgênero dentro do drama, em filmes que dão conta da mediocridade cotidiana das classes que vivem em subúrbios, focadas em propósitos nada construtivos. Sam Mendes, Todd Field Marc Forster e Todd Solondz, que para mim é um dos mais competentes na área, já desenvolveram grandes e inquietantes histórias com núcleos semelhantes, assim como Denys Arcand, cada qual imprimindo um olhar particular para esta riquíssima fonte de argumentos. Enquanto outros cineastas imaginativos anunciam o fim da humanidade através de catástrofes naturais, invasões alienígenas ou robôs gigantes vingativos (!), Arcand é um dos poucos criativos que aponta suas câmeras para o verdadeiro mal de nossa época: nós mesmos e as nossas escolhas.

Recuso-me a dissecar maiores nuances da trama, personagens e narrativa de A Era da Inocência, uma vez que os vários grandes momentos do filme serão melhor apreciados sem referências prévias. Vale frisar que Arcand é um diretor que prima pelo roteiro, diálogos inteligentes, muitas nuances e simbolismos. Ainda que não deixe de lado a forma e a técnica, seu filme tem o grande trunfo em outros quesitos, como os aqui já apontados. Não menos importante e digna de elogios, a atuação de Marc Labrèche é brilhante, pontual e também responsável pelo filme ser um grande acerto – já que seu personagem é o centro de toda a obra.

Retomando o detalhe que mencionei inicialmente, confesso-me contra quaisquer alterações de títulos de filmes que não sejam apenas sua tradução, principalmente as que são movidas por intuito comercial. Independente do motivo que transformou A Era das Trevas em A Era da Inocência, admito a validez e sagacidade do novo título – de significado possivelmente acidental. Ela referencia todos nós, inocentes, que mesmo explicitamente avisados dos males que nos cercam e que causamos, escolhemos viver nas trevas.

Luta desigual

2011-08-27T18:03:00.003-03:00

É, o cinema brazuca está de pernas pro ar, apostando forte em comédias rasteiras, boas de público e ruins de arte. Claro que é bom ver as pessoas indo às salas de exibição conferir os filmes que falam sua língua, mas custava ser menos subserviente aos signos televisivos, aos estereótipos e ao humor diluído? Mas, muita calma nessa hora, pois nem tudo está perdido. Vez ou outra surge algum exemplar de dar orgulho, mas aí ele não emplaca, fica pouco em cartaz, some nas prateleiras de DVD, vira filme de gueto. Onde está a felicidade? No diminuto público que aprecia filmes de qualidade, ou na multidão que gosta dos rasos, mas que justamente por ser numerosa alavanca o mercado? É, nosso cinema está no divã, cheios de complexos, neuras e síndromes. Parece que damos voz a qualquer gato vira-lata que tenha um roteiro esperto sobre alguma bobagem, enquanto os bons artistas ficam anos esperando o financiamento de seus próximos projetos. Os bons filmam pouco por falta de oportunidade. Os oportunistas surfam na onda que vem.

Ninguém aqui é louco de negar os benefícios deste tipo de produto que se convencionou chamar de “globochanchada”, pois ele aquece o mercado interno e chama atenção. Cilada é relevar demais esta corrente apoiada num humor duvidoso, como se ISTO, e SÓ ISTO, representasse cinema brasileiro. Se eu fosse você, abriria mais os olhos, e os sentidos, para a pluralidade do que é feito em nosso território, sairia de vez em quando da fila quilométrica daquele filme com as caras de sempre no multiplex, e daria uma chance para aquele outro que fala sua língua, cuja fila está curta, numa das poucas salas que se abrem às alternativas. É, a velha luta do poderoso dragão da maldade contra o corajoso, porém enfraquecido, santo guerreiro.

Ah... Mila Kunis!

2011-08-25T17:07:00.005-03:00

Lendo um texto do Ivan Martins, editor da Época, me deparei com uma citação que me instigou a escrever este texto – e que já havia me chamado a atenção em outras oportunidades. A atriz Mila Kunis é mencionada por ele como um ideal de beleza, sendo que há poucos anos a mesma era ignorada nesse sentido.

A ucraniana (!) Мілена Марківна Куніс (ou Milena Markovna Kunis, para aqueles que como eu não são criptógrafos) tem 28 anos e começou sua carreira na televisão, onde participou de séries como Baywatch e Sétimo Céu e do filme Gia, interpretando a personagem de Angelina Jolie aos 11 anos. Mas a moça ficou mesmo conhecida após o sucesso de That '70s Show e pela voz de Meg Griffin na série animada Family Guy (exibida no Brasil como Uma Família da Pesada).

Há mais ou menos dois anos, no entanto, vi uma série de filmes que explorava Mila Kunis através de outra perspectiva que não a da garota com ótimo timing para comédia. Ressaca de Amor, Max Payne, O Livro de Eli e Uma Noite Fora de Série oportunizaram participações maiores para a atriz, que passou a fotografar de outra maneira, sendo explorada não apenas comicamente, mas através de um sex appeal (fazendo uso de um termo bastante antigo, mas ainda eficaz) exótico e inegavelmente interessante.

Em 2010, tal vertente de sua verve artística se intensificou quando Mila coadjuvou em Cisne Negro como a elétrica Lily. Presente em algumas das cenas mais ovacionadas pela ala masculina que apreciou o filme, a atriz consegue até mesmo ofuscar em alguns momentos a onipotente Natalie Portman – que geralmente anula outras presenças femininas nos filmes que protagoniza.

Mila Kunis... Confesso com este texto minha atração e interesse por esta atriz que (espero não estar errado ao afirmar isso) tem um futuro muito interessante e próspero na meca do cinema norte-americano. Considero apenas que, além de sua estonteante beleza, a moça tem muito a oferecer. Ignore a imagem abaixo e você também acreditará.

Santo Guerreiro

2011-08-24T13:52:00.004-03:00

"Continuo fechado com minhas posições de um cinema terceiro-mundista. Um cinema independente do ponto-de-vista econômico e artístico, que não deixe a criatividade estética desaparecer em nome de uma objetividade comercial e de um imediatismo político."

Glauber de Andrade Rocha: Vitória da Conquista, 14 de março de 1939 - Rio de Janeiro, 22 de agosto de 1981.

Lá se vão 30 anos da morte prematura de Gláuber Rocha, provavelmente o maior cineasta que o Brasil já viu nascer.

Sessões recentes

2011-08-22T17:55:00.005-03:00

Super 8

Assumidamente fã de Steven Spielberg, o diretor J.J. Abrams, que parece trilhar caminho semelhante ao do diretor de ET, resolveu homenageá-lo com este filme ambientado nos anos 80, cheio de referências à algumas obras que marcaram aquela época, principalmente às produzidas pela mítica Amblin Entertainment (de Spielberg) que, aliás, é uma das produtoras de Super 8. A balbúrdia em torno do acidente ferroviário do qual escapa um alienígena e a paranóia armamentista do governo ávido por manter seus segredos, são apenas cenários para o real mote do filme: a conflituosa relação entre pais e filhos. O menino que não consegue se comunicar com o pai e a menina vítima da perdição de seu progenitor, precisam se unir para o crescimento mútuo, para que amadureçam com o desenvolvimento destes laços paternos. Super 8 é nostálgico, divertido e cheio de piscadelas cinematográficas aos mais atentos, o que dá ainda mais espessura a um molho delicioso, daqueles que deveríamos degustar com mais frequência.

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Mamma Mia

Baseado num musical, Mamma Mia é embalado por canções do Abba, um dos mais saudosos e populares grupos da década de 70. Aos familiarizados com a sonoridade, o filme guarda boas passagens, afinal de contas como não se interessar - nem que seja minimamente - por números que giram em torno de “Dancing Queen” e “Mamma Mia”, por exemplo? Porém, como obra cinematográfica Mamma Mia é bem capenga, tem desenvolvimento preguiçoso e é guiado demais pelas “historietas” contadas nas músicas que o compõem. Na trama da garota que resolve convidar para a cerimônia de seu casamento os três amores pretéritos da mãe, com o intuito de descobrir qual deles é seu pai, sobrevivem, além da música, o elenco respeitável (que vai de Meryl Streep a Colin Firth) e a sensação gostosa de vermos intérpretes mais acostumados a dramas densos, se divertindo para valer com o processo de um filme leve e sem pretensões. Pena que Mamma Mia seja tão raso.

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Terra de Ninguém

Primeiro longa do recluso Terrence Malick, Terra de Ninguém, ambientado no interior dos EUA, é um filme arrebatador sobre o amor impulsivo e quase infantilizado entre um catador de lixo e uma adolescente. Ele parece James Jean, é um cara um tanto quanto fechado em seu próprio mundo de expectativas oprimidas. Ela é uma menina com traços de criança, também sufocada, só que pela rígida criação paterna. Não há torrentes emocionais que guiem este amor ladeado de tragédias, norteado por um torpor quase intrínseco. Ele se perde justamente quando tenta se enquadrar, enquanto ela se desencaminha sem ao menos ter ambicionado trilhar qualquer caminho. Filhotes da inércia, incrustados no interior americano que se debatia pela manutenção de sua identidade frente aos novos tempos, as figuras de Terra de Ninguém são signatárias do período de incertezas em que estavam inseridos. Grande estreia, grande filme.

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Juventude

Um dos mais interessantes cineastas brasileiros, Domingos Oliveira traz em Juventude novamente seus característicos personagens de verborragia inspirada que gravitam em torno dos relacionamentos. Três homens resolvem comemorar a amizade ao relembrar os anos que não voltam, os amores e as dores que os fizeram ser o que são. Como os cardeais da peça que os uniu na infância, eles desfilam pela memória, ora melancólica e cheia de arrependimentos, ora repleta de saudosismos doces, daqueles que só compartilhamos com os que nos são caros de longa data. Ao experiente Domingos, parece imprescindível desenvolver um visual poético que corrobore com os colóquios hipnotizantes dos três senhores reverentes da memória, e ele o faz dignamente, entregando um filme formalmente mais complexo que seus anteriores recentes. Ode à amizade e à maturidade, Juventude é mais um dos inúmeros passos assertivos na carreira do nosso mais afiado cronista cinematográfico de costumes.

Indie_cação: Submarino

2011-08-18T15:44:00.005-03:00

Egresso da televisão inglesa, Richard Ayoade não possuia muita expressão como realizador e seu nome era conhecido apenas através da britcom The IT Crowd, onde interpretava o personagem Moss. A situação se inverteu quando conseguiu a produção de Ben Stiller para seu debute na direção de um longa, Submarino, drama cômico pequeno, inteligente e repleto de boas ideias.

A história de Oliver Tate pode ser conhecida no país antes do lançamento do filme (que permanece inédito em nossas salas), uma vez que a Editora Record lançou o livro de Joe Dunthorne com o mesmo nome no início do ano. O adolescente leva uma vida curiosa em meio aos tipos excêntricos que o rondam: pais omissos, colegas caricatos e uma namorada nada convencional. Ele faz o que considera um trabalho social: investiga aqueles que estão à sua volta e procura saber mais sobre si mesmo.

Com um elenco afinado, que inclui a sempre ótima Sally Hawkins, Paddy Considine e Noah Taylor, além dos jovens Craig Roberts e Yasmin Paige, Submarino vai um pouco além dos muitos filmes que discorrem sobre a adolescência. O ritmo advindo da edição dinâmica, pouco usual para os filmes do gênero, assim como a bela fotografia e direção segura, são outros atrativos para a inspirada dramédia independente. Vale a sessão.

P.s.: primeiro post de uma série semanal, que pretende contemplar a indicação de alguma produção cultural advinda do universo que se convencionou classificar como independente. Aguardem a próxima indie_cação.

Lady Gaga? Putz, a coisa tá feia

2011-08-18T12:28:00.008-03:00

Não gosto de Lady Gaga. Não adianta jogar pedra, pois não aprecio mesmo os figurinos excessivos e suas músicas, aliás, o que de mais genérico o pop/dance oferece. Exemplo da insipiência da “queridinha do momento” é seu clipe Judas, no qual flerta com traidor bíblico. Colagem vagabunda, reciclagem barata de elementos e signos que diversos artistas já utilizaram melhor, por exemplo, nos anos 80. Em Lady Gaga tudo é fake, inodoro, inofensivo, subversivamente fashion.

Mais triste que a falta de qualidade musical e do clipe, é este culto vazio a Lady Gaga, para muitos a “última bolacha do pacote”, mas que nem musicalmente, nem visualmente e muito menos no campo da transgressão (que faz bem a qualquer forma de arte) é relevante, a não ser como estandarte de uma geração que ouve qualquer coisa mesmo.

Festival de Gramado - Todo carnaval tem seu fim

2011-08-14T23:26:00.001-03:00

O cinema nos ajuda a olhar o mundo de maneiras diversas, auxilia na tarefa de fazer-nos pessoas melhores. É uma espécie de espelho projetado, no qual vemos refletidos nossos medos, angústias, alegrias, satisfações e insatisfações. Pensar que apenas entretém, é reduzi-lo como se não fosse mais que um passatempo degustado com pipoca. Vimos nestes dias de intensa programação no 39º Festival de Cinema de Gramado mais que filmes dispostos a fazer o público se descolar por alguns minutos da realidade. Cinema pode ser fuga, mas tem por vocação real nos colocar ainda mais em contato com o substrato das coisas: descobertas, discussões metafísicas e filosóficas, ou mesmo banalidades fundamentais que estão no cerne de nossa existência.

Em Gramado temos uma espécie de tribuna aberta há quase quarenta anos, que busca reforçar a identidade cinematográfica brasileira, inserindo e contextualizando-a no cenário latino-americano. Aí está a importância de um festival como este, que certamente se beneficiaria de organização mais cuidadosa e estrutura mais condizente com sua história. Gramado vive em crise, lutando para conseguir os inéditos, nem sempre tendo êxito perante o maior poderio de outros certames. Mas as coisas já estiveram bem piores. A atual curadoria de Sérgio Sanz e José Carlos Avellar merece crédito pela retomada, lenta e gradual, da significância artística do Festival de Cinema de Gramado.

Em meu segundo ano de cobertura, creio que consegui aproveitar melhor toda a atmosfera, degustar o cinema com mais gana, partir com mais afinco para conversas e tudo mais. Foi uma temporada de ótimos filmes estrangeiros, nem tanto assim quando olhamos os nossos. Debates interessantes, diálogos paralelos e discussões que enriqueceram os filmes vistos, e certamente enriquecerão as sessões vindouras. Agora é a hora de voltar, inteirar-se novamente da rotina, saudoso que estou das coisas do cotidiano, mas certamente também um pouco melancólico por não poder estender por meses a experiência diária de participar de um acontecimento tão relevante como este.

Enquanto isso na "Terra do Chocolate"...

2011-08-12T01:05:00.000-03:00

Olá, caro amigo-leitor!

Venho por meio deste breve escrito convidar aos amantes da sétima das artes a ler a coluna diária do Celo na revista eletrônica Gramado Magazine. Ele partiu na última sexta-feira, quando também seus trabalhos críticos iniciaram, de maneira semelhante ao ocorrido ano passado. O foco: Festival de Cinema de Gramado.

O contribuinte mais assíduo deste blog retornará no domingo próximo, claro que cheio de percepções, as quais serão sumariamente divididas neste espaço através de suas sempre bem colocadas palavras.

Fica o registro e a dica,

Abraçossssss

Reflexos de uma Noite Vazia

2011-08-07T14:25:00.001-03:00

O olhar perdido de Gabriele Tinti diz muito sobre Noite Vazia, grande filme dirigido por Walter Hugo Khouri. Seu personagem, Nelson, não encontra felicidade em nada nem ninguém, muito menos nas noitadas de fugazes relacionamentos e festas chatas em que embarca com o amigo Luisinho, o bom vivant que esconde sua não menos latente melancolia por trás da confiança que o dinheiro falsamente proporciona. Eles vagam a esmo por uma São Paulo petrificada, de jovens sedentas por amor e algo mais, enquanto mulheres de meia idade se resignam com a busca desenfreada de seus maridos por sexo extraconjugal.

Lá pelas tantas, numa das muitas cenas que deflagram o processo de deterioração estrutural das figuras dramáticas que eles encontram, Lusinho e Nelson conhecem duas prostitutas, e com elas embarcam numa madrugada de sórdidos solilóquios e procuras esvaziadas. Transar não é o bastante, os homens querem experiências que os tirem do marasmo, ao passo que às moças cabe o papel de atração, fardo que ganha peso à medida que detectamos nelas suas próprias expectativas. A beleza exuberante e a altivez de Odete Lara servem perfeitamente de veículo para a pose de Regina, mulher da vida, que é feita rígida por esta bandida. Por sua vez, a introspectiva Mara ganha contornos de infinita tristeza nos olhos grandes e profundos de Norma Benguell.

Noite Vazia sugestiona constantemente um parentesco com o cinema de Ingmar Bergman, provavelmente o cineasta que mais se irmanou à dor de seus personagens. Tal qual o sueco, Khouri utiliza closes ou primeiríssimos planos para mostrar-se próximo das criaturas, além de sustentar o rosto e os olhos como refletores das mazelas mais recônditas. O estado de suspensão e tédio a que é submetido o quarteto durante o vácuo da noite paulistana, representa bem os dilemas do humano sempre à procura de razões e motivos suficientemente fortes para seguir adiante. Como máscaras inanimadas, continuam os quatro ao amanhecer, sem muito a dizer e acrescentar. Não negam a próxima tentativa, provavelmente noutra noite transitória, em que elas continuarão a ganhar a vida, e eles a exacerbá-la. Nada aparentemente muda, a não ser a consciência crescente da inocuidade das jornadas sem fim.

Dança comigo?

2011-08-02T15:00:00.025-03:00

Olá, caro amigo-leitor!

Há algum tempo tive a oportunidade aberta pelo Marcelo, irmão e sócio deste espaço, de ouvir o som idealizado por um jovem, Thiago Pethit.

As melodias são bem elaboradas, as letras de conteúdo significativo e bem articulado avançam pelo inglês e francês com naturalidade idêntica às composições em sua língua mãe, o português. Sua voz é leve, suave, prima pelo acariciar da audição, esta imbuída instantaneamente, desde a primeira obra, em ambiente reconfortante, agradável e artístico.

Bom, o costume e as regras de redação nos forçam à introdução, neste caso, mais o bom senso. Venho por meio do que aqui apresento de forma exclusiva, não que isso lhe garanta qualidade, mas ao menos efeito, propor uma comparação, a qual tomará entendimento de procedente para alguns e pura imaginação, sem nexo em relação aos fatos, para tantos outros.

Pois bem, dito o acima, abaixo poucas palavras, os que seguem como notórios são os vídeos, a reflexão e a subjetividade dos que até aqui seguiram por linha de raciocínio proposta por mim.

Abraçosssss

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Ban à part - Jean-Luc Godard (1964) [Ainda não assisti ao filme]

Nightwalker - Thiago Pethit (2011)

Por Uma Vida Menos Ordinária

2011-07-29T22:28:00.005-03:00

Pegue Stanley Kubrick, um dos maiores diretores de cinema de todos os tempos, metódico, crítico, extremamente combativo, e tente inseri-lo na produção contemporânea. Pince ainda Luis Buñuel, possuidor daquela verve anárquica que aflorava do surrealismo, dos ataques frontais à burguesia patética, entre tantos outros expedientes, e imagine um lançamento seu no “arteplex mais próximo de você”. Não contente, tente ainda encaixar a profílica produção de Billy Wilder no panorama atual, projete ele tentando tirar do papel alguma comédia inteligente em larga escala, sem gente “peidando” na cara dos outros, ou qualquer escatologia deste naipe. É difícil, né?

Vejo muita gente por aí reclamando do cinema atual, da falta de grandes nomes que resgatem o nível cinematográfico que não existe mais. A ciranda do tempo traz mudanças, e não creio que mesmos os gênios de outrora “sobreviveriam” artisticamente com dignidade no panorama que se apresenta, e muito menos no que se avizinha. Vivemos em meio a crises, cultural e sociológica principalmente, não apenas de criatividade ou visão cinemática. Sei, ainda existem diretores fantásticos que conseguem verdadeiras proezas neste cenário de guerra, mas mesmo eles não escapam de gastar generosas doses de energia e tempo (com as quais poderiam produzir mais) na luta constante pelo reconhecimento/entendimento de seus trabalhos.

Aproximo-me dos apocalípticos ao apontar que o mundo contemporâneo (e isto não é um exercício de nostalgia) representa terra bem menos fértil para que os talentos sejam considerados e suas capacidades regadas pelo sumo que vem do público. Quem sabe estejamos mesmo na era da inércia, onde pensar em demasia é quase crime inafiançável. O público de antes, um pouco mais acostumado à grande literatura, às músicas de qualidade e às imperdíveis sessões de cinema, hoje se contenta em demasia com narrativas vampiresco-açucaradas, eguinhas-pocotós e em comer pipoca (“que filme era mesmo?”). Cada época tem sua “cara”, e o grosso da produção cultural é apenas um reflexo político, estético ou mesmo ético desta face. É certo que o aparecimento de “gênios” era menos bissexto anteriormente, mas, a meu ver, o grande problema é a atual configuração das coisas, que mata no berço, ou no primário, nossos futuros homens e mulheres extra-ordinários.

Kane por Bazin

2011-07-27T21:01:00.006-03:00

“Toda revolução introduzida por Orson Welles parte da utilização sistemática de uma profundidade de campo inusitada. Enquanto a objetiva da câmera clássica focaliza sucessivamente diferentes lugares da cena, a de Orson Welles abrange com a mesma clareza todo o campo visual que se acha ao mesmo tempo no campo dramático. Não é mais a decupagem que escolhe para nós a coisa que deve ser vista, lhe conferindo com isso uma significação a priori, é a mente do espectador que se vê obrigada a discernir, no espaço do paralelepípedo de realidade contínua que tem a tela como seção, o espectro dramático particular da cena. É, portanto, à utilização inteligente de um progresso preciso que Cidadão Kane deve seu realismo. Graças à profundidade do campo da objetiva, Orson Welles restituiu à realidade sua continuidade sensível.”

André Bazin, um dos responsáveis pela instauração do cinema no círculo das grandes artes (por conta de sua militância na França do pós-guerra) e tido ainda como um dos maiores, senão o maior, pensadores/críticos de cinema de todos os tempos, discorrendo sobre Cidadão Kane, de Orson Welles.

Luminar, não?

A volta da censura no país da hipocrisia institucional

2011-07-23T13:08:00.008-03:00

Se existe um fantasma a atormentar toda sociedade que já foi vítima de qualquer processo ditatorial é a censura, esta extirpação do direito à livre expressão. Da ditadura que nos coube em outros tempos, sobraram, além de exemplos negativos e muita gente torturada nos porões do poder, casos abundantes de processos deflagrados de censura. Como todo fantasma, este vive a assombrar, a pôr medo.

Nesta semana, um caso polêmico fez emergirem estas memórias da censura, da época ditatorial brasileira. A diretoria da Caixa Econômica Federal ordenou a retirada do filme A Serbian Film - Terror Sem Limites da programação do RioFan, evento do qual é patrocinadora, através de seguinte texto: "Senhor Produtor, Informamos que, por decisão da Caixa Econômica Federal, o filme A Serbian Film - Terror sem Limites deverá ser retirado da programação da mostra RioFan, em cartaz na Caixa Cultural RJ e patrocinada por essa Instituição"

Em resposta pública, a recém criada ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) divulgou uma nota de repúdio ao veto, que reproduzo abaixo.

Repúdio ao veto a “A Serbian Film” no RioFan

A Abraccine – Associação Brasileira de Críticos de Cinema repudia o veto à projeção do longa-metragem “A Serbian Film – Terror sem Limites”, do diretor sérvio Srdjan Spasojevic, presente na programação do RioFan – Festival de Cinema Fantástico do Rio de Janeiro. O filme seria exibido pelo RioFan na sala Caixa Cultural. Porém, os organizadores do festival foram obrigados a retirá-lo da programação por decisão da diretoria da Caixa Econômica Federal, conforme nota divulgada pela assessoria de imprensa do banco, sob alegação de que a instituição “entende que a arte deve ter o limite da imaginação do artista, porém nem todo produto criativo cabe de forma irrestrita em qualquer suporte ou lugar”.

Em resposta, a organização do RioFan se disse “contra qualquer forma de censura” e informou que todos os filmes selecionados para o festival foram avaliados por órgãos oficiais competentes e têm classificação etária de 18 anos. A Abraccine defende a liberdade de expressão cinematográfica e o direito de os espectadores interessados assistirem aos filmes que lhes convêm, acreditando não caber a instituições públicas ou privadas a definição sobre o que deve ou não ser visto. A responsabilidade sobre programação e observação à classificação etária de filmes apresentados num festival de cinema é da organização do evento, devendo a ela serem dirigidas eventuais questões controversas, sem, para isso, ser utilizado o ato de censura prévia (inexistente no país) a um determinado trabalho artístico.

Registramos ainda que “A Serbian Film” já teve pelo menos outras duas exibições anteriores ao RioFan: no I Festival Internacional Lume de Cinema (São Luís, no Maranhão) e no VII Fantaspoa – Festival Internacional de Cinema Fantástico (Porto Alegre, no Rio Grande do Sul). Por esta nota, deixamos ainda claro que a Abraccine não está defendendo um trabalho ou um festival em específico, mas um princípio: o de um filme poder ser assistido e avaliado pelo espectador com liberdade.

ABRACCINE
Associação Brasileira de Críticos de Cinema

Após uma série de outros movimentos de repulsa à proibição, largamente disseminados com a ajuda de redes sociais, blogs e sites dedicados ao cinema, surgiu a informação absurda da apreensão da cópia do filme, a que seria utilizada para a exibição anteriormente vetada, atendendo a liminar obtida pela 1ª Vara da Infância e da Juventude do Rio de Janeiro. O advogado responsável pela ação, cheio de si, colocou assim em seu perfil do Facebook: "Senhores, consegui uma importante liminar em prol da família e dos valores cristãos. Hoje consegui proibir - através de uma liminar - a exibição de um filme nos cinemas com cenas de Pedofilia e Estupro de um Recém-Nascido. O Juizado da Infância e da Juventude já realizou a apreensão do filme.... Estou indo dormir, coma sensação do dever cumprido.”

Aí pergunto: Qual o propósito do veto, e posterior apreensão arbitrária da cópia do filme que, por classificação, já estava previamente vedado a menores de idade? Onde fica a liberdade? Morais e bons costumes de quem? Em tempos de internet, de compartilhamento, os paladinos desta moral esvaziada acham realmente que conseguirão frear o ímpeto de quem queria, ou ainda quer, assistir ao filme? O pior é constatar que estes senhores encontram respaldo legal para censurar, para decidir o que devemos/podemos ver ou fazer. Vergonha chancelada pelo falido sistema judiciário brasileiro. Palmas à ignorância e à volta dos quem “sabem o que é melhor para o povo”.

Contra o Tempo e a velha dicotomia: arte vs comércio

2011-07-20T21:05:00.007-03:00

Em Contra o Tempo, segundo longa metragem do diretor Duncan Jones, cuja estreia se deu com a ótima ficção espacial Lunar, há mais profundidade do que possamos imaginar num primeiro momento. Na trama, o capitão Colter Stevens se percebe parte de um procedimento vanguardista da divisão estratégica do exército americano, que transporta a consciência de homens treinados para uma espécie de realidade artificial, criada com base nos últimos oito minutos da memória de alguém que faleceu. Sua missão é encontrar o responsável pelo atentado a um trem, que explode no centro de Chicago, e evitar que, impune, desencadeie outros eventos catastróficos. Para isto, o capitão Stevens precisará reviver diversas vezes os citados oito minutos na pele de um professor, e interagir com outros passageiros a fim de montar o quebra-cabeça que pretensamente o levará ao responsável pela detonação.

Duncan Jones, além de provar que o êxito em seu debut não foi mera “sorte de principiante”, encarou desafio extra ao trabalhar pela primeira vez dentro do esquema industrial, sob a égide de um estúdio. Dá para dizer que se saiu muito bem em ambas as tarefas, pois, ao passo que criou um filme (des)complicado, com bom potencial de sucesso junto ao grande público, deu mais mostras de sua solidez como realizador. Contra o Tempo apresenta-se, de início, como um triller em que acompanhamos, com certa dose de tensão e curiosidade, as constantes viagens de Stevens (interpretado com muita segurança por Jake Gyllenhaal). Porém, o filme ganha em significância e profundidade, deixando ação e eletricidade narrativa em segundo plano, à medida que estas incursões passam a ser entremeadas pelo desejo do protagonista de saber mais sobre sua condição e atual missão.

O roteiro de Ben Ripley é sagaz na abordagem de temas espinhosos, e geralmente complicadores, como: viagens no tempo, física quântica, realidades paralelas e o continuum espaço-tempo. A Duncan Jones, que começa a desenhar itinerário estilístico e temático, pois, assim como em Lunar, trabalha com questões identitárias, de migração e reprodução da consciência, cabe criar momentos que segurem a plateia através do desenvolvimento esperto de uma trama que, em mãos menos engenhosas, estaria fadada ao mero contemplar da repetição. Jones também demonstra tato ao preencher a narrativa com discussões mais, digamos, profundas, como a beligerante postura americana e a maneira com que o indivíduo é descartado em função da máquina patriótica do Tio Sam.

O único senão de Contra o Tempo é seu final um tanto quanto “açucarado”, que complica mais do que ajuda. Tivesse encerrado na cena em que o mundo parece estático em fragmento de aparente felicidade, e Contra o Tempo seria ainda mais forte e enigmático. Ao buscar a luz, o filme eclipsa um pouco seus subtextos, num encerramento mais afinado com as lógicas de mercado, do que propriamente com a visão artística de um diretor que já fez dois ótimos, mas que, daqui para frente, tem tudo para fazer grandes filmes.

As Cleópatras

2011-07-16T21:42:00.009-03:00

A mesma personagem, duas visões. Recentemente assisti duas versões fílmicas da história de Cleópatra: a dirigida por Joseph L. Mankiewicz nos idos anos sessenta, e a levada a cabo pelo brasileiro Julio Bressane em 2007. A audiência das variantes ajuda a ilustrar o aspecto da criação pois, dentre outras coisas, evidencia que ambas estão impregnadas das inquietações pessoais e ideários artísticos de seus criadores. São distintas, mesmo que versem sobre os mesmos período histórico e personagens.

Mankiewicz elege a riqueza

Cleópatra é uma personagem histórica, um mito. O diretor Joseph L. Mankiewicz, no início dos anos sessenta, convenceu a Fox a produzir o, então, filme mais caro da história, buscando construir uma narrativa épica sobre a rainha do Egito, principalmente no que dizia respeito ao seu envolvimento com o império romano. O filme ficou mais famoso por seu fracasso retumbante do que propriamente por alguns de seus inegáveis méritos, algo até natural, pois, mesmo inserido num tempo em que o público era mais carinhoso com as grandes obras, mais de quatro horas de projeção nunca foi sinônimo de “atração comercial”. Pena, injustiça com o filme que, embora seja irregular, está longe se representar artisticamente o insucesso que teve na arrecadação.

Com elenco estelar, capitaneado por Elizabeth Taylor, Richard Burton e Rex Harrison, Cleópatra é uma produção que deixa claro em que cada cena o aporte financeiro que lhe permitiu existir tal e qual. Cenários majestosos, milhares de extras, figurinos meticulosos, tudo alerta para uma espécie de luxo que, a bem da verdade, combina com a mitologia que se criou ao longo dos tempos em torno da personagem central. O filme é dividido em dois momentos: no primeiro, há o envolvimento da rainha com Júlio César, e no segundo seu caso intempestivo com Marco Antônio. A primeira parte é rica, mistura engenhosamente tramas políticas e amorosas, e conta ainda com o desenvolvimento da ambigüidade de Cleópatra. O segundo momento, que marca uma virada em Roma e o protagonismo de Marco Antônio, se atém deveras às implicações passionais, ao passo que gradativamente vai diluindo qualquer força política, e banalizando a bruma que envolve as reais intenções da Rainha do Nilo. Um filme irregular, repito, mas que passa ao largo do banal ou do meramente ostentoso.

Bressane elege a paixão e a artificialidade

Por trás de todo viés histórico existem os catalisadores, aqueles que moveram engrenagens, não raro tornando suas causas pessoais motivos para grande feitos ou batalhas inúteis. Cleópatra, de Julio Bressane, um dos mais contestadores cineastas brasileiros, é um filme que se volta justamente aos personagens, que busca na sensualidade passional da Rainha do Nilo, no deslumbre quase hipnótico de Júlio César e na tentativa de nobreza do soldado Marco Antônio, as causas para a relação antropofágica entre o Império Romano e o Egito. O sexo também desempenha papel fundamental, e não seria exagero dizer que Bressane, por exemplo, é muito mais feliz utilizando-o para caracterizar Cleópatra do que Mankiewicz, este em seu tempo preso aos códigos de conduta dos estúdios e à moralidade esvaziada da sociedade americana.

Infelizmente, a narrativa que se mostra engenhosa de início, muito pelo uso eficaz de elipses que abreviam a trajetória fabular do filme e pela criatividade na construção das ambiências, gradativamente se rende ao anti-naturalismo, a uma incômoda teatralidade literal deflagrada pela impostação do texto que refuta qualquer coloquialismo ou ainda pelos planos que remetem às cenas estruturadas e iluminadas tal qual num palco italiano. A negação do progresso dramatúrgico dominante é elemento poderoso e geralmente enriquecedor, mas da forma como utilizada por Bressane em Cleópatra, serve apenas como tentativa ébria de contraponto a todo o resto que soa calculado, principalmente o kistch dos figurinos e os textos empolados proferidos pelos personagens.

Beijo na Boca, Não

2011-07-08T12:05:00.001-03:00

Faz não sei quanto tempo que a novela deixou de ser um formato de relevância no Brasil. Produz-se ainda aos montes, mas podemos contar nos dedos de uma mão as tramas interessantes nos, pelo menos, últimos 10 anos. Porém, não há como negar que, como instituição cultural de um país, a novela brasileira ainda mexe com o povo, é protagonista das conversas de bar, dita moda, tendências, levanta discussões (às vezes pertinentes, pelo menos isto), ou seja, está constantemente no centro das atenções. Será sempre assim, pois somos um povo noveleiro, característica que muito tem haver com nossa raiz latina.

Mas existe uma questão que já está ficando velha, chata e cheia de mofo, que é a expectativa que as pessoas têm para que ocorra um beijo gay, principalmente na faixa nobre da Rede Globo, a das oito (que a bem da verdade já virou “das nove” há muito tempo). Entra novela, sai novela, e quando se desenha um relacionamento homoafetivo lá vem a pergunta: será que agora vai? Eu sei, há pouco tempo rolou um beijo entre duas mulheres na novela Amor e Revolução do SBT, mas ele foi menos alardeado do que seus responsáveis esperavam, ainda que os mesmos tenham feito questão de comemorar a conquista do “primeiro beijo gay numa novela”.

Mas não se enganem com isto, pois o povo espera que a “toda poderosa” Globo se renda e mostre, de uma vez por todas, duas pessoas do mesmo sexo dando um beijo, ou mesmo uma “bitoca”. Será? Será mesmo que este povo que, na época da exibição da novela Páginas da Vida, inundou a caixa de mensagens da Globo com indignadas manifestações contra a exibição do depoimento de uma mulher que dizia ter gozado tardiamente ouvindo a música de Roberto Carlos, quer mesmo um beijo gay na “tradicional e familiar” novela das oito? Enquanto a espera continuar gerando polêmica e servindo de marketing para alavancar a audiência, podem estar certos de que a Globo fará exatamente o que o povo quer: promoverá casais gays e alimentará o suspense, mas continuará se rendendo ao conservadorismo que, a bem da verdade, ainda dá ibope.

Os rótulos, os cinéfilos e os que gostam de filmes

2011-07-02T10:51:00.004-03:00

Rótulos foram feitos para que os usássemos. Como os das mercadorias, eles servem para promover a identificação dos indivíduos, para agrupá-los, facilitando assim nossa percepção. Não raro possuem lado pejorativo, aspecto de “parede” que prende indivíduos ou grupos em delimitação exígua, geralmente sem muita margem para pormenorizações ou análises singulares. Todos ganham rótulos, e os distribuem com a mesma necessidade e, por mais que tenhamos noção que eles engessam e apequenam nossa percepção, são elementos inerentes a qualquer configuração social. Temos os nerds, os esportistas, os baladeiros, as vadias, as santas, etc.

A cinefilia também impõe um rótulo, mas, na busca de um entendimento maior da significância desta ordenação, tentemos entender com mais clareza quais são suas facetas. O que ser cinéfilo? Quem assiste a muitos filmes, diriam uns. Os que não saem das salas de cinema, diriam outros. Os assinantes de uma revista da área, que conhecem de cor e salteado os nomes de atores e técnicos, profeririam outros tantos. São definições muito particulares, que variam, principalmente, de acordo com o grau de envolvimento que o dito “cinéfilo” tem com a arte cinematográfica. A mim, definir a genuína cinefilia passa pela diferenciação entre os que gostam de filmes e os que gostam de cinema.

Gostar de filmes abarca um monte de coisas, desde a frequência com que se vai ao cinema, com que se assiste filmes em casa, apego a gêneros e a certos tipos de narrativa, entre outros. Para quem gosta de filmes, a audiência geralmente é uma atividade de entretenimento, e os filmes são como interlúdios, ou programas cativos de fim de semana. Gostar de cinema é bem diferente, e é aí que encaixo o conceito de cinefilia. O apreciador de cinema é alguém preocupado não somente com a construção fabular do filme, mas também com a gramática cinematográfica, com a forma com que se conduz a narrativa. Também é alguém que vê no cinema sua vocação artística e transformadora, que passeia livremente pelos gêneros e com curiosidade pela produção global. Gostar de cinema é enxergá-lo como arte, estudar seus movimentos e variações estéticas. Ser cinéfilo é gostar de cinema, não apenas de filmes.

Como dito no início, os rótulos criam guetos e embaçam nossa visão para particularidades, para o que se instaura fora do senso comum. A cinefilia é uma prática que vem embalada num rótulo, como qualquer outra, e cabe a quem goste, seja de filmes ou de cinema, adotar ou não a nomenclatura para definir sua paixão particular. Considero-me cinéfilo por me encaixar na categoria dos que gostam de cinema e, como dito acima, em minha opinião, uma coisa está estritamente ligada à outra. Não que os pipoqueiros inveterados ou fãs de filmes que não se propõem aprofundar nos meandros da arte cinematográfica sejam impossibilitados de utilizar a alcunha, afinal, repito, todo este processo de classificação é muito subjetivo, mas sempre é bom refletir sobre classificações e diferenças pontuais. Esta atenção ao que difere os membros de um mesmo grupo é fundamental. Caso tenhamos esta clareza, os títulos serão benéficos, ao passo que se rotularmos arbitrariamente sem ponderação, os mesmos serão apenas invólucros descartáveis e sem muita utilidade, que nunca darão conta da complexidade do conteúdo que embalam.

Meia Noite em Paris

2011-06-28T16:42:00.005-03:00

É meia noite na Paris de Woody Allen. Enquanto os sinos tocam, um universo fantástico ganha forma, cores e muita luz numa inebriante versão do passado, composta com tons nostálgicos e situações singulares. Um tempo em que a cidade recebia figuras como Hemingway, Buñuel, Dalí, Picasso, Fitzgerald e tantos outros ícones da arte que compartilhavam conversas, festas, bebidas, mulheres e, porque não, a curiosa companhia do roteirista e pretenso romancista Gil. Não sabe quem é Gil? Lembre-se de que estamos falando da Paris de Woody Allen.

Gil é um roteirista de sucesso que deseja escrever seu primeiro romance. Em Paris com a futura esposa e os pais desta, Gil se divide entre roteiros turísticos e o deslumbramento pela cidade luz, que lhe parece cada vez mais adequada ao seu novo projeto de vida. Em meio a tudo isso, numa de suas caminhadas noturnas, é capturado por um misterioso carro que o transporta para 1920 e o coloca ao lado dos maiores artistas da época.

“Meia Noite em Paris” marca o retorno de Woody Allen à sua melhor forma, sublimando os erros com algumas produções descartáveis que o diretor entregou nos últimos anos. O filme, que se enquadra no modelo de comédia afiada e inteligente que se transformou em gênero pelas mãos do diretor norte-americano, possui uma infinidade de características comuns aos melhores exemplares da filmografia do cineasta. O toque especial da vez está na multiplicidade de referências neste filme que, se fosse resumido em um único frame, certamente serviria como cartão postal à capital francesa.

Gil e Zelda Fitzgerald curtem uma balada juntos.

Darius Khondji, diretor de fotografia dos esteticamente belíssimos “Um Beijo Roubado”, de Wong Kar-Wai e “Seven”, de David Fincher, entrega um trabalho magistral, beneficiado pela direção de arte de Anne Seibel – que recria magistralmente os diferentes períodos históricos do filme.

O elenco, afinadíssimo, justifica o desinteresse de Woody Allen em dirigir atores. Até mesmo Owen Wilson, que incorpora o arquétipo do neurótico de tantos outros filmes de Allen, não compromete a produção. Marion Cottilard está deslumbrante (o que parece cada vez mais redundante), Carla Bruni é Carla Bruni (o que basta como um grande elogio) e Léa Seydoux encanta mesmo em sua pequena participação.

Em seu tema principal, “Meia Noite em Paris” questiona se a vida cultural de hoje é melhor do que a de outrora. A resposta no filme fica evidente e mostra a inutilidade na busca da resposta, uma vez que cada período tem seu valor. É como questionar quem é melhor: Woody Allen ou Ingmar Bergman?

Morro do Céu e uma ilha temporal.

2011-06-26T21:29:00.002-03:00

Ouvi John Ford?

Gustavo Spolidoro é um dos maiores talentos gaúchos que o cinema nos apresentou, ao analisarmos os últimos anos idos. Arrisco-me mais, um dos maiores talentos brasileiros. Uma visão de mundo mesclada à apurada técnica em prol de uma obra peculiar, onde suas personas agregam-se mutuamente a situações peculiares tais como elas. A fluência narrativa é possível apenas pelos meandros do cotidiano, representado por roteiros de fortes amarras e coesão exemplar.

As palavras anteriores e posteriores deste pequeno escrito são devidas pela estreia nacional no último dia 24 (sexta-feira), em algumas das principais capitais tupiniquins, do documentário Morro do Céu, de Gustavo Spolidoro (Ainda Orangotangos, 2007). Integrante do projeto de documentários DocTV Brasil, financiado e exibido pela TVE, o filme recebeu nova edição, com minutos adicionais, quase 20, a fim de viajar por algumas salas da sétima das artes no Brasil. A câmera guiada de maneira solitária pelo diretor e “faz tudo”, segue alguns meses da vida interiorana de dois primos adolescentes de uma pequenina localidade denominada Morro do Céu, na cidade de Cotiporã - RS, Joel, mas velho e Bruno, ambos Storti.

Tive a oportunidade de participar da exibição no último dia 19 em Caxias do Sul - RS, com a participação do diretor e dos primos, agora, passados dois anos da feitura da obra, maiores e estudantes de teatro. Houve espaço, por exemplo, para certos esclarecimentos sobre a intervenção do diretor quanto a cenas não documentadas de fato, e sim dirigidas, contudo exatamente como ocorreram.

A primeira cena causou um impacto excêntrico em mim: má interpretada. Mas, calma aí, Rafael. É um documentário. Má impressão sem justificativa. Ah, já sei, logo refleti. É o sotaque carregado pela tradição e colonização italiana, típicas da região, as quais promovem diversos momentos engraçados, que nos parecem artificiais na tela. O português utópico, costumeiramente aplicado, não é utilizado, bem como outras maquiagens.

A narrativa é simples, mas é exatamente sobre ela que há a grande atração desta obra. O filme é indubitavelmente documentário, todavia de narrativa ficcional. Spolidoro abre mão da linguagem tipicamente documental, ou seja, câmera na mão, imagem tremida. Não. Aqui as imagens são geralmente estáticas, com câmera no tripé, ou mesmo apoiada em alguma superfície, emulando um personagem em terceira pessoa. A montagem brinca com cronologias, aproveita momentos de encaixe narrativos, é a engrenagem mestra do entendimento da história.

Spolidoro munido de seu dom utiliza de sofisticadas ferramentas para contar uma faceta da história de pessoas que vivem no interior, com 27 famílias ao todo, no caso específico do primos, de uma mecânica montada por autodidatismo e colheita de uva, sem grades ou sistemas sofisticados de proteção, vivendo, não melhor ou pior que nós, tidos civilizados, mas forma diferente. É de conhecimento comum que o ser humano possui necessidade de encenação, de representar personagens, talvez mesmo o seu, e o jovem cineasta a captura com maestria.

mp3 no banheiro e DVD's

2011-06-21T12:01:00.004-03:00

Falta de tempo é um problema global, as 24 horas do dia não mais parecem suficientes para fazer tudo que o cotidiano exige. Trabalho, universidade, atividades paralelas, leituras, atualizações, filmes, futebolzinho na televisão, um tempo com a família, com a namorada, e lá se vão semanas como se fossem horas. Minha escassez de tempo fez com que se tornassem raros momentos antes corriqueiros, como quando ligava o som e ficava simplesmente ouvindo música, curtindo as velharias que me agradam ou mesmo tentando achar em sonoridades novas, algo que me fizesse parar e prestar atenção. Ouço muito menos canções do que há, por exemplo, cinco anos. Hoje em dia, o único momento em que me deleito com música é no banho, munido de meu celular, e sua bem-vinda função de reprodução de mp3. Sinal dos tempos.

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Nesta semana, com a compra do DVD do filme Chaplin, de Richard Attenborough, cheguei à marca de 300 DVD’s em minha coleção particular, todos originais, sem disquinhos comprados no camelô a “treis real”. Independente de qualquer coisa, meu orgulho advém menos da quantidade e mais da importância que cada um destes 300 possui para mim. Antes que alguém pergunte: não empresto. Podem me taxar de chato, ou qualquer outra coisa, mas prefiro a pecha de “mala” a meus filmes prediletos (e alguns até em DVD’s de edições esgotadas) indo e voltando danificados ou, pior, nem encontrando mais o caminho de casa. Eu sei, muita gente tem cuidado, mas, como sempre, os bons acabam pagando pelos maus. Adoro compartilhar, por isso convido as pessoas a assistirem os filmes em minha casa, ou providencio cópias, com o maior prazer.

Toda juventude tem um quê de transviada

2011-06-19T20:17:00.002-03:00

Dia destes, revendo Juventude Transviada, o cult de Nicholas Ray que eternizou a figura desgovernada de James Dean, fiquei pensando na quantidade de filmes que provavelmente beberam de sua fonte, alguns o homenageando, outros tantos plagiando signos seus, como se fossem novos. È certo que não teria como listar todos estes exemplares, que devem ser muitos, mas dois prontamente vieram a mim durante a sessão: o primeiro por conta de um detalhe, e o segundo pela grande proximidade de seu mote com o do filme estrelado por Dean.

Pois bem, em Juventude Transviada, o protagonista odeia que o chamem de “galinha”, isto por que lhe causa ojeriza qualquer paralelo com o pai, um homem submisso, capacho da esposa dominadora. É isso, chamou Jim de “galinha”, ele se descontrola e parte para a porrada mesmo. Quem mais na história do cinema é tal e qual? Marty McFly, da trilogia De Volta para o Futuro. Marty também odeia a sujeição do pai, o trepidante George. Quando Marty é chamado de “galinha”, igualmente é acionada uma ignição que o faz perder as estribeiras, e aí é confusão na certa (como diriam os textos das vinhetas de antigamente da Sessão da Tarde). Citação (homenagem?) descarada de Robert Zemeckis.

Outro filme que adoro e que também “paga pau” violentamente para Juventude Transviada é Footloose - Ritmo Louco. Jovem novo na cidade e com cara de bad boy é recebido com hostilidade, atrai encrenca, aceita o desafio para um “duelo motorizado de vida e morte”, apaixona-se pela namorada de seu rival e ainda tem um amigo meio escanteado pela maioria. Juventude Transviada ou Footloose - Ritmo Louco? Os dois. As semelhanças são incríveis. É certo que a forma e a articulação dos elementos cinematográficos de cada um os difere muito, mas não há como negar as diversas aproximações (certamente não coincidências) no que diz respeito à história, ao que é contado.

Não à toa Juventude Transviada virou referência, pois expressa com muita profundidade a fúria efervescente dos hormônios e conflitos juvenis, temas atemporais e sempre em voga. A questão é: homenagear ou copiar? Mero detalhe de julgamento subjetivo e sem relevância maior, se a obra que busca tais referências não for simples espelho torto, se tiver vida e pulsão próprias. Felizmente é o caso destes dois exemplos, que devem algo a Juventude Transviada, e que o citam, seja nas entrelinhas ou descaradamente.

Sofia faz de Um Lugar Qualquer, um lugar especial

2011-06-14T19:23:00.005-03:00

Sofia Coppola poderia ter se recolhido confortavelmente à sombra do pai, Francis Ford Coppola, um dos mais importantes diretores de cinema da história. Também poderia ter se rendido perante as críticas negativas de sua atuação em O Poderoso Chefão 3, e decidido nunca mais pisar num set de filmagem. Mas não, ela quis ser diretora e ainda ostentar o sobrenome famoso. Tem se saído muito bem desde então, salvo um que outro equívoco, algo natural na carreira de qualquer um. Seu mais recente filme, Um Lugar Qualquer, iniciou carreira internacional de maneira controversa: venceu o Festival de Veneza, que na ocasião tinha como presidente do júri o ex-namorado de Sofia, Quentin Tarantino. Teria havido favorecimento a ela? Mais uma vez a cineasta teve de conviver com sugestões de que sua exitosa carreira está mais ligada aos grandes nomes que a circundam, do que necessariamente ao seu talento. Bobagem, Sofia tem brilho próprio.

Em Um Lugar Qualquer, Stephen Dorff interpreta Johnny Marco, um ator que vive no mítico Chatêau Marmont, hotel em que são permitidas as extravagâncias a que os astros de cinema e outros artistas são afeitos. Sua vida parece vazia, ele passa seus dias fazendo o que seus agentes orientam, indo a encontros cansativos, a festas chatas e andando aborrecido com sua Ferrari pelas avenidas de Los Angeles. Ele cansou, tem tudo e não precisa de nada, vive num estado em que seus desejos são prontamente atendidos, e isso tende a fazer com que, pelo menos a longo prazo, as coisas percam valor. A entrada de sua filha, interpretada pela carismática e talentosa Elle Fanning, de mansinho acende uma luz para Johnny, mas isto não é investigado de forma marcante por Sofia, ficando todas as emoções e transformações que os personagens sofrem ao longo do filme no sempre bem-vindo campo das sutilezas. Menos é mais, Sofia Coppola sabe e aplica bem isto.

Tratado por seus detratores como uma tentativa canhestra de mesclar cinema independente americano com um tipo de narrativa mais européia (aliás, ataque constante dos que não gostam do cinema de Sofia), Um Lugar Qualquer é belo exemplar de um cinema que investiga personagens de dentro para fora, que aposta em tempos mortos e situações desprovidas de um sentido de “evento” para tratar suas figuras com mais humanismo, não cobrando delas ações e reações constantes. Sofia Coppola possivelmente terá de ouvir comparações e gracinhas durante toda vida, mas não há dúvida que seu cinema tenha vigor muito particular, que sua autoralidade seja fruto do talento que de fato possui, e não do sobrenome que carrega, de vez em quando certamente como um fardo que, mais do que lhe abrir portas, constantemente cega os que não conseguem perceber sua pessoal e relevante visão artística. Sofia não é apenas filha de Francis, é uma Coppola por seus próprios méritos.

O cinema americano Na Mira da Morte

2011-06-12T19:49:00.007-03:00

Na Mira da Morte, estreia do aclamado crítico e teórico Peter Bogdanovich como realizador, nos agora longínquos anos sessenta, não poderia ter sido mais promissora. Peter era um dos diretores que amava (acredito que ainda ama) acima de tudo o cinema americano, em oposição à alguns de seus contemporâneos que, provavelmente pela ânsia em modificar a qualquer custo o status quo da então falida produção cinematográfica do país, cometeram pecados, especialmente no que diz respeito ao rebaixamento do cinema estadunidense. Este debute é uma homenagem aos gêneros que provavelmente povoavam seu imaginário cinéfilo, além de crítica expressiva ao público que, ele sim, segundo o ponto de vista do cineasta, estava provocando a modificação do cinema americano.

Boris Karloff, mítico intérprete, na época vítima do ostracismo, faz o protagonista de Na Mira da Morte, Byron Orlok, um ator dos idos tempos de ouro do cinema de terror que, não vendo mais propósito em atuar, opta pela aposentadoria, sob os protestos dos produtores que provavelmente faziam algum dinheiro com filmes ruins, apenas por que eram protagonizados pela legendária figura. Qualquer semelhança entre realidade e ficção não é mera coincidência. Em paralelo, desenrola-se a trajetória de Bobby, o arquétipo do americano médio, de vida confortável, fã de armas de fogo, parte de uma família que mais parece a Dor-Ré-Mi, ou seja, um cidadão acima de qualquer suspeita, mas que começa a ter ideias estranhas (segundo definição própria) e sai matando para aplacar uma ânsia que possivelmente nem ele consegue explicar.

O filme é uma vigorosa representação dos procedimentos e figuras cinemáticas considerados anacrônicos e que se esfacelaram perante o ímpeto da audiência por novidades. É uma bela homenagem ao clássico cinema de gênero americano e a uma de suas figuras mais emblemáticas, acondicionada nesta visão pessimista da fração mais importante para que o cinema, ou qualquer outra forma de arte, sobreviva: o público e sua capacidade de entrega. Peter Bogdanovich parecer dizer que poderiam mudar tudo na indústria de cinema americano, desde os nomes, a política de estúdios e o star system, elementos que sempre guiaram esta verdadeira instituição cultural ianque, porém mudar a visão do público e seu crescente desinteresse e apatia seria o maior obstáculo, provavelmente intransponível. Uma das últimas cenas, em que representação e realidade se encontram para sublinhar a importância do imaginário na fruição do espetáculo, é das mais simbólicas, nesta tentativa de mostrar à audiência que havia algo mais no cinema, e que sem ele, o público, e sua disposição de entrega à magia da sétima das artes, a tela seria somente um espaço branco preenchido de luz, pronto para ser utilizado "mortalmente" por algum maníaco qualquer.

Filmes de, e para enamorados

2011-06-11T00:47:00.004-03:00

Por ventura do Dia dos Namorados, resolvemos indicar filmes alusivos à data, mas não aqueles exatamente para ver juntinho com seu amor (porém que servem também para isto, é bom que se diga). O intento é, pelo pretexto da celebração dos enamorados, apontar filmes que versem prioritariamente sobre o sentimento multifacetado e poderoso que, em tese, é a força motriz do namoro: o amor.

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Indicação de Conrado Heoli: Blue Valentine

Derek Cianfrance compreende o amor. Longe do ideário com o qual o sentimento é visto, o amor do senso comum, Cianfrance pinta a história de um casal em tons azuis, frios e realistas em “Blue Valentine”. O drama, que estreia com o inadequado título “Namorados Para Sempre” no inadequado fim de semana do dia dos namorados, é contraindicado para o casal que procura ver impressa em película a plenitude que espera ter em seu relacionamento. Dean e Cindy, interpretados maravilhosamente por Ryan Gosling e Michelle Williams, são vistos em dois espaços de tempo de uma narrativa não-linear: quando passam a se envolver e quando o casamento de ambos parece se esfacelar.

Não há em “Blue Valentine” a velha fórmula que transformou o gênero romance em programa para mulheres – como a própria indústria classifica. Numa estética que prioriza a verdade frente à filtros, luzes e outros artifícios que glamurizam atores e cenários, Cianfrance desenvolve seu filme com o propósito de mostrar o amor como ele é. Não digo que o amor ideal não exista ou que o “felizes para sempre” seja impossível, mas em tempos onde tais ditas verdades são vendidas – e compradas – aos montes, através de uma infinidade de produções banais, prefiro ficar com a verdade de “Blue Valentine”.

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Indicação de Marcelo Müller: Amor à Flor da Pele

São poucos os filmes que conseguem, com tanta beleza poética, traduzir o sufocamento do amor, o represar de um sentimento tão intenso que, mesmo não cabendo mais em seu nascedouro, teima em não se consumar.

Primeiro a culpa dos que se julgam traídos, depois o afeto que se infiltra pelas vielas da dor, e temos uma das mais belas histórias de amor que o cinema já mostrou. É romântico ao seu modo e sutilmente doloroso, uma obra-prima, em que os olhares falam mais que as bocas que se queriam juntas.

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Indicação de Rafael Müller: Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças

Raiva, não aquela costumeira movida pelas engrenagens do ódio. Raiva de amor. Por sua vez, também serve de combustível ao ímpeto que transcende a razão, movendo o corpo e a mente a um local obscuro, talvez de acesso sempre disponível, todavia nunca efetivo. Lembrança boa, ruim, indiferente. A ignorância em certas oportunidades veste manto sagrado. O que tem mais valia, uma lembrança que por motivo específico nos incomoda, mesmo não tendo conhecimento de sua motivação, ou a completa e solitária indiferença? E os momentos que valeram à pena? Afinal, tal degrade sentimental não auxilia na formação do que somos hoje e do que seremos amanhã? Pois é, o ímpeto, movido pela raiva, que é extraída de nosso ser pelo ódio, irmão de mesmo pai e mãe do amor, opera, não milagres, ações e reações do tipo obscuro.

Nada mais belo do que o apego pela lembrança há pouco destinada ao abismo do esquecimento. Porque com ela, vão-se os sentimentos, esses nossos velhos amigos, conselheiros e nossos combustíveis vitais.

...a gente quer comida, diversão e arte.

2011-06-08T09:18:00.003-03:00

Morar no interior é bom, tem a calmaria, a praticidade do deslocamento, alguns locais em que ainda se pode ver o verde natural, entre outras tantas particularidades que fazem das cidades menos atrolhadas, boa opção quando buscamos qualidade de vida. Eu gosto e, mesmo tentado pelos grandes centros, não me imagino transitando cotidianamente numa selva de pedra, cheia de congestionamentos e dificuldades mil. Enfim, questão de preferências e prioridades. Caxias do Sul, onde moro, está em franca expansão, o que a coloca num meio termo interessante entre a grande e a pequena cidade. Mas tem horas que dá uma inveja dos que residem nas capitais, principalmente no que diz respeito à questão cinematográfica.

Quando leio notícias das grandes mostras, retrospectivas e ciclos, palestras e cursos, que ocorrem em São Paulo e Rio de Janeiro, para ficar apenas com os exemplos mais significativos, me sinto um Jeca Tatu cercado de atraso por todos os lados. Imaginem se algum dia cogitou-se trazer ao interior gaúcho a mostra mastodôntica de John Ford, que foi vista recentemente nas duas cidades supracitadas, ou mesmo a retrospectiva completa de Alfred Hitchcock que no momento toma de assalto o Centro Cultural Banco do Brasil, na terra dos cariocas.

Aqui, quando ocorrem iniciativas como a recente Mostra 1959 – o Ano Mágico do Cinema Francês, o público acaba não fazendo sua parte, o que certamente é um dos fatores que inviabilizam novas e mais ousadas ações deste tipo. Certo, eu sei, não há como comparar o interior com as grandes capitais, muito mais populosas e diversificadas, portanto aptas a programações mais setorizadas. Não vou também ficar resmungando, não é de meu feitio, até por que sou daquela opinião “resmunga e não faz nada para (se) mudar? Melhor calar a boca”. Mas custava um milagre vir de onde quer que venha, e sermos nós, simples camponeses de interior (pausa dramática), contemplados com uma programação cinematográfica e cultural mais diversa? Afinal, a gente não quer só comida.

Tolas Escravas da Vaidade

2011-06-06T00:12:00.001-03:00

Na sociedade obcecada pela imagem em que vivemos, são abundantes os exemplos de pessoas que chegam aos extremos para manter a aparência de outrora, que a inevitável passagem do tempo teima em modificar. De quando em quando, aparecem casos de gente que, em busca de uma fonte da juventude particular, apela exageradamente para métodos reconhecidos pela comunidade médica, e outras artimanhas menos lícitas para driblar rugas e marcas de expressão. É triste esta desenfreada procura pela jovialidade eterna, pois ela expõe as feridas de uma coletividade que confere valor apenas ao que é bonito, presumindo-se aí, com uma boa dose de preconceito, que só há beleza na aurora dos verdes anos.

Escravas da Vaidade (parabéns à distribuidora, que “belo” título em português), do chinês Fruit Chan, fala exatamente desta doentia corrida contra o tempo, praticada aqui por uma atriz crente que seus problemas afetivos, as puladas de cerca do marido, e sua baixa auto-estima, são culpa de seu envelhecimento, mesmo que necessitemos apenas de uma olhadela para notá-la como bela mulher, certamente cega ao que o espelho lhe mostra. Os atores, estes seres muitas vezes egóicos, parecem afetados particularmente por esta síndrome da não aceitação do natural transcorrer do tempo, e, numa rápida pesquisa pela memória, encontrarmos diversos exemplos deste comportamento no métier. Neste tocante, Fruit Chan não poderia ter escolhido profissão melhor para sua protagonista.

Qing, esta atriz que se contorce de um saudosismo doentio sempre que vê reprises da novela que participou no início de sua vida adulta, busca a ajuda da Tia Mei, exótica mulher que prepara bolinhos ainda mais excêntricos que prometem, além do estancamento dos efeitos do tempo, um retrocesso aos primórdios do físico da mocidade. O grande choque é dado pelos ingredientes com que Tia Mei prepara a iguaria milagrosa, uma pancada para os mais sensíveis ou para as gestantes (?), como previne a capa do DVD nacional. Não convém ir além para que não se estrague a experiência dos que ainda não viram.

Título certamente condenado às prateleiras mais escuras das locadoras, ou ao limbo dos lugares menos privilegiados dos sebos, Escravas da Vaidade é um filme bastante original em seu enfoque, e mordaz por conta do nível desta discussão acerca das práticas a que as pessoas estão dispostas pelo retorno da efêmera juventude. Originalmente parte integrante do coletivo de médias Três Extremos, que propunha filmes de horror (ótimos por sinal) vistos através das lentes orientais, Escravas da Vaidade funciona ainda mais na versão estendida, por ter amplificada sua visão particular deste entorno que valida apenas os mais tenros e joviais, e por permitir que o diretor Fruit Chan exiba, com ainda mais elegância, tanto seus movimentos de câmera, quanto sua doce inclinação pela exposição do sangue e da crueza do nosso comportamento selvagem em busca de aceitação. Ou alguém ainda duvida que tenha gente (homens e mulheres) disposta a tudo, a literalmente tudo, para rejuvenescer uns bons anos?

The Tramps Entrevista: André Setaro

2011-05-30T12:18:00.004-03:00

Dando continuidade à série de entrevistas com críticos de cinema, exclusivamente concedidas ao The Tramps, falamos com André Setaro, que há muitos anos faz do cinema sua paixão, e a quem aproveitamos para agradecer pela colaboração.

ANDRÉ SETARO

Crítico de cinema do jornal TRIBUNA DA BAHIA (Salvador), da revista eletrônica TERRA MAGAZINE, e Professor do Departamento de Comunicação da Universidade Federal da Bahia, onde ensina OFICINA DE COMUNICAÇÃO AUDIOVISUAL E LINGUAGEM CINEMATOGRÁFICA. Publicou recentemente um box com três livros denominado: ESCRITOS DE CINEMA: TRILOGIA DE UM TEMPO CRÍTICO (Azougue/Edufba).

Sigam o blog do André Setaro: http://setarosblog.blogspot.com/

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• Como nasceu em você a paixão pelo cinema?

Minha paixão pelo cinema nasceu indo ao cinema nos tempos áureos da década de 50, quando a produção comercial tinha qualidade e não se assemelhava ao lixo contemporâneo. Sou formado pelo cinema de gênero, mas, adolescente, vim a entender, vendo Antonioni e Bergman, que o cinema também era uma expressão artística.

• Qual é o sentido de ser crítico nos dias de hoje?

Se, antes, ia ao cinema todos os dias, atualmente sou muito seletivo. Vejo mais em DVDs. A crítica é sempre arrogante, dona da verdade. É preciso mais generosidade, e o crítico deve ser, antes de tudo, um leitor intermediário entre o espectador e a obra cinematográfica. Diria um intérprete privilegiado.

• Qual sua posição frente a nova crítica de cinema, que germinou na era dos blogs e das revistas virtuais?

Há excelentes revistas virtuais, com gente séria e competente: Contracampo, Cinética, Polvo etc. Mas há também muito lixo no espaço virtual. O tempo se encarregará de pô-lo na lixeira do infinito.

• Como vê o academicismo de certas linhas de pensamento na crítica cultural? Acredita que a dissecação de um filme, tornando a análise o mais objetiva possível, tende a enfraquecer a importância da análise subjetiva?

Sim, há uma tendência a cientificizar a análise, principalmente uma crítica que vem da academia. Alguns chegam a analisar o filme como um cientista diante de um rato no laboratório. E a emoção, onde fica? A emoção é fundamental.

• Quais são seus críticos de cinema favoritos? Os de outrora, que influenciaram ou ainda influenciam seu trabalho, e os de agora, que acredita sustentarem com talento a causa da crítica de cinema.

Atualmente, gosto muito de Inácio Araújo. Antes, Paulo Emílio, Walter da Silveira, José Lino Grunewald, Moniz Viana etc.

• É célebre a história de Antonio Moniz Vianna parou de escrever quando da morte de seu maior ídolo, John Ford, pois acreditava que nada tinha mais a acrescentar como pensador diante da crise criativa contemporânea. Qual diretor cuja morte já lhe provocou semelhante desalento?

É verdade. Li no próprio Correio da Manhã, onde Moniz escrevia. Nenhum diretor me provocou desalento semelhante.

• A perda de espaço de textos críticos nos veículos impressos é sintoma da falta de interesse público, ou a busca ávida dos veículos pela adequação a tempos de pouca reflexão?

A perda de espaço se vincula à falência da cultura literária e a preguiça mental da arte de ler.

• Discutir "comércio versus arte" ainda é válido quando percebemos qualquer cinematografia?

Sim, embora seja ponto pacífico que se o filme é uma arte o cinema é uma indústria.

• Como vê o cinema brasileiro atual?

Acossado pela exigência da captação de recursos e submetido aos ávidos gerentes de marketing das empresas e sem possibilidade da criação de filmes mais inventivos.

The Borgias e os mercadores da fé

2011-05-25T20:42:00.003-03:00

Não é novidade a migração (felizmente temporária) de grandes personalidades do cinema para a televisão, principalmente nos Estados Unidos. É um movimento inverso ao de anos atrás, em que artistas com bons trabalhos televisivos eram seduzidos pelo glamour do cinema. Se no mercado americano está cada vez mais difícil a captação de financiamento para projetos cinematográficos que fujam do convencional, ou dotados de linguagem um pouco mais ousada, a televisão parece ter se transformado, de uns tempos para cá, num porto seguro justamente para este tipo de proposta.

The Borgias originalmente era uma ideia que o diretor Neil Jordan tinha para cinema, mas que acabou utilizando como base desta série exibida no Showtime, canal americano de televisão por assinatura. Contando com o know how de Michael Hirst, responsável por outro sucesso da mesma emissora, e que focava também uma célebre família de eras remotas, The Tudors, Jordan colocou em prática, e com mais tempo de desenvolvimento, sua visão desta lasciva e corrupta linhagem renascentista, os Borgia. Jeremy Irons foi escalado para o papel principal, o de Rodrigo Borgia, o patriarca que chegou ao papado em 1492.

Para quem se interessa pelo recorte histórico, The Borgias é prato cheio, pois refuta o didatismo, e, a despeito de suas liberdades, nos mostra bem o panorama da aristocracia europeia e da geopolítica na época. O refinamento não fica apenas no campo da pesquisa histórica, o capricho pode ser visto também nos figurinos exuberantes e na reconstrução de época, que dão verossimilhança à produção. The Borgias se atém fortemente à corrupção desta família que tomou de assalto o Vaticano, e que tratou a Santa Sé como se fosse um empreendimento doméstico, de investimento à longo prazo e cheio de riscos, diga-se. A luxúria também está muito presente, as cenas de sexo são abundantes, e interessantemente conferem clima de constante pecado, aclimatando a história focada nos meandros e corruptelas das mensagens da Igreja Católica.

O elenco é outro ponto a se destacar em The Borgias. Jeremy Irons encarna um personagem ambíguo, que demonstra sua sede de poder com a mesma intensidade com que ama, não tão clandestinamente assim, a bela Farnese. Mais do que religioso, ele é um líder mercantil, e por vezes podemos até esquecer que aquele homem de branco sentado no trono de São Pedro é o sumo pontífice, dado a suas ações prioritárias como chefe de estado. Seu filho Césare que, inclusive, foi inspiração para o clássico O Príncipe, de Maquiavel, é interpretado com muita gana por François Anaud, seguramente um dos maiores destaques dentro de um elenco recheado de boas interpretações.

É “chover no molhado” exaltar as recentes produções da televisão americana em detrimento de seu cinema cada vez mais infantilizado. A qualidade realmente não é mais novidade, e esta migração de talentos da tela grande para a pequena, mencionada anteriormente, nada mais é que reflexo de uma situação de mercado. The Borgias se aproveita da abertura, é um belo exemplar deste filão dos programas estadunidenses que instigam nossa constante fome por períodos históricos que nos auxiliem na compreensão de nosso próprio, com narrativa envolvente e sedutora. Não é a melhor série de todos os tempos, e não cometeria aqui o pecado dos superlativos vazios apenas para reforçar meu argumento, mas certamente pode-se classificá-la como uma das mais interessantes da temporada. Já renovada, The Borgias continuará sendo alvo de minha audiência, ávida para conferir os desdobramentos da saga dos Borgia, e os propósitos escusos de um Papa que está mais para agressivo empresário do que para líder espiritual.

Abutres e a nossa impotência

2011-05-23T12:04:00.028-03:00

Pablo Trapero é um dos diretores mais interessantes do, geralmente, inquietante cinema argentino. Versátil, dono de estilo próprio, porém capaz de mutações focais de um projeto para outro, Trapero é daqueles realizadores que merecem nosso olhar atento. Seu mais recente filme, Abutres, não tem, pelos menos num primeiro momento, a comicidade dramática de Família Rodante, a melancolia solitária de Nascido e Criado, ou mesmo a profunda análise de personagem que edifica Leonera, mas se há algo que interligue suas obras (colocando em perspectiva estas que vi) é a opção por trabalhar com gentes e entornos despedaçados.

Em Abutres a riqueza da linguagem é muito significante, a forma como Trapero faz um filme-denúncia de situações calamitosas na Argentina, por exemplo, do sucateado sistema de saúde pública e da máfia que se esgueira pelas brechas legais para lucrar com as tragédias alheias, mas sem esquecer a profundidade dos personagens, que caminham inexoravelmente para a tragédia. O sempre cativante Ricardo Darín interpreta Sosa, advogado de registro cassado que trabalha para uma firma especializada em lucrar com o seguro pago a vítimas de acidente de trânsito. Martina Gusman é Luján, médica que se vê envolta nestes esquemas escusos, e com Sosa a nível pessoal.

Neste filme, a Trapero o importante é nos mostrar realidades comumente jogadas para baixo do tapete, como a de médicos que precisam empilhar plantões para sobreviver, emergências caóticas, falta de escrúpulo de profissionais que deveriam auxiliar os combalidos, advogados íntimos do submundo, polícia conivente e recebedora de propina, tudo parte de um esquema para o enriquecimento de poucos, à custa da miséria alheia. Por meio da profundidade de campo que assina visualmente enquadramentos muito próximos dos personagens, e com sua câmera na mão, Trapero nos guia, não como limitador ou indutor vil, e sim como cineasta consciente e afoito em compartilhar o que não mais parece caber apenas em sua indignação.

Abutres é violento, cru e árido. Por mais que o amor de Sosa e Luján pareça, ora ou outra, dar um respiro em meio a tanto drama, ao sangue que verte abundante na tela, às agulhas que injetam paliativos em Luján com a mesma mecânica com a qual ela trata seus pacientes, o filme é inapelavelmente pessimista. É como se com ele, Trapero dissesse que fugir do “sistema”, esta quimera sem rosto, é praticamente impossível. A reiteração da violência faz parte da busca do diretor, neste poderoso filme de cunho crítico, em que mostra a atual conjectura, não com lentes piedosas ou adocicadas, e sim com a secura desesperada de quem se sente parte dos que são aleijados diariamente por forças muitas vezes invisíveis, mas de toque impiedosamente tangível.

Scott Pilgrim Contra o Mundo e o filme-game

2011-05-21T13:24:00.026-03:00

Confesso que quando vi os primeiros trailers de Scott Pilgrim Contra o Mundo, pensei cá com meus botões: “Sério?”. A trama, grosso modo, envolve um garoto e uma garota que se apaixonam, mas para que ele possa desfrutar deste novo relacionamento terá antes de lutar contra os sete ex-namorados malvados dela. No trailer, as intervenções gráficas me causaram estranhamento, a linguagem que, de cara, remetia a estética dos games, principalmente os da era 8 bits. Nunca fui um fanático por jogos, mas, como quase todo mundo, passei tardes jogando Pac-Man e Super Mario Bros, e mesmo assim não me parecia muito promissora a ideia de juntar cinema com videogame.

Por certo, alguns diretores já tinham estabelecido esta convergência (mas não neste nível), e existem até alguns teóricos de cinema que se debruçam sobre a influência que a narrativa dos games exerce sobre a progressão dramática dos filmes de hoje, principalmente os produzidos visando o público mais jovem. A indústria, tentando aproveitar monetariamente o filão, já fez também adaptações de diversos games para as telas, mas são poucos os que renderam filmes menos que embaraçosos. Scott Pilgrim Contra o Mundo é um caso especial, pois é transposto de uma história em quadrinhos, esta que utiliza da estética peculiar aos gamers para desenrolar sua história de amor adolescente, ou da pós-adolescência.

Só mesmo um diretor talentoso como Edgar Wrigth, que está construindo aos poucos uma sólida carreira no circuito cinematográfico, para fazer com que a miscelânea da HQ tenha se convertido num filme tão empolgante e divertido. Pode parecer estranho no início, mas logo estamos acostumados com pessoas que viram moedas ao morrerem, com onomatopeias que saltam na tela e com personagens cartunescos. Scott Pilgrim Contra o Mundo, provavelmente, é o que de mais orgânico já se fez neste diálogo tão atual (nem sempre sadio) entre as linguagens do cinema e dos videogames.

Ao desenrolar a ciranda de amores embalada pelos jogos que fizeram, fazem, e ainda farão a cabeça da molecada, Edgar Wright mostra que é possível construir um filme para jovens (não só para eles, é bom que se diga), que não os chame constantemente de babacas. Vai ver até por isso o filme não foi lá muito bem de bilheteria. Uma pena. E na cena final, Wright atribui concientemente responsabilidades, dizendo à plateia que só depende dela para que o mesmo tenha uma continuação. A despeito das bilhetrerias ruins, espero sinceramente que Scott tenha conseguido uma vida extra.

Sessão Comentada - Abutres

2011-05-17T19:07:00.005-03:00

E o The Tramps não para. Após a bela semana dedicada ao cinema francês que acompanhamos no SESC Caxias do Sul, agora é a vez de marcarmos presença no retorno das sessões comentadas da Sala de Cinema Ulysses Geremia. Serei um dos debatedores da sessão de Abutres do próximo domingo, dia 22, junto com Homero Ribeiro. Esperamos vocês em mais esta programação cinéfila. Segue divulgação.

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Sessão Comentada

O drama argentino Abutres, atualmente em cartaz na Sala de Cinema Ulysses Geremia, marca o retorno das tradicionais sessões comentadas da Sala de Cinema Ulysses Geremia. A sessão especial com debate, que ocorre no dia 22 de maio, domingo, possui entrada franca e terá a presença de dois convidados para um dinâmico debate: Homero Ribeiro, artista plástico, produtor cultural e presidente da ONG Moinho de Ideias (www.moinhodeideias.org) e Marcelo Müller, cinéfilo que escreve para o blog The Tramps (www.litcine.blogspot.com).

Sinopse:

Sosa (Ricardo Darín) é um "abutre", apelido de advogados especializados em acidentes rodoviários. Todos os dias ele vai aos locais de acidentes, aos setores de emergência dos hospitais e a delegacias procurando clientes. Seu trabalho é lidar com testemunhas, policiais, juízes e companhias de seguro. Mas o que seus clientes não sabem é que a agência para a qual trabalha está envolvida em esquemas de corrupção e desvio de dinheiro. Quando se apaixona pela jovem paramédica Luján (Martina Gusman), Sosa decide se aposentar do trabalho sujo e viver ao lado dela. Mas seu passado não o deixará tão facilmente.

ABUTRES (Carancho, 2010)

Sessões: Dias 19, 20, 21 de maio, de quinta-feira a domingo, às 20h

Ingressos: R$ 5 (integral) e R$ 2 (meia-entrada)

Sessão comentada: Dia 22 de maio, 20h, com entrada franca

Classificação: Indicado para maiores de 14 anos.

Local: Centro de Cultura Ordovás, Rua Luiz Antunes, 312 - Bairro Panazzolo

Mais informações:

saladecinema@caxias.rs.gov.br

www.cinemaemcaxias.blogspot.com

O que aprendi com Gotcha - Uma Arma do Barulho

2011-05-16T10:56:00.009-03:00

Assistia muito Gotcha - Uma Arma do Barulho na Sessão da Tarde, e com ele aprendi algumas coisas valiosas, que me foram lembradas agora na revisão:

Armas de paintball são legais, e seriam ainda mais se estivessem disponíveis para jogos, como o apresentado no filme, nas universidades brasileiras. Imagine você, indo para aquela aula noturna, cheio de preocupações com a prova que terá de fazer, cujo estudo provavelmente não foi objeto de sua atenção no fim de semana, e ainda ser perseguido até levar uma bolada de tinta que manche inapelavelmente o blusão que você acabou de comprar. Genial e inspirador.
Em hipótese alguma tenha como companhia de viagem um amigo que se passa por Carlos, o Chacal para levar para a cama umas menininhas que adoram perigo, mas contabilize esta amizade quando precisar da gangue dele para lhe ajudar numas coisinhas.
Nunca acredite, principalmente quando se é virgem, que uma linda mulher, com cara, jeito e sotaque de espiã, possa se interessar por você, apenas por não gostar de homens peludos.
Evite Berlin Oriental, companhias russas suspeitas, e, se for estrangeiro, deixar o visto expirar.
Procure não se hospedar num hotel que não vá se responsabilizar por eventuais arrombamentos no seu quarto, quando da sua ausência.
Não deixe seus pais ricos, e sem muita coisa para fazer, acharem que você é um drogado. Aliás, de forma alguma deixe que seus pais achem que você é um drogado. Melhor ainda, não use drogas.
É muito útil saber onde fica o armário com os soníferos injetáveis, numa faculdade de veterinária.
Se uma menina te esnobar, não hesite em tranqüilizar a nádega dela com uma substância que faria um tigre de bengala dormir por horas.

Revendo Gotcha - Uma Arma do Barulho ontem, me diverti tal qual nos idos tempos de estudante. Como nos anos oitenta os americanos faziam bons filmes de entretenimento que realmente entretinham, independente do absurdo em que eram galgados. Afinal de contas, um filhinho-de-papai que brinca de James Bond no campus da universidade e que, durante viagem para o exterior, louco para fazer sexo e ver museus, nada mais, se vê envolvido com uma bela mulher numa trama de espionagem internacional, é algo bem insano, não é mesmo?

O filme é uma obra de arte? Não, claro que não, tem momentos até bem deslocados, como quando Jonathan, em meio ao caos, resolve comer uma bela refeição americana (mistura de merchan e patriotada bem vagabunda). Mas é divertido, leve, nem de longe aborrece e ainda tem algumas coisas bem interessantes, principalmente quando pensamos nele como um exemplar para adolescentes e jovens adultos. Estou em casa, de molho por causa de uma gripe, mas confesso que não tenho a mínima intenção de me refestelar no sofá para ver a Sessão da Tarde, que hoje exibe o “grande” Um Príncipe em Minha Vida 2: O Casamento Real. Não, obrigado. Bons tempos em que Gotcha - Uma Arma do Barulho era só um entre tantas outras “pérolas” que faziam nossa alegria juvenil nas sessões da tarde.

Mostra #05 - Hiroshima Meu Amor

2011-05-13T23:28:00.016-03:00

A última noite da Mostra 1959 - O Ano Mágico do Cinema Francês começou meio desajeitada, já que o responsável pela projeção deu início a ela sem que habilitasse as legendas em português. Saí então da sala, fui comunicar o engano, e neste ínterim algumas pessoas chegaram, beneficiando-se (pelo menos algo de bom) do imbróglio que atrasou em mais ou menos dez minutos o começo do filme. O exemplar da noite foi Hiroshima Meu Amor, de Alain Resnais, outro diretor que não fazia exatamente parte da patota de Godard e companhia, mas que nem por isso deixou ao longo dos tempos de gozar do prestígio que acertadamente lhe atribuem: o de um dos mais talentosos e importantes cineastas franceses.

Hiroshima Meu Amor inicia com uma sequência genialmente construída, uma fusão de imagens da cidade que teve sua população vitimada pela queda da bomba atômica, com a conversa de alcova de um casal, um arquiteto japonês e uma atriz francesa de passagem pela terra do sol para a gravação de um filme sobre a paz. Poucas vezes vi algo tão expressivo e tão dolorosamente poético no cinema. A partir daí, temos uma impecável construção fílmica que, além de brilhante e inventiva como narrativa do romance, é poderoso libelo contra os conflitos bélicos que afetam as pessoas em escala global. No cinema comumente memorialista de Resnais, somos intimados a não esquecer, a valorizar lembranças e a entender como elas auxiliam na modelagem dos seres e da história. Hiroshima Meu Amor é um filme complexo, onde todos os planos, olhares e gestos, são orquestrados rigorosamente sob a égide do artista formidável que é Resnais. Uma segunda visita à obra se faz necessária, seja pelo simples prazer de rever algo tão pungente e belo, ou mesmo a fim de perceber elementos que certamente escorregaram pelos vãos da percepção na primeira vez.

O colóquio posterior foi, mais uma vez, bem interessante e produtivo. Quem dera pudéssemos ter todas as semanas construtivas como esta foi. Aproveitamos para agradecer ao SESC Caxias do Sul, que nos possibilitou este contato com filmes tão importantes, e as posteriores trocas de conhecimento, das quais por vezes fomos condutores, e a todos que compareceram a estas sessões do imprescindível cinema francês.

Mostra #04 - Pickpocket

2011-05-13T16:07:00.002-03:00

Diferente dos diretores vistos anteriormente na Mostra, Robert Bresson não estava debutando no cinema ou mesmo ainda tateando por seus primeiros filmes em 1959, já tinha 25 anos de carreira quando do lançamento de Pickpocket. Há quem diga que ele é uma espécie de pai da nouvelle vague, um guru que precocemente carregaria alguns dos substratos da nova onda, antes mesmo que ela servisse de estandarte para os jovens turcos da Cahiers du Cinéma. Bresson sempre foi um formalista rígido, e sua convicção no trabalho com não atores e linguagem minimalista agradava André Bazin e a maioria de seus pupilos.

Pickpocket surge então em meio a eclosão do movimento, ao turbilhão revolucionário causado pela nouvelle vague. Seguindo a economia que esteticamente já pautava suas obras, Bresson cria em Pickpocket um conto sobre a moralidade, os crimes e os castigos vistos através dos olhos de Michel, habilidoso batedor de carteiras. Como de costume, Bresson trabalha com não atores. Há uma espécie de desconforto dos que não atuam por profissão, que é canalizado de maneira orgânica e hábil pelo realizador como estado de espírito e atributo definidor dos personagens. Bresson não se importa muito com a geografia dos espaços, dando especial atenção às suas desiludidas criaturas, sem qualquer traço de paternalismo ou algo do gênero. Roubar carteiras é um meio de subsistência para Michel, mas ele não o faz pela recompensa financeira, e sim para se sentir vivo, para conferir alguma textura a sua existência. Percebemos então que todas as figuras de Pickpocket são assim, como que levadas por uma enxurrada, em busca de algo em que se agarrar para sobreviver.

A conversa que sucedeu a exibição foi ótima, a melhor até agora, justamente por que contou com uma boa interação da plateia. Conversamos bastante sobre o filme, sobre Bresson, e quando nos demos conta já discutíamos Resnais, Cidadão Kane, neo-realismo italiano, cinema americano e outros assuntos que espontaneamente se infiltraram, assim como acontece nas boas conversas, em que um contexto emenda outro. Hoje é o último dia da Mostra, com a exibição de Hiroshima Meu Amor, de Alain Resnais. Espero por vocês lá às 19h.

Mostra #03 - Quem Matou Leda?

2011-05-13T16:03:00.003-03:00

Ontem, por volta das 18h, caiu uma chuva torrencial em Caxias do Sul. Como nosso deslocamento até o SESC é feito a pé, obviamente encaramos (eu e o Conrado) a sessão de Quem Matou Leda? encharcados, assim como os outros cinco presentes, creio. O terceiro filme de Chaude Chabrol, seu primeiro colorido, deixa clara uma queda acentuada para o suspense que marcou sua carreira, para as histórias de aparências. Exemplo é a mulher (linda) do início, flertando descompromissadamente com alguns homens, forma, aliás, interessante de apresentar a composição da casa. Logo somos levados a pensar: “é a Leda do título”, mas com o decorrer da trama, percebemos que além de não ser (seu nome é Julie), ela é a empregada desta residência abastada do interior da França, sem muita importância vital para o restante do filme, utilizada apenas para desviar momentaneamente nosso olhar. A dita moradia abriga um turbilhão emocional, com a infidelidade paterna, a apatia do filho, a passividade da filha, que mantém relacionamento com o “abusado” Lazslo, e o sofrimento quase masoquista da mãe que presencia seu marido a traindo com a vizinha artista, a tal Leda do título.

Confesso que Quem Matou Leda? não me agradou muito. O desenrolar da trajetória familiar pareceu reiterativo demais, e o posterior “quem matou” fica relegado ao segundo plano, diante ainda de uma exposição inconstante de personagens. Saber no final das contas quem matou Leda não soa lá muito relevante. Utilizar o assassinato apenas como meio de potencializar as relações familiares pedia justamente uma construção menos trepidante de personagens e da atmosfera que os circunda. Por certo o filme tem momentos de iluminação, como a maneira engenhosa com que Chabrol insere os flashbacks, que geralmente acabam na troca de ponto de vista de algo já conferido anteriormente. Quem Matou Leda? tem a característica dos primeiros filmes dos grandes diretores, com momentos bastante fortes, mas ainda carentes da maturidade que seus criadores adquiririam com o tempo e a vivência no cinema.

A conversa após a sessão foi bem interessante, e ainda mais informal, já que se interessaram por ela apenas três pessoas, sendo duas delas funcionárias do SESC. Hoje tem Pickpocket, de Robert Bresson, à partir das 19h. Espero vê-los lá.

Obs.: Post originalmente publicado no dia 12/05/2011. A repostagem foi necessária devido a um problema em grande escala no blogger, que acabou acarretando no apagamento dos comentários e postagens do dia 12.

Mostra #02 - Os Incompreendidos

2011-05-11T12:40:00.005-03:00

Revistar Os Incompreendidos, a obra que marcou o início da carreira cinematográfica de François Truffaut, é sempre um prazer, um deleite para nossos olhos constantemente bombardeados pela parca qualidade da maioria dos filmes contemporâneos. Antoine Doinel, alterego do diretor, é outro marginal, característica, aliás, dos protagonistas de alguns dos melhores filmes da nouvelle vague, por não se encaixar nos moldes ditados pelos poderes institucionalizados e reguladores da sociedade. Antoine não se adéqua à escola, não vê nela um espaço para si, assim como se percebe deslocado no seio familiar, este degradado por traições, dissimulações e falta de afeto. Doinel só encontra alforria na rua, local de descobertas e da livre exploração de um mundo que tratará de lecionar a ele algumas coisas valiosas.

Antoine Doinel lá pelas tantas se vê preso, encarcerado por não ser como a maioria, um modelo inadequado. Abandono dos pais, opressão do sistema, tudo conspira para que ele não chegue a lugar algum e, no fundo, baseado em suas próprias vivências, Truffaut com este filme nos diz que as engrenagens que movem a máquina, por vezes só tratam de massificar e apequenar algumas ambições pessoais. Fugir pode ser a solução, correr para a contemplação das torrentes do amplo mar que se desnuda frente a nossas expectativas pode ser o caminho para esta liberdade que tanto almejamos.

A conversa ontem no SESC foi boa, eu e o Conrado não parávamos de tagarelar, externando nossa paixão tanto pelo filme quanto pelo movimento em si. Das dez pessoas que viram Os Incompreendidos, seis (incluindo aí duas do SESC) ficaram para a conversa, e tivemos intervenções interessantes que amplificaram a experiência. Continuo pesaroso apenas pela pouca frequência do público, e não me venham com a desculpa de frio e chuva, pois eles, por exemplo, não são empecilhos para que os bares e casas noturnas encham por aqui. É como eu disse ontem, falta àlgumas pessoas se permitirem novas experiências, que as tirem de seus cotidianos viciados.

Todos convidados hoje para a sessão de Quem Matou Leda?, de Claude Chabrol, à partir das 19h no SESC Caxias do Sul. Se tiver tempo (no momento estou atolado num trabalho de faculdade), escrevo amanhã também sobre esta sessão.

Mostra #01 - Acossado

2011-05-10T16:40:00.020-03:00

Jean Paul Belmondo caminha meio sem lenço e sem documento pelas ruas parisienses em Acossado, uma das obras-primas de Jean-Luc Godard. Ele é um marginal, não só por matar um policial rodoviário ou pelo furto recorrente de automóveis, mas também por representar os que vivem à margem de uma sociedade centrada no sucesso financeiro, na fidelidade às marcas e ao estilo mais burguês possível. Michel Poiccard, o personagem que Belmondo defende de maneira icônica, ecoa anos depois em O Bandido da Luz Vermelha de Sganzerla, este também protagonizado por uma charmosa e instigante figura do submundo amoral. A verdade é que Acossado ressoa em um monte de outros filmes, em outras formas de arte, faz escola, e por isso é tão importante.

Nele, Godard, meio que para reduzir a duração dos cortes iniciais do filme, meio que para atender aos instintos geniais de sua criação, brinca com a montagem e a nossa percepção de espectador, acelera e esfrega em nossa cara o espetáculo que o cinema proporciona, e a inabalável empatia gerada quando este é bom e instigante. Obviamente não foi só Sganzerla que Acossado influenciou, e meu irmão Rafa, após a sessão, fez um paralelo interessante entre o final do filme e uma cena específica de Cidade de Deus (aqui não conto, pois um dos meus mandamentos é “não proferirá spoilers de maneira alguma"), mas se debruçar sobre este aspecto seria expandir em demasia o texto que, a bem da verdade não se propõe a isto. Dica para um próximo post, quem sabe.

O debatedor da noite disse que não se afeiçoava tanto ao filme por entender que nele a forma por vezes sufocava o conteúdo, que a história era rasa e que o roteiro se apresentava frouxo. Não externei (deveria) minha discordância, que só fui mencionar ao Rafa, quando nos direcionávamos à parada de ônibus. Pensar que Acossado tem somente na forma seu sustentáculo é cair na armadilha das aparências, se deixando levar pelo epidérmico. O conteúdo e suas ressonâncias, camuflados em meio a um fio condutor simples, até banal, são realmente sublinhados bastante pela forma godardiana, mas, por exemplo, não dá para fechar os olhos para a vanguarda em que está inserido também no que tange às questões comportamentais que o substancial abarca. O fio que conduz pode ser simples, mas o conteúdo vai além desta linha, e se o roteiro de Acossado é frouxo, eu não sei mais como é um roteiro bem amarrado. Se “frouxo” fosse no sentido de “livre”, aí eu concordaria e assinaria onde precisar, mas não foi o caso do comentário. Então, discordo do palestrante apenas nisto, de resto foi uma ótima conversa, principalmente aos não iniciados na nouvelle vague.

Este texto meio fragmentado, originalmente não era sobre Acossado, e sim estritamente sobre a sessão do mesmo, ocorrida ontem durante a Mostra 1959 – o Ano Mágico do Cinema Francês, mas é o que dá querer tergiversar sobre um filme tão importante, ele acaba se impondo. Sobre a exibição, a pouca adesão de público foi o único senão, e as doze pessoas (estimo) que foram, que saíram de casa e encararam o frio da Serra Gaúcha para encontrar Godard e sua obra seminal, não se arrependeram (pelo menos acredito que não). De minha parte, foi excelente poder rever um filme que da primeira vez não tinha me impactado tanto, mas que agora, à luz da evolução que o tempo e o constante apuro do olhar e da percepção trazem, se mostrou pleno e arrebatador, justificando a fama que o precede.

Vamos assistir hoje, à partir das 19h, Os Incompreendidos, de Truffaut? Aguardo-os no Sesc Caxias do Sul.

Fabricação em série, não de série.

2011-05-08T20:32:00.002-03:00

Olá, caro amigo-leitor!

2001. Ano de uma Odisséia no espaço aéreo norte-americano. Detentor dos direitos sobre a obra: Osama Bin Laden, terrorista e líder da temida Al-Qaeda. Perplexidade. O mundo inteiro mergulha em inércia, embasbacado perante o tombamento de um dos mais latentes símbolos capitalistas e, representante por excelência da hegemonia econômica ianque. Correria, fumaça, sirenes, vítimas, vistas anuviadas.

2011. Ano de Gotcha!. Tiros, não em Columbine. No Paquistão. Soldado. Anônimo. O líder religioso e político tem sua linha vital interrompida, após anos de perseguição. Todos em seu encalço e, talvez o detentor do dedo que apertou o gatilho, me foge a quantidade de vezes, pouco soubesse o porquê exatamente fazia aquilo, daquela forma. Apenas cumpria ordens. É um herói, ainda que sem nome e endereço. Apenas nacionalidade. Orgulho americano. A maior realização da vida. Sem divulgação, não lhe serve de nada. A mídia não tem forma de o formar.

Soube da notícia que toma espaço grandioso na imprensa do planeta há dias, no final de uma noite, pouco antes do pronunciamento oficial de Obama, quando fontes não oficiais já forneciam a notícia aos meios de comunicação. O arauto dela, meu irmão Marcelo, disse: “Rafa, pelo que li na internet, o Osama Bin Laden morreu. Quanto tempo será necessário para a realização de filmes, tendo como núcleo o “inimigo número um das Américas”?

O homem responsável pela injusta generalização e desconfiança inescrupulosa na população árabe, os tomando como bandidos, homens explosivos, terroristas, antes de qualquer tipo de embasamento, será alvo certamente da indústria cultural. Difícil uma terminologia que seja tão paradoxal. Mas essa o é. Comércio e cultura, lado a lado, em recíproca ação parasita. Camisetas, chaveiros, jogos, filmes, livros, e por aí sem destino limítrofe. Será que Osama sofria bullying na infância? Provável, afirmariam sem gaguejos ou inibição os sensacionalistas de sentidos apurados.

Pronto. Perfeito. Encontramos a fonte de todos os problemas do mundo: o bullying. Até que as pessoas sofressem agressão e represália alguma se efetivasse, tudo certo, em seu devido lugar. A notícia e a repulsa forçam passagem perante o surgimento de um Davi contemporâneo. Satanás, o anjo excomungado do convívio com seu criador, teria sofria mal semelhante? Boa, eis um belo mote para que a indústria fabrique em série signos de uma “cultura” cada vez mais banalizada e enfraquecida.

Abraçossss

Meu amor pelo cinema

2011-05-07T12:43:00.028-03:00

Minha cinefilia não se iniciou junto com a curiosidade pelo mundo, pelas descobertas mais cotidianas. Não fui alguém influenciado pelos pais, levado constantemente desde a mais tenra idade às salas de projeção. Tive de descobrir por minhas próprias pernas a validade que a sétima das artes traz para uma compreensão abrangente de quem somos, do que podemos ou não podemos, das agruras e belezas da terrena alma humana. Meu pai foi comigo uma vez a um cinema já decadente, no ocaso de meus quatro anos, para mostrar-me a paixão que em mim ficou semi-adormecida quase até a maioridade. Fui pouco ao cinema até os dezoito anos, sei lá, não me interessava, ou me faltava estímulo. Mas evito colocar culpas e transferir aos outros minha inércia ante as possibilidades dos filmes, que eu percebia naquela época como meros entretenimentos, sem qualquer tipo de ressonância posterior possível.

Não tenho grandes histórias para contar de matinés em que ia com amigos, ou qualquer surto de iluminação precoce por conta de uma obra-prima. Não fui uma criança ou mesmo um adolescente que via filmes em preto e branco, quisá mudos. Preferia os desenhos animados, as histórias arquetípicas de heróis e heroínas fictícios que povoavam meu imaginário. Ainda bem que a gente evolui, ou se pensa evoluído. Quando senti o gosto doce que o cinema pode deixar após uma sessão, através da comunhão entre o “eu” e a tela, iluminada que é por histórias mil, por trajetórias das mais diversas, não necessariamente possuidoras dos finais que eu esperava, ou mesmo dos desfechos mais previsíveis, senti que havia naquela relação algo de diferente. Quando senti o gosto amargo e reflexivo que permanece após filmes focados na exploração profunda da alma ou da miséria humana, e ao perceber por meio das mais variadas lentes que o mundo e, por conseguinte, as pessoas, podem ser mecanismos muito mais complexos do que minha vã filosofia propunha, senti que algo se quebrara, e que a reconstrução me proporcionava a evolução pessoal que nem imaginava almejar.

Amar o cinema é, como toda forma de amor, um constante processo de abdicação. Ele pede que deixemos para trás nossos preconceitos, para que sejamos melhores e aptos acompanhar suas mudanças. Amar o cinema é ser crítico e abrangente, não inflar o ego para proferir ao outro seu pedantismo, espezinhar um filme por pura falta de conhecimento intelectual ou até mesmo por birra acadêmica. Amar o cinema é entregar-se ao prazer de filtrar as experiências que nos são passadas pela sensibilidade de artistas tão diversos, preocupados com causas tão distintas que quando menos esperamos já nos tornamos possuidores do dom de compreender um pouco melhor o mundo, como ele bem merece. Não nasci ou cresci vendo filmes. Descobri o amor pelo cinema mais tarde, quando já tinham se passado as fases da inocência e da euforia, mas costumo dizer que não o encontrei “tarde”, e sim no momento certo. Não é assim em alguns filmes românticos? Pouco importa quando e onde, e sim se de fato nos depararemos, em meio ao caos, com nossos grandes amores.

Mostra 1959 – O Ano Mágico do Cinema Francês

2011-05-04T11:13:00.003-03:00

O fim dos anos 50, começo dos 60, marcou o surgimento da nouvelle vague, um dos mais libertários e significativos movimentos cinematográficos da história. Para reverenciar em retrospectiva o período, ocorre na próxima semana, no SESC Caxias do Sul, a Mostra 1959 – O Ano Mágico do Cinema Francês, com a exibição, seguida de debate com convidados, de alguns dos mais importantes exemplares desta revolução que adveio da França. Segue abaixo o programa completo. Não percam.

CINE SESC

Mostra 1959 – O Ano Mágico do Cinema Francês

Local: Teatro do Sesc - Rua Moreira César, 2462 – Caxias do Sul - Fone: 3221-5233
Horários: 16 horas exibição dedicada aos clubes da maturidade ativa

19 horas exibição comentada por convidados.

Entrada franca.

Data: 09/05 – Acossado – Direção de Jean-Luc Godard

Classificação: 12 anos - Convidado: Uili Bergamin

Data: 10/05 – Os Incompreendidos – Direção de François Truffaut

Classificação: 14 anos - Convidado: Conrado Heoli

Data: 11/05 – Quem Matou Leda: - Direção de Claude Chabrol

Classificação: livre - Convidados: Conrado Heoli e Marcelo Müller

Data: 12/05 – Pickpocket – Direção de Robert Bresson

Classificação: livre - Convidado: Marcelo Müller

Data: 13/05 – Hiroshima Meu Amor – Direção de Alain Resnais

Classificação: 14 anos - Convidados: Conrado Heoli e Marcelo Müller

Parceiros: Aliança Francesa de Caxias do Sul, The Tramps – Blog de Cinema, Cultura e Literatura e Dex Comunicação.
Realização: SESC Caxias do Sul – Rua Moreira César, 2462 - Fone: 3221-5233

Como podem ver, o The Tramps estará presente, como apoiador do evento. Eu (Marcelo) e o Conrado realizaremos a maioria dos debates e/ou conversas sobre este período tão rico e pontual da cinematografia francesa e mundial. Aguardamos vocês por lá.

Ir ao cinema ou não ir, eis a questão.

2011-04-28T23:57:00.009-03:00

É uma dúvida cruel esta que me assola: vou amanhã ao cinema assistir Thor, ou fico em casa e vejo algo com mais, digamos, consistência? Constatação primeira para tentar dissipar a dúvida: ainda não vi Thor e nem qualquer outro filme que eventualmente vá assistir em casa (a menos que seja uma revisão, o que não creio ser o caso de amanhã), portanto não tenho como saber antecipadamente. De qualquer maneira é pagar para ver, e arcar com o valor no final das contas. Deixo claro que gosto de filmes de heróis como divertimento e, curioso que sou, confesso que me é sedutora a ideia de ir ver o que Kenneth Branagh fez com o Deus do Trovão. Mas sabem quando há uma voz interna que diz “não se desloca ao shopping, vai para casa e vê algo por lá mesmo, o trailer de Thor nem é tão empolgante assim e a roupa do Anthony Hopkins está mais para figurino dos Power Rangers do que para bom cinema de entretenimento”.

Pois é, mas ouvir esta voz não significa segui-la, até por que posso ser bastante teimoso quanto às opiniões oriundas de minha intuição, às vezes numa espécie de auto boicote. Legal poder ver a evolução dos heróis da Marvel nas telas, ainda mais após filmes divertidos como Homem de Ferro, por exemplo, e, queria ou não, tudo vai convergir em Os Vingadores, projeto que pela grandiosidade aguça também minha curiosidade. Sigo até com certo entusiasmo as transposições cinematográficas destas figuras emblemáticas que povoaram a infância e/ou adolescência da maioria dos que são de minha faixa etária. Mas será que quero mesmo sair de casa, correr até o cinema, entrar na fila, comprar meu ingresso com desconto (afinal, lembrando, ainda sou estudante) e certamente me indispor com uma trupe adolescente que vai berrar cada vez que Thor e seu martelo aparecerem na tela? Ou seria melhor, após estafante dia de trabalho, ir direto para casa, tomar banho, comer tranquilamente alguma coisa, escolher dentre os filmes à disposição e me entocar sozinho na sala, onde o máximo de intervenção que possa me irritar serão os latidos do cachorro do vizinho? Pronto, pesando prós e contras, resolvi: amanhã eu decido.

ATUALIZAÇÃO (29.04 - 21h51): Resolvi vir para casa, ler, e assistir a série The Borgias.

Permanências e a rebeldia da inércia

2011-04-26T23:41:00.006-03:00

Há algo de muito intenso em Permanências, filme mineiro recém selecionado para integrar a competição de médias e curtas na Semana da Crítica do Festival de Cannes. Nele, um conjunto habitacional é cenário e protagonista, e um quê de abandono permeia tanto este monte de concreto, como seus habitantes, justos e indispensáveis coadjuvantes desta experiência poética. A câmera não se move e, neste mundo retratado pelo cinema contemporâneo, sua opção pela inércia, permanecendo fiel aos objetos e/ou às suas gentes, soa quase como um ato de rebeldia, um grito silencioso que busca a liberdade sem alardes. Permanências suscita ainda questionamentos internos quanto a real oscilação das coisas: a cena inicial, com um homem se movendo inconstante ao som de Beethoven, apresenta movimento associado à música ou ambos sobrepostos induzindo o espectador a uma construção própria, independente das verdades do diretor?

Um senhor fala brevemente sobre namoros do passado, uma mulher espera, outra divaga sobre algo esparso enquanto fuma, dando ainda mais ares de decrepitude a seu já cadavérico corpo, e a câmera ali, corajosa e solidária com a imobilidade dos seres. Cansa, às vezes cansa mesmo olhar inadvertidamente para uma mesma cena, um mesmo semblante, sem que quase nada se mexa, sem que algo aconteça, guiados apenas pelas variações sonoras. Mas se o filme nos traz para si, mesmo sendo detentor de momentos que beirem o enfado, é por que nele reside algo substancial, justamente este encantamento pela contemplação, pela observação feita não apenas com os olhos, já que muito da ação de Permanências ocorre fora do quadro, através de sons. O forte do filme de Ricardo Alves Junior está, então, nesta relação entre o que vemos e o que não vemos, entre o que sabemos previamente e o que decidimos submeter, ou à nossa imaginação ou à capacidade de aproximação e envolvimento com o desconhecido.

A trilogia De Volta para o Futuro

2011-04-23T19:32:00.008-03:00

Feriado prolongado, e nada melhor do que um mergulho cinematográfico num dos responsáveis pela minha formação cinéfila: a trilogia De Volta para Futuro. Quantas tardes passei em frente a TV, nos saudosos momentos áureos da Sessão da Tarde, assistindo as desventuras de Marty McFly pelas variações do tempo. Como havia muitos anos que não via os filmes, e muita água rolou debaixo da ponte desde a última vez, resolvi fazer uma sabática imersão nas fantasias produzidas por Steven Spielberg e dirigidas por Robert Zemeckis.

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De Volta para o Futuro

O primeiro filme da trilogia De Volta para o Futuro é o mais divertido exemplar que o cinema já criou sobre o complexo tema da viagem no tempo. Marty McFly, no grande papel de Michael J. Fox, volta aos anos cinquenta, após acidente que vitimou o doutor Emmett L. Brown, cientista idealizador da máquina do tempo. Ele então conhece seus pais na juventude e, precisamente por ter interagido com eles e com outras pessoas que conhecerá futuramente, McFly, além de buscar alternativa viável para seu retorno, precisará recolocar as coisas nos eixos para que ele não deixe de existir. Bons tempos em que Robert Zemeckis não era obcecado pela tecnologia furada e artificial da captura de movimentos que pautou seus últimos filmes, pois aqui ele dirige um filme dinâmico, para lá de divertido, um representante legítimo e dos mais representativos de uma época em que as palavras “blockbuster” e “franquia” não eram, como hoje, quase sempre sinônimas de porcaria. Marty voltando no tempo, percebendo que sua mãe carola na verdade tinha sido uma adolescente bem saliente, entendendo o porquê do fracasso de seu pai, tudo a ver com a juventude acovardada dele, e a subversão do final, do futuro drasticamente alterado por conta da participação de Marty no passado, inclusive mostrando a herança que a nova realidade dos progenitores trouxe aos seus rebentos, são elementos que habitam meu imaginário cinéfilo, certamente.

De Volta para o Futuro II

Objetivamente, lembrava pouca coisa de De Volta para o Futuro II, mas sabem quando se assiste algo e as imagens soam familiares? Nesta segunda parte da trilogia, que começa logo após o término de sua antecessora, Dr. Emmet vem buscar McFly e sua namorada para que eles ajudem a mudar o futuro, no qual seus filhos vão presos, decretando posteriormente o fim da família. Se no primeiro filme o objetivo era não mudar nada do passado, para não influenciar negativamente o futuro, aqui a consumação da mudança, da alteração do andamento natural das coisas, de fato provoca uma série de transtornos em cadeia ao longo das eras, e cabe a Marty novamente tentar recolocar tudo nos eixos. Embora seja menos icônica que a parte I, a parte II mantém o nível da narrativa e expande a mitologia, considerando algumas colocações sobre o tempo, as alterações e tudo o que diz respeito à viagem cronológica. E como é divertido acompanhar o que se idealizava no final da década de oitenta como sendo o futuro após 2010, mais precisamente 2015, com carros voadores, e um inconfundível porvir mais neo-retrô do que futurista. Longe de ser um caça-níquel, esta é uma sequência bem honesta do sucesso que alavancou a carreira de Michael J. Fox, um ótimo entretenimento que mantém o nível estabelecido pelo original.

De Volta para o Futuro III

Ainda não tinha assistido De Volta para o Futuro III. Na última parte da trilogia, Marty precisa voltar ao Velho Oeste para buscar o Dr. Emmet, antes que ele seja morto com um tiro nas costas pelo antepassado de Biff. De Volta para o Futuro III se utiliza pouco de alguns elementos muito característicos de seus antecessores, como, por exemplo, a interação determinante entre McFly e seus antepassados ou descendentes através das eras. Por certo, é uma aventura impregnada dos signos edificados nas duas primeiras partes, uma legítima sequência, mas o que chama atenção é a maneira pela qual dá este prosseguimento, com reverência rasgada aos westerns. Neste tocante, são ótimas as menções a este que é o gênero cinematográfico americano por excelência, mas que, ironicamente, aqui é lembrado por meio de signos e personagens mais próximos do western spaghetti, e de Sérgio Leone, italiano que elevou os faroestes italianos ao panteão de arte. Além de Marty se alcunhar Clint Eastwood durante a permanência no tempo das diligências, e se trajar como Clint aparecia nos mais célebres filmes de Leone, o diretor Robert Zemeckis dá outras piscadelas ao público mais atento, seja pela maneira como retrata os vilões, sempre sujos e repugnantes, ou mesmo algumas passagens da trilha sonora, bem ao estilo Ennio Morricone, colaborador contumaz de Leone. Reverências ao spaghetti western à parte (presentes também em uma cena do segundo filme, diga-se), De Volta para o Futuro III encerra dignamente a trilogia mais bacana do cinema.

Corra, Amélie, Corra

2011-04-23T09:48:00.002-03:00

Pausa para uma historieta que mistura comédia, tragédia, cinema e ensino superior. Estudo comunicação há um bom tempo (logo certamente farão uma estátua na universidade em homenagem aos meus anos de permanência na instituição). Uma das disciplinas eletivas que cursei, quase no meio do curso, foi a de cinema, certamente por mim a mais aguardada. Salivava só de pensar em ir para a aula. Pois bem, aqueles momentos que poderiam ter sido os mais divertidos da minha passagem acadêmica até então, se mostraram tempos de tortura medieval em sala de aula, pois descobri que um professor pode falar muita porcaria para alunos não iniciados nos assuntos que eles, os professores, deveriam dominar, mas dos quais às vezes pouco ou nada sabem. Ah, os colegas também não ajudavam em nada.

Depois de ouvir todo tipo de besteira vinda de minha professora (teoricamente uma expert em cinema), como, por exemplo, que um filme de 120 minutos não era um longa-metragem, que Chaplin teria morrido há coisa de cinco anos (será que ela não sabia mesmo e chutou, ou teria ela uma disfunção que faz seu cérebro operar como se estivesse no fim da década de 70?), que um filme com fantasma era impressionista por que impressionava (simples assim) e uma bobagem tão sem tamanho sobre Corra, Lola, Corra que acabei deletando da memória, eis que uma colega em especial coroou o mais decepcionante semestre que tive na universidade. Lembrei desta história não sei bem por que, mas nunca esqueci o rosto desta camarada de aula, durante aquela conversa, num fim de noite.

Finda uma das aulas, me dirigia com esta colega para o terminal do ônibus, conversando sobre o andamento da disciplina e sobre filmes, quando ela perguntou se eu já tinha assistido Velocidade Máxima de Amélie Poulain. É sério. Meu fluxo sanguineo parou por um segundo, respirei fundo, e disse, muito calmamente (quando minha vontade era jogar ela debaixo do próximo veículo que se fizesse presente), que ela havia feito a junção de dois filmes, bem distintos por sinal. Naquele momento, e me valendo também de memórias das pífias aulas que a professora ministrava, juro que se eu achasse a lâmpada de Aladim, pediria ao gênio para colocar minha “mestra” e esta colega num ônibus desgovernado, mas sem o Keanu Reeves, e sem a Audrey Tautou, é claro.

Os tempos modernos do cinema

2011-04-20T17:33:00.007-03:00

Embalagem é tudo. Estudos interessantes apontam que a decisão de compra do consumidor é influenciada, e muito, pela comunicação emitida pela embalagem. Considerando um universo onde cinema é comércio e filmes são meros produtos, suas embalagens devem ser extremamente atrativas, dadas as devidas ameaças de um mercado com muita competição entre empresas rivais. Para a felicidade da indústria, continuamente proclamam novidades tecnológicas que prometem transformar produtos cinematográficos em artigos extremamente sedutores. No entanto, independentemente do segmento comercial, o problema é o mesmo: dão atenção em excesso à embalagem e importância insuficiente ao seu conteúdo.

O paralelo acima e diversos outros questionamentos me surgiram ao ler sobre aquela que foi nomeada a nova revolução tecnológica do cinema, que diz respeito à captação e reprodução de imagens com 48 quadros por segundo e não mais 24 - formatação utilizada no cinema há quase um século. James Cameron, responsável também pela contínua agitação da indústria hollywoodiana em relação ao cinema 3D, é o principal entusiasta e defensor da novidade. A Variety, um dos mais importantes veículos norte-americanos na área do entretenimento, vai além e diz que tal evolução no cinema é equiparável às alterações proporcionadas pela entrada do som, cor e – novamente – do 3D.

A vindoura duologia O Hobbit, dirigida por Peter Jackson, já está sendo rodada com câmeras que captam 48 quadros por segundo. Cameron, que promete para 2014 e 2015 duas sequências para Avatar, diz que os filmes serão rodados com equipamentos digitais que captam 48 e 60 quadros por segundo. O único impasse, no presente momento, é que apenas 10 mil salas no mundo suportam este tipo de projeção. Jackson espera que até dezembro de 2012, quando lança o primeiro de seus dois filmes, o cenário seja outro e ainda indica: “se nós lançarmos mesmo em 48 quadros por segundo estes serão os cinemas em que você deverá assistir ao filme. Será inacreditável!”.

A incensada mudança, que segundo Peter Jackson já alterou a percepção de muitos puristas, está no senso de “realidade” que a tecnologia permite. James Cameron, que defende o 3D como forma de levar o espectador para dentro da narrativa, apoia o amigo cineasta no discurso. Independente do avanço, seja ele mais marketing que efetivamente tecnologia, tal necessidade por novidades sinaliza uma indústria temerosa frente às novas ferramentas disponíveis, que ainda dispersam o público das salas de projeção. O 3D aumentou e muito o faturamento dos estúdios, porém isso é sinal da elevação dos custos de ingresso e não necessariamente de uma adesão maior de espectadores.

Tento não encarar com ceticismo essas novas tecnologias. Apenas em imaginar uma repulsa imediata, anterior a qualquer experiência com alguma novidade, lembro-me de Platão e do mito da caverna. Acredito na validade de tais inovações como recursos cinematográficos interessantes, mas não essenciais ou merecedoras de mérito por revolucionarem uma arte. Avatar é excepcional quando o que se analisa é seu ineditismo tecnológico, porém até onde ele inova em outros quesitos? Até onde ele vai além de ser outra narrativa desenvolvida em cima do monomito? Existe algum filme lançado em 3D que não seria tão bom (ou tão ruim, como muito acontece) caso fosse realizado sem tal artifício?

Essas e outras questões me inquietam nos últimos dias. Amo o cinema em sua essência e tento não encarar às supracitadas novas tecnologias através de uma ótica simplista e paradoxal, como se o avanço tecnológico implicasse na carência de conteúdo, mas é difícil. Afinal, embalagem é tudo?

Bonequinha de Luxo e o glamour das máscaras cotidianas

2011-04-18T20:22:00.005-03:00

A menina que toma café em frente à Tiffany, em Bonequinha de Luxo, é mais do que uma insone excêntrica, ou mesmo uma ricaça esnobe. Ela é Holly, garota de programa chique, bem vestida, sempre maquiada, fêmea fashion que desfila um sem fim de figurinos belíssimos, que caem muito bem a seu corpo esbelto. Seu novo vizinho é um escritor em permanente crise criativa, sustentado por uma mulher insatisfeita sexualmente (ou afetivamente), e que não se importa em deixar trezentos dólares em sua cômoda sempre que volta para casa pela manhã. Ou seja, tanto Holly como seu vizinho Paul vendem seus corpos, ela em busca de glamour, este só possível por meio do dinheiro, e ele para obter a subsistência que seu outrora festejado talento não lhe garante mais. Blake Edwards, diretor famoso pela comédia, não centraliza a prostituição, evitando que uma eventual discussão acerca da polêmica função tome de assalto a narrativa que, a bem da verdade, não se propõe a isto. Bonequinha de Luxo é um legítimo filme de amor, de encontros e desencontros.

Logo, Paul ama Holly, que ama as joias e o dinheiro que fogem de sua posse. A jovem segue sua busca por um par afortunado, por alguém que se permita entrar numa loja e desembolsar bem mais do que os dez dólares de que Paul dispõe. Ela luta contra seus sentimentos, apela ao radicalismo como subterfúgio, concomitantemente busca enterrar Lula Mae, seu “eu” anterior a vida de prostituição e glamour na Big Apple. Sua ambição é quase pueril, e um dos méritos, tanto da intérprete como do diretor que a guia, é o de trabalhar na elaboração de um personagem que, de tão humano e facetado, não se presta a enquadramentos morais. Ela sabe que ama Paul, mas prefere sofrer na riqueza a ser feliz na pobreza. É uma ambiciosa incorrigível esta Holly, ou quase, e nós embarcamos na dela.

Mesmo que, no frigir dos ovos, se valha do famigerado final feliz (que, diga-se, até cabe bem na história desta Cinderela moderna), Bonequinha de Luxo conserva um olhar amargo, principalmente nas observações que faz da alta sociedade nova-iorquina da época, alvo dos anseios de Holly. A festa em seu apartamento é a melhor prova deste olhar agridoce que o filme reserva à burguesia, com tipos fúteis divertindo-se a esmo, rindo e chorando com a mesma intensidade em frente ao espelho, embriagados por uma atmosfera que celebra a aparência e o que se pode maquiar. Edwards não nega sua graça, ao habilmente inserir alívios cômicos, elementos que trazem interessante lividez à narrativa. Audrey Hepburn, por sua vez, brilha com a intensidade das grandes estrelas, agarra com paixão o papel da menina que busca a felicidade na lista dos homens mais ricos. Adaptado da obra do célebre Truman Capote, aliás pelo próprio, Bonequinha de Luxo é mais do que desfile de moda ou farol para fashionistas, como se convencionou colocar em relevo, é um exemplar bem bonito sobre aparências, máscaras e a busca pela realização.