O Decálogo - Krzysztof Kieslowski (Parte II)

Segunda e última parte das impressões da amiga Bianca Siqueira a respeito de Decálogo (1989), minissérie televisiva polonesa, concebida e dirigida por Krzysztof Kieślowski.

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Não pecarás contra a castidade

Jovem rapaz espiona (através da janela) sua vizinha e se apaixona por ela. Inventa inúmeras situações para vê-la e se contenta apenas com isto. Magda, a vizinha, sabe que tem um observador, mas não desconfia de Tomek. Seu apartamento é frequentado por diferentes homens com os quais ela tem relações sexuais, deixando o jovem Tomek enciumado e cada vez mais determinado a fazer parte da sua vida. Esta determinação acarreta na revelação das suas manobras de aproximação e das espionagens realizadas através da janela. Magda então prepara uma revanche para castigar seu indiscreto observador.  Mas este castigo acaba por revelar a distância que ambos estavam do Amor. A castidade do jovem Tomek é ridicularizada assim como a existência do Amor. As feridas causadas por este embate realçam outras tantas já hospedadas na alma e os cuidados recebidos serão oportunos.

Não Roubarás

Mãe e filha são separadas em nome da moral e bons costumes vigentes. A matriarca da família (avó) assume a educação da neta (agora filha) e distancia ainda mais os laços diretos (verdadeiros) entre elas (agora irmãs). Esta atitude moralista corroborada pela sociedade implica na estruturação de mentiras, estigmas, rancores, medos... E uma assepsia nas emoções. Esta conduta acaba por desumanizar as relações interpessoais e indicar-lhes um personagem cultural desejado. Uma mãe deve ser arrumadinha, casada com homem do mesmo circulo social, com certa idade e estudos completos. Esta personagem idealizada não cabia em uma jovem adolescente grávida do namorado (professor). É neste solo que Majka (mãe roubada de sua condição) se organiza e foge semeando a dúvida, estremecendo valores, implodindo a sua família... Ela busca sua identidade, mas não encontra terreno para conhecê-la.

Não levantarás falso testemunho

Professora de ética discute em sala de aula com seus alunos uma situação em que um bebê está em risco de morte por conta da moral e bons costumes da localidade. Ela ressalta que a ética, neste caso, deve ceder lugar à mentira (falso testemunho), pois a vida humana está acima das ponderações ou valores incidentes sobre ela. Curioso ver que fato similar a este ocorreu no passado com esta mesma professora, então jovem mulher católica. Na ocasião, a jovem estava amedrontada com a perseguição aos judeus (nazismo) e as ponderações éticas e cristãs sobre a vida pareciam valer mais que uma criança judia sob sua responsabilidade.  Esta jovem mulher abandonou a criança judia em nome destas ponderações (testemunho de fé) culturais vigente.

Não desejarás a mulher do próximo

Um casal apaixonado se vê diante da impotência sexual. Consideram que o Amor entre eles é mais forte que os desejos da carne, mas esta convicção não se sustenta por muito tempo. Ambos se atraem pelas paixões dos sentidos e, se deparam (cada qual a seu modo) com objetos, ligações misteriosas, cartas, excitação no trabalho e códigos secretos. Passam a viver uma rotina de segredos e mistérios até que o amante “potente” é desvendado. É neste momento que o casal passa a se olhar por inteiro e a constatar que o vazio experimentado (da impotência) ainda permanecia. Esta descoberta dolorosa seria necessária para que aquelas feridas pudessem receber cuidados.

Não cobiçarás coisas alheias

Dois irmãos se reencontram no enterro de seu pai e descobrem a herança valiosa em selos (coleção) que acabam de ganhar. Ao estimarem o valor deste bem, ficam completamente absorvidos por ele. Passam a obter conhecimentos sobre a prática dos colecionadores, o mercado (comércio) de selos, etc. Vendem seus próprios pertences para proteger o patrimônio adquirido e acumularem mais (novas) peças. Mas, o que a princípio parecia ser um benefício, uma dádiva, se tornou uma armadilha para suas almas. O “espírito da coisa” se reverteu em cada vez mais acumulação de valores e na proteção destes cobiçados itens.  Para obterem segurança deste patrimônio herdado necessitavam da aquisição de trancas, códigos, estratégias, alarmes, e o cofre que construíram  permitiu que eles próprios fossem tomados como moeda.

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Após assistir os dez episódios/ mandamentos, podemos notar o paralelo traçado por Kieslowski entre a cultura (ética) e a vida humana. Para ele o sentido da vida (o espírito) não está sempre vinculado ao sentimento calcado nos usos e costumes de um povo. A ética e a civilidade, sim, pois estas nascem do vínculo afetivo social predominante. Mas a base anímica alcança apenas o ser humano em sua singularidade afetivo/ emocional. Esta carece de liberdade e de expressão. E o homem está para além da sua alma (cativa) ou das suas conformidades culturais.

Para nos ajudar a entender este paralelo entre alma e espírito, Kieslowski alinhava os dez episódios pela paixão, tradição, medo, lógica, religião, ética... Cultura. Faz isto através dos seus personagens comuns (O cão morto, o pai do menino prodígio, o médico, o casal, o carteiro...) permitindo a comunicação entre eles e as “mazelas” de suas almas.  Mas ele também nos permite a existência de outro personagem que está em todos os episódios (só não vi no ultimo); um rapaz loiro, que não sofre, não trama, não fala, não se submete às paixões, mas está vestido, participa das aulas, viaja, enfim, está como nós, mas não está preso às nossas paixões ou à nossa ética. Podemos elucubrar que o sentido da vida está para além do entendimento psíquico (alma) ou lógico. E que o espírito (que é livre das amarras culturais e anímicas) nos revela algo mais sobre nós.  

Por Bianca Siqueira

O Decálogo - Krzysztof Kieslowski (Parte I)

Decálogo (1989) é uma minissérie televisiva polonesa, concebida e dirigida por Krzysztof Kieślowski, cineasta responsável, entre outras realizações, pela igualmente incontornável Trilogia das Cores. Composta de dez filmes, com cerca de uma hora cada, aborda os mandamentos bíblicos registrados no Antigo Testamento. Propus uma espécie de desafio à amiga Bianca Siqueira, de ela assistir a todos os episódios e escrever algo para o The Tramps. Desafio aceito, portanto publico aqui, em duas partes, sua visão a respeito de Decálogo.

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Amar a Deus sobre todas as coisas

O primeiro episódio faz um paralelo entre a alma e o espírito.  Somos levados, por um professor e seu filho, a pensar o intangível, o imponderável e, na possibilidade deste se materializar na concretude dos equipamentos eletrônicos, nas premissas científicas ou tão somente na prática religiosa da irmã/tia. A alegria com que esta família se relaciona com a lógica extrapola a frieza dos cálculos e Amar a “Deus” sobre todas as coisas parece estar na prática cotidiana, no espírito da “coisa” e não em sua defesa cartesiana personificada pela igreja. Mas, quis o “destino” lhes apresentar uma tragédia e, a alma atordoada desta família pode ter perdido o seu link com o Amor.

Não invocarás o nome de Deus em vão

A medicina, ciência capaz de “negociar” com a vida e a morte, aparece no segundo episódio (mandamento) representada por um homem comum que vive sua vida solitária, serenamente. As urgências ou temores dos seus pacientes (parentes destes) não encontram ressonância nas suas emoções. Mas, observando a sua clinica reparamos que a sua conduta prevê cuidados  com a alma e que seu(s) diagnóstico(s) médico tende(m) a salvaguardar o direito a vida antes de qualquer outro direito. Quando ele mente sobre o diagnóstico clínico do seu paciente está com certeza aliviando a culpa da gestante (esposa deste paciente). Este procedimento resulta na possibilidade do nascimento de um bebê e conseqüentemente no “milagre” da vida.

Guardar domingos e feriados

O Natal (festa religiosa) se anuncia pela tradição e com ele os ritos, reuniões familiares encontros religiosos, onde a noção do certo e errado, bom e mau, etc, se estruturam ou se alimentam. Valores são compartilhados desde os mais velhos até os mais jovens. Os desejos, as paixões, os medos e as traições são experimentados sob a chancela desta tradição. Os papéis desvinculantes são marginalizados. A perversão está posta, mas somente para a experimentarmos como uma sacudida nas estruturas enferrujadas da tradição. A retomada da engrenagem estrutural (lubrificadas pelas paixões) pode ser um prazer ainda maior (pós excitação). Oh,Oh Oh!

Honrar pai e mãe

Pai e filha se relacionam e se divertem como um casal sem se darem conta desta particular afinidade, mas esta atração fica cada vez mais evidente. A “descoberta” de que não é filha natural deste pai vai acarretar em uma exposição dos sentimentos (de ambos os lados) reveladores deste afeto que se traduzirá em atração sexual. A simples dissociação do vínculo parental liberava-os do pecado (incesto) e permitia o encontro desejado. Mas o constrangimento moral ainda os rondava... Então, pai e filha destroem a possível liberação dos desejos carnais e continuam a traçar sua relação parental com o mesmo afeto filial que haviam construído até então.

Não matarás

Jovem entediado e sem rumo comete pequenos delitos em busca de algum sentido (prazer) nas ruas e bares da cidade. Está determinado a quebrar valores, pelos quais, não se encontra refletido (representado). Observa um taxi e a possibilidade de roubá-lo lhe parece interessante. Mas, para a execução deste roubo deveria matar o taxista. A banalidade com que este jovem executa este pensamento /crime sem nenhum proveito próprio ou social revela muito sobre as circunstâncias culturais em que vive. A própria justiça reflete sobre suas penalidades e da inutilidade destas para com os apenados e a sociedade. Mas é com esta mesma banalidade que tratarão a vida daqueles que estão sob o julgo do ESTADO. Os valores humanos estão muito aquém dos valores sociais, econômicos... Etc. Um jovem advogado tenta sublinhar esta condição em que estamos inseridos.

Continua....

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Por Bianca Siqueira

Doses Homeopáticas #28

Nunca tinha assistido A FELICIDADE NÃO SE COMPRA. Lacuna devidamente preenchida com a recente sessão em tela grande, em tese como deve ser. E que filme bonito, não exatamente por conta da mensagem final positiva, também, mas não só em virtude dela. O personagem que abdica de tudo um pouco em prol da família, dos negócios da família, da sequencia do legado do pai, das pessoas que dependem do trabalho dele, vai entender que muitas vezes nosso próprio conceito de felicidade é tão idealizado, tão pré-formatado, que não nos damos conta de já viver dias felizes. A divindade e os anjos só estão ali para explicar o absurdo que permite ao protagonista enxergar que ele era feliz e não sabia. É um filme cuja leveza e simplicidade são só aparentes, já que elas estão a serviço de uma visão dura a respeito da engrenagem social movida pela satisfação oriunda do dinheiro, ainda que a fé no indivíduo sobressaia no final.

NEBLINAS E SOMBRAS é um filme de altos e baixos. Começa muito bem com aquela ambiência soturna e propositalmente artificial (graças a um interessante jogo de luz, sombras e neblina), na qual o personagem de Woody Allen destoa dos demais, pois eles parecem de fato num filme pesado sobre assassinos em série. A subtrama (que logo vira principal) da artista de circo que se prostitui por uma noite é menos interessante, quase dispersiva. Ficamos entre as andanças às cegas de Allen e seu envolvimento meio forçado com personagens paralelos, o que acaba gerando a sensação de vermos dois filmes distintos, meio que se empurrando em busca de espaço. No fim das contas, mesmo assim, é um bom trabalho, com algumas sacadas excelentes, como as dissidências e rivalidades que surgem no grupo que está à caça do assassino. Mesmo errando aqui e ali, Woody Allen consegue momentos que fazem valer o todo.

Em O HOMEM URSO, Werner Herzog não está apenas em busca da história inusitada daquele cara que passou anos e anos de sua vida na companhia dos ursos pardos, pretensamente os defendendo do mundo hostil. Aliás, o insólito aos poucos dá espaço para uma visão que amplifica a tragédia, não apenas a tragédia da morte, mas a tragédia humana do explorador que se refugiou na selva e tentou ser ele mesmo um urso, ou seja, transmutar-se em inumano, quem sabe para sufocar seu lado obscuro. Talvez o ódio dele pela civilização nada mais fosse que ojeriza de si próprio, das contradições e complexidades da raça a qual pertencia. Foi, assim, ao encontro da simplicidade da selva, da preocupação única com a sobrevivência. Herzog faz emergir conflitos e um questionamento principal: será que, ao aproximar-se do animal, dando-lhe nomes e características humanas, ao mesmo tempo em que almejava animalizar-se, Timothy não acabou infringindo ambas as naturezas, por deixar de respeitar suas particularidades e limites? 

Caráter

Vencedor do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 1998, Caráter, estreia em longas-metragens do cineasta holandês Mike Van Diem, é quase todo narrado na frieza de uma delegacia, onde o jovem advogado Jacob Katadreuffe (Fedja Van Huet) passa por inquérito, pois suspeito de ter matado o oficial de justiça Drevenhaven (Jan Decleir), seu próprio pai. O entorno não surge ao acaso, sobretudo se atentarmos ao desenvolvimento da trama, que se dá entre os anseios sentimentais/psicológicos dos personagens e um sistema desalmado, teimoso em lhes diminuir qualquer aspecto de humanidade. A busca do rapaz será motivada tanto por querer a atenção paterna, quanto pela angústia frente à mãe em permanente estado de torpor. No campo simbólico, ambos os genitores são partes da típica engrenagem social pós-Primeira Guerra Mundial, responsável por endurecer a natureza das pessoas.

Na condição de criança, Jacob sente falta do pai (ausente) e da mãe (presente), ao passo em que cresce num mundo mais voltado à valorização de carreiras, imprescindíveis à reconstrução da Europa, do que propriamente atento às suas necessidades afetivas. “Não precisamos dele”, diz a mulher quando indagada pelo filho a respeito do pai. Van Diem constrói pela via estética uma atmosfera bem pertinente ao seu conto calcado na burocracia dos governos e na importância cada vez mais acentuada da lei e de seus oficiais como agentes de ordenação do então caos europeu. Nesse tocante, Drevenhaven simboliza o fascismo, o poder vertical. Por sua vez, a reconstrução de época não se presta ao realismo, traz algo de fabular à trajetória de Jacob.

Adulto, Jacob vai angariar forças para peitar o pai, ao passo em que se desliga da mãe, primeiro tentando o próprio negócio, depois se afundando em estudos para virar advogado do escritório para o qual trabalha como assistente. Afrontar a autoridade paterna é questão de honra a esse rapaz possuidor de um vazio existencial relacionado ao meio convulsionado e complexo onde cresceu.  Ele não tardará a conhecer uma jovem pretendente, a ensaiar ligações afetuosas, mas sempre parecerá atraído às motivações do próprio pai, do burocrata insensível que certa vez negou sua existência num momento de necessidade. Jacob, em alguma medida, se aproximará perigosamente do destino solitário e cinzento do velho Drevenhaven, repetindo assim, e sem perceber, padrões anteriormente condenados.

Caráter é um filme seco, onde as emoções ressoam no espectador, paradoxalmente, pois escassas nos personagens petrificados pela falta de carinho. Sobreviver é primordial, nem que para isso sejam sacrificadas as ligações sentimentais. Jacob até tenta remar contra a maré, buscar o pai, resgatar a mãe da inércia, amar a colega de trabalho, mas é vencido pela máquina que buscava destruir, justo após aliar-se a ela para vencer.

Publicado originalmente no Papo de Cinema

Doses Homeopáticas #27

Fiz às pazes com À PROVA DE MORTE, único dos filmes de Quentin Tarantino que me desagradava um pouco. Tá certo que não dá para esperar a qualidade da maioria dos trabalhos do cineasta, mas, caramba, dá para se divertir um bocado com aquelas mulheres em trajes sumários falando sobre sexo e drogas, e com a homenagem de Tarantino aos grandes filmes americanos dos anos 1970 e 1980 protagonizados por carros. A violência é gráfica – pernas sendo arrancadas, pneus esmagando cabeças – e está ali o fetiche pelo automóvel. As perseguições são muito boas, sobretudo aquela do final, que inverte o jogo do dublê maluco que caça mulheres, pois ele passa a ser vítima. Sequência, aliás, filmada sem dever nada aos cânones de Tarantino.

O PODEROSO CHEFÃO: PARTE II é uma obra-prima. Aliás, a trilogia toda – que na minha concepção forma um grande filme – figura entre o que de melhor o cinema já produziu como expressão artística. A tela grande apenas reitera e amplifica essa sensação, de estarmos diante de algo quase irrepreensível. Vemos a chegada de Vito Corleone à América e sua ascensão ao topo da máfia ítalo-americana, ao passo em que acompanhamos seu filho Michael tendo de lidar com a liderança herdada, com um destino que ele em princípio não queria para si. Coppola mostra essas duas linhas temporais para evidenciar as mudanças que não permitem a Michael ser um gângster como seu pai, à moda antiga, com relações baseadas em confiança e trocas de favores, o que acarreta uma derrocada trágica e inevitável do clã.    

Embora o crime esteja já no título UM MISTERIOSO ASSASSINATO EM MANHATTAN a gente passa um bom tempo duvidando da sua ocorrência, pensando se tudo não é apenas uma invenção da cabeça desocupada da personagem de Diane Keaton. A razão parece estar do lado do seu marido, vivido por Woody Allen, ele que acha (e nos leva a achar) absurda a ideia da vizinha recém-falecida, oficialmente em virtude de um ataque do coração, ter sido na verdade assassinada pelo marido que coleciona selos. A investigação do crime está ali meio como desculpa, pois o que realmente importa é a crise no casamento, o amigo que surge como ameaça, a artista que flerta com seu editor casado. Assim, Woody Allen homenageia os filmes de detetive, essencialmente falando sobre relacionamentos, com o humor e a perspicácia de sempre.

Mea Culpa: Silêncio na Casa de Deus

A Igreja Católica, regida pela tradição da mordaça, é constantemente acusada de acobertar casos de pedofilia envolvendo padres. Eis que o premiado cineasta Alex Gibney toma como ponto de partida a denúncia de quatro homens surdos, decididos a desmascarar Lawrence Murphy, sacerdote que abusava rotineiramente de meninos matriculados numa escola para crianças com deficiência auditiva na década de 1960, para questionar a própria culpa da Igreja. Com requintes de crueldade, Murphy escolhia os garotos cujos pais não dominavam a linguagem dos sinais, entrincheirando-os no silêncio e, assim, minimizando o risco de ser delatado. Foram décadas de impunidade avalizada pelas instâncias mais elevadas do secular poder sediado no Vaticano.

As acusações, com direito a processo judicial contra a Igreja Católica, se configuraram no primeiro grande escândalo sexual envolvendo a mais influente e poderosa das religiões. A estrutura de Mea Culpa: Silêncio na Casa de Deus é feita desde a tomada de depoimento dos envolvidos, passando pela dramatização de alguns acontecimentos capitais e chegando até ao confronto das vítimas com seu algoz, na ocasião aposentado e no gozo de benefícios ofertados pela Santa Sé. Alex Gibney expande a abordagem, tomando Lawrence Murphy como exemplo de uma prática infelizmente corriqueira, como atestam os registros internos que remontam a épocas em que a informação permanecia ainda mais encerrada nos muros dos seminários, escolas, e outros locais de educação a cargo de religiosos.

Tal investigador, o cineasta revolve histórias do passado, não raro ligadas a figuras episcopais do presente, para situar a pedofilia como uma das grandes preocupações do alto escalão da Igreja Católica, sendo, inclusive, alvo até de iniciativa que, em idos tempos, isolava padres em ilhas, pois se achava que impulsos pedófilos não poderiam ser contidos.  Em meio aos relatos, surgem questões polêmicas como o celibato, entre outros postulados discutíveis do catolicismo. As vítimas discorrem sobre os traumas, as artimanhas de líderes que aproveitavam sua respeitabilidade junto à comunidade e certa aura quase inumana (a partir da ordenação, padres são vistos quase como anjos) para dar vazão aos desejos de exploração da inocência alheia.

Mea Culpa: Silêncio na Casa de Deus mostra vocação política ao mostrar a Igreja Católica enquanto instituição preocupada com a proteção de seus interesses, ao lançar olhar crítico às condutas direcionadas, sobretudo, à permanência (a qualquer custo) de peças-chave dentro da organização episcopal. Sobra até para João Paulo II e Bento XVI, acusados de, em medidas diferentes, passar a mão na cabeça de figuras ligadas à pedofilia que traziam benefícios financeiros à Igreja. Alex Gibney ataca frontalmente um dos mais respeitados estandartes da sociedade ocidental, expondo algumas de suas muitas formas de corrupção, questionando a santidade desse sistema mais preocupado com a hegemonia do que propriamente com os fiéis que, sem saber, dizem Amém.

Publicado originalmente no Papo de Cinema

Blue Jasmine

Jasmine (Cate Blanchett) nunca dependeu da bondade de estranhos. Agora depende. Antes uma dondoca da alta sociedade nova-iorquina, ela vê seu mundo de luxos e extravagâncias ruir completamente sob os pés, quando o marido se suicida na prisão após acusações de fraude e estelionato. Sem carreira nem dinheiro, ela recorre à irmã Ginger (Sally Hawkins), moradora suburbana de São Francisco, para abrigá-la nesse recomeço. Decalque de Blanche DuBois, protagonista de Um Bonde Chamado Desejo, de Tennessee Williams, a figura central de Blue Jasmine vai do aparente “céu” dos endinheirados ao “inferno” dos assalariados, não sem um colapso nervoso frente a nova realidade.

O cineasta Woody Allen mais uma vez transita entre burguesia e gente do povo, meio que zombando das “necessidades” da fatia mais abastada, relativizando as felicidades fabricadas apenas por força do dinheiro. Ser rico não é pecado, condenável é se deixar levar pela (efêmera) riqueza, esquecendo atributos essenciais. Como Blue Jasmine alterna passado e presente, vemos Jasmine, por exemplo, fazer caso da irmã pobre, a mesma que mais adiante será seu único ponto de sustentação. Porém, longe daquelas tramas edificantes de transformação, geralmente falsas como notas de 03 reais, Blue Jasmine se destaca justo por não defender as famigeradas mudanças como resultado imediato de nossos erros. Nem todo “crime” tem castigo e/ou arrependimento a ele atrelado. As pessoas são o que são, afirma o sempre tão pessimista (realista?) Woody Allen.

Por outro lado, se Blue Jasmine escapa do comum, muito se deve à interpretação genial de Cate Blanchett, no que a própria definiu recentemente como o melhor trabalho de sua carreira. A socialite destituída da vida de aparências (marido traidor, afinidades superficiais, festas beneficentes ao próprio ego) se torna passível de compreensão e compaixão, dentro das situações propostas, pois “defendida” em sua complexidade por uma atriz, ao que parece, no ápice da carreira. Não fosse ela, possivelmente ficaríamos mais atentos às redundâncias do filme, a certos deslizes responsáveis por torná-lo, vez ou outra, algo estagnado. Blanchett se agiganta em cena e não seria lá tanto exagero dizer: acaba maior que o próprio Blue Jasmine.

Jasmine entra desde já para a galeria dos grandes papeis femininos da filmografia de Woody Allen, um espaço ocupado por Annie Hall (Diane Keaton, em Noivo Neurótico, Noiva Nervosa), Marion Post (Gena Rowlands, em A Outra), Cecília (Mia Farrow, em A Rosa Púrpura do Cairo), isso só para citar algumas. Blue Jasmine observa a decadência financeira da protagonista e seu não renascimento moral /ético, à medida que a circunda de coadjuvantes, entre os críveis e os propositalmente caricatos, para extrair das relações o que elas têm de mais ordinário (e importante). A mescla é conhecida, própria ao trabalho de Woody Allen, cineasta que não vive só de obras-primas, mas cujo trabalho é, para mim, ainda um dos grandes prazeres cinéfilos. 

Publicado originalmente no Papo de Cinema